AMERICAN GANGSTER di Ridley Scott ( 2007)

Guardando American Gangster, dopo una ventina di minuti avrete un deja vu. Questa storia l'ho già vista da qualche parte. Non ci vorranno più di una manciata di secondi per capire che si tratta di Scarface di DePalma. In effetti la sceneggiatura di Oliver Stone era ispirata al personaggio di Frank Lucas, detto Superfly (ricorderete il film Gordon Parks jr del 72 dedicato al personaggio), che in breve tempo divenne il punto di riferimento per il traffico della droga in america, una ascesa al potere inaudita, ancora più surreale perchè portata avanti da un nero. Infatti sarebbe stato impensabile che il protagonista di Scarface potesse essere un afroamericano e quindi si pensò a un più "pallido" cubano, mischiando un po' di fatti di cronaca. Invece Ridley Scott racconta la storia vera di Lucas, romanzandola e dipingendolo come un personaggio romantico e vincente. oRmai Denzel Washington, insieme a Samuel L Jackson, è il nuovo blaxploitation hero della sua generazione, nonostante sia un grandissimo e versatile attore fa scelte di genere e si impegna in una maniera sopraffina. Puoi vedergli la tensione intorno alle spalle, fremere tra le labbra e valorizzare ogni inquadratura con la sua presenza: questa è inesauribile energia. Ci vuole un bel paio di palle per mettere giù uno come Russell Crowe, co-protagonista che impallidisce di fronte all'attore nero. Insieme a lui tutta la nuova(e non) generazione di attori di colore come il bravissimo Chiwetel Ejiofor e Cuba Gooding Jr. a supportare una leggenda come Frank Lucas, il sogno americano criminale nell'immaginario di qualsiasi gangsta rapper che NON si rispetti. American Gangster ha tutti gli elementi per essere un blaxploitation moderno: azione,ritmo, musica soul e funky, orgoglio nero e epicità cafona ma stavolta con un mare di denaro in più rispetto alla media dei vari Truck Turner e similia. Un film del genere doveva finire tra le mani di un Craig Brewer o John Singleton, o Spike Lee persino, invece lo dirige un inglese come Ridley Scott! Non solo, Scott da qualche anno a questa parte è diventato freddo, gelido. Una tecnica perfetta e spaventosa, elementi che collimano perfettamente eppure non c'è anima nei suoi film. Talmente perfetti da non essere veri, ed è dura con una storia originale avvincente come quella di Lucas. Intendiamoci, American Gangster è un bel vedere e si fa piacere nonostante la lunghezza, ma è finto, quasi parodistico. Cosa è successo a Ridley?

di Gianluigi Perrone

IL COLPO DELLA METROPOLITANA (THE TAKING OF PELHAM 123) di Joseph Sargent (1974)

Quello che fa di Pelham 123 uno dei migliori classici crime action degli anni 70 è la bomba ad orologeria innescata nella sceneggiatura di Peter Stone ma già nel racconto di Morton Freedgood (che firmò come John Godey). Infatti raramente una storia dannatamente semplice ha raggiunto il ritmo del film di Sargent, il classico uovo di colombo che ha fatto scuola, determinando il successo dei vari Die Hard e Lethal Weapon. L'idea vincente è l'attacco al cuore della città, o meglio ai suoi vasi sanguigni, ovvero la complessa rete sotterranea che è la metropolitana di New York. Un gruppo di criminali anonimi, vestiti alla stessa maniera e che si chiamano con nomi di colori (vi ricorda qualcosa?) prendono in ostaggio i passeggeri di un vagone della metropolitana di Manhattan e tengono in pugno la polizia. Una situazione inedita ma plausibilissima (strano che il film non abbia ingenerato emulatori) che lascia sbigottite e impreparate le forze dell'ordine. Sarà paradossalmente il responsabile della Transit Authority a trovare la soluzione del gioco. Sargent non è mai stato un virtuoso della macchina da presa ma,come dimostrato anche in White Lightning, ha l'idea degli spazi e dei tempi, dei ritmi cinematografici nonostante la propria carriera sia stata principalmente televisiva, e lavorando per sottrazione va dritto al punto. Il tutto coadiuvato da un cast perfetto, un'orchestra che suona all'unisono un'aria tesissima.Walter Matthau, Robert Shaw, Hector Elizondo, Jerry Stiller, Martin Balsam, tutti sopra le righe ma incredibilmente reali. Un cult assoluto.

di Gianluigi Perrone

INSIDE (A L'INTERIEUR) di Alexandre Bustillo e Julien Maury (2007)

Ha fatto parlare molto di sè questo nuovo prodotto della vivacissima scena horror francese che, anche un po' forzatamente, sforna nuovi registi come fosse la mamma dei cretini. Ed in effetti di maternità si parla in questo slasher vecchia maniera a tinte forti...fortissime. Non ci è dato sapere se sia la solita mossa commerciale ma c'è chi giura che durante la proiezione commerciale a Cannes (che ha fruttato un bel contratto per i registi con i Weinstein Bros) la gente scappasse indignata dalla sala a causa delle scene troppo violente. Infatti quello che ha suscitato tanta curiosità nei confronti del film scritto da Alexandre Bustillo (redattore di Mad Movies) e diretto a quattro mani con Julien Maury sono stati i commenti degli addetti ai lavori riguardo la violenza inaudita della pellicola e i quasi inverosimili accostamenti con Cannibal Holocaust. Capirete che per chi è abituato alle gratuite efferatezze asiatiche dei vari Men Behind The Sun, Guinea Pig e similaria, è difficile credere che ci si possa impressionare di qualcosa. Effettivamente, vedendo il film non si può negare che il gore non sia veramente esplosivo e disturbante. Alcune scene sono assolutamente insostenibile, soprattutto una immagine finale che potrebbe far svenire la vostra ragazza anemica nel cinema. Più che altro è il costante e esagerato spargimento di sangue che non diventa grottesco solo grazie all'esperienza di spettatori dei due. Infatti, se esiste un film derivativo, quello è A L'Interieur. Rispetto ad un Alta Tensione però, la sua essenzialità non è supportata da una regia vigorosa ma da elementi decisamente sapienti (o furbi) che sono funzionali alla narrazione (le musiche, la fotografia scurissima, la piattezza dei movimenti di camera). La storia poi è veramente sciocchina. Una ragazza incinta all'ottavo mese viene assalita in casa da una donna che vuole strapparle il bambino dal ventre. Il perchè e cosa succederà dopo lo potrebbe intuire anche un bambino al suo terzo horror. E per allungare il brodo Bustillo fa arrivare gente a casa che viene sistematicamente massacrata. Quindi il film non è altro che una serie lunga e impietosa di omicidi efferatissimi, senza preoccuparsi troppo della trama. Allora cosa è che funziona? La messa in scena, assolutamente perfetta e derivativa. Il film di Bustillo sembra dire che se hai visto migliaia di horror da qualsiasi parte del mondo, hai un budget decente ,la parente di un'attrice famosa cioè Alyson Paradis sorella di Vanessa, e una ex attrice in disuso con il culone, Beatrice Dalle, allora puoi raggiungere il successo. Questo film parla di esperienza indiretta con la camera, parla di passione per il genere e parla di molta furbizia tipicamente francese. Tant'è che i ragazzi sono arrivati in America e adesso sono in trattative per il remake di Hellraiser. E pensare che in patria è andato malissimo. Anche noi dovremmo fare cose del genere.

di Gianluigi Perrone

LA PROMESSA DELL'ASSASSINO (EASTERN PROMISES) di David Cronenberg (2007)

Questa volta un noir puro per Cronenberg, o ancora , un classico gangster movie che, secondo la sceneggiatura di Steven Knight, non sarebbe dispiaciuto a Raoul Walsh. Già, perchè stavolta siamo su territori già ampiamente calcati nella storia del cinema, quasi banali nella loro classicità: le regole della criminalità organizzata come l'immaginario comune le ha assimilate. I dettami del Mafia Movie vengono rispettati pedissequamente e probabilmente in mano ad altri il risultato non sarebbe stato il medesimo. Cronenberg invece trasforma in delirio anatomico tutto ciò che tocca, passa attraverso gli scontri emotivi dei personaggi per suggerire le implicazioni dei loro corpi, più che mai organici, più che mai involucri. L'involucro che contiene la vera protagonista del film, Christine, nata da una madre 14enne morta per dissanguamento,figlia di una violenza carnale e che nel suo dna ha la rivoluzione delle gerarchie criminali costituite. L'involucro di tatuaggi e cicatrici che contiene Nicholai, un gigantesco Viggo Mortensen, un enigma vivente, l'aspirante Re che nasconde dolorosamente il vero se stesso con l'immagine incredibilmente suggestiva, cool, che può avere un hitman della mafia russa. Per sua stessa ammissione privo di madre e padre, morto a 15 anni e da allora abitante della "zona" dove le emozioni non solcano lo sguardo. L'involucro scomodo in cui è contenuto Kirill, Vincent Cassell, il migliore in assoluto, il principe incapace di potestà, insicuro di una identità reietta, sia essa familiare (il sangue) sia essa sessuale (la presunta omosessualità), personaggio complesso ed indispensabile. L'involucro che contiene il mite Semyon, Armin Mueller-Stahl, il Re apparentemente giusto e buono che nasconde dentro la Bestia, capace delle azioni più basse, una figura quasi horror nella sua inespressa psicopatia. Questi sono i corpi senzienti in cui sono sepolti gli orribili segreti. C'è tutta una poetica attraverso parole e sentenze che dipingono un universo profondamente cronenberghiano("seppellisci i segreti coi propri corpi"-"corpo,singolare", "siamo nati già sepolti,io e mio padre","dagli schiavi nascono schiavi","per ragioni poetiche,suggerirei il suo sangue"), frasi intense e "coreografiche" ma fondamentali per Cronenberg che ne trascrive sopra naturalmente i propri temi. Come nella più grande bladefight di tutti i tempi, in cui il guerriero più valoroso, nudo e feroce, conquista il diritto al trono epicamente. Come nel finale solo apparentemente consolatorio, dove nonostante si raggiunga il proposito si ammette, mestamente nello sguardo del nuovo Re, che l'unica soluzione è l'esilio, la negazione di sé, l'abbandono del corpo verso altro.
di Gianluigi Perrone

OMBRE (SHADOWS) di John Cassavetes (1959)

C'è del jazz nel film debutto alla regia di John Cassavetes. E non solo nei temi ma anche nell'atteggiamento sperimentale che il regista volle porre nella sua narrazione. Certo c'era della nouvelle vogue, c'era una certa europeicità nell'occhio del regista ma soprattutto c'erano tutti gli elementi principali che Cassavetes porterà nelle sue opere migliori. Hunsbands, Minnie & Moskowitz, A Woman Under Her Influence, sono tutti contenuti in stato embrionale nel film, le idee di sceneggiatura, i momenti di follia dei personaggi ed il loro essere squisitamente egoisti. Tutto nel mondo dei musicisti neri di Manhattan. C'è molto di Leila in quello che sarà Gena Rowland in futuro, una ragazza nè nera nè bianca, splendida ma che vive il pregiudizio del suo spasimante sono quando questi si accorge, dai suoi fratelli, di essere di sangue afroamericano. E Leila vive questo amore con spregiudicatezza e appassionato travaglio. Così come il gruppo di bulletti scipafemmine non è altro che un riflesso dei mariti sconsiderati di Husbands. Rigirato per metà, il film ebbe due versioni, di cui una ritirata e scomparsa per 50 anni, creando contrasti tra il regista ed il produttore. Ancora embrionale ma fondamentale per la conoscenza della poetica del regista.

di Gianluigi Perrone

IL GRANDE IMBROGLIO (Big Trouble) di John Cassavetes (1985)

Ultimo film di John Cassavetes e decisamente il suo più commerciale, Big trouble è una meravigliosa commedia che nonostante le premesse riesce a tenere un concetto base del cinema di Cassavetes: la libertà ,per quanto folle,paga. Protagonisti indiscussi Peter Falk, Alan Arkin e la sempre splendida Beverly D'Angelo, in questo surreale incontro tra il grigio e impostato assicuratore Leonard Hoffman(Arkin) che ha l'obbligo morale di mandare i tre dotati gemelli a studiare a Yale e deve trovare i soldi in qualsiasi modo. I compromessi morali cadono nel momento in cui conosce i Rickey, una coppia di truffatori che gli fanno credere della morte del marito (Falk) per riscuotere una assicurazione in maniera truffaldina in complicità con Hoffman. Tutto va a rotoli per la incredibile faccia tosta dei due cialtroni e l'assicuratore rimette in gioco tutta la sua etica. Spumeggiante Falk, fa del film il suo campo di battaglia, conquistando la scena con il suo tipico modo di fare sornione. Ottimo anche Alan Arkin, a volte surreale nel suo ingobbirsi e rattrappirsi davanti alla gravità degli eventi, per non parlare della D'Angelo, ochetta sexy dallo sguardo languido che tutti vorrebbero avere in casa. E' divertente vedere come ci si prende gioco della istituzionalità dell'uomo comune in favore dei due truffatori che nonostante i loro intenti poco puliti sono sicuramente più simpatici di tutti gli altri. Sembra quasi vogliano essere due angeli custodi per Hoffman e fargli capire che la sua rettitudine in fondo è inutile visto che il suo capo è un verme e la sua moglie una rompiscatole. Incredibile quando Falk nel finale gli chiede se voglia rimanere con lei nonostante tutto, quasi sussurrato ma contenente il tema del film, che, come al solito è la libertà.

di Gianluigi Perrone

GLI ESCLUSI (A Child is Waiting) di John Cassavetes (1963)

Il primo Cassavetes a discostarsi dalla sua produzione classica, decisamente più lineare e se vogliamo commerciale nonostante evidenti sottotesti di riflessione profonda. Un classico film che tratta della situazione nelle case di cura mentale e per bambini "difficili". Cassavetes racconta di un istituto di cura dirigendo diversi ragazzi mentalmente disabili, ritardati o affetti da sindrome di Down e il loro processo attraverso un ragazzo emotivamente difficile che viene mandato in quella casa e che si chiude in sè stesso ed il punto di vista dei suoi tutori, l'uno, Burt Lancaster, motivato,esperto e cosciente del problema, un personaggio dedito al suo ruolo, l'altra Judy Garland, che impara attraverso i propri occhi una realtà che, all'epoca come oggi, si tendeva a tenere nascosta. Come spesso accade nei film di Cassavetes c'è una ambivalenza di veduta, tendendo ad accettare i due punti di vista, come il conflitto della madre del bambino, Gena Rowland, su cosa sia meglio per il figlio. Grande coraggio da parte di Stanley Kramer a produrre un progetto così complesso con un tema talmente ostico.

di Gianluigi Perrone

MARITI (HUSBANDS) di John Cassavetes (1970)

Stupendo film del clan di Cassavetes con gli amici Ben Gazzara e Peter Falk che interpretano sé stessi e probabilmente il rapporto che avevano con l'attore/autore. L'assunto è veramente stupendo. Tre amici (Gazzara,Falk e lo stesso Cassavetes) decidono di celebrare la morte prematura del loro quarto compagno di avventure scappando dalla vita. Senza dormire, cantano, bevono,delirano,litigano,piangono letteralmente vivono per tributo alla vita di uno di loro. Questa bravata li mette a confronto con le proprie vite, con le proprie famiglie e le restrizioni che ne derivano. Il matrimonio, nel cinema di Cassavetes, è sempre stato visto come la morte dell'amore, se non come una situazione burrascosa in divenire che sembre necessaria per la fruizione dell'amore e della passione ,fatta di grida, disperazione, risate a squarciagola e anche botte, nella ricerca di esprimere l'assoluta dedizione all'altro. Qui è il punto di vista dell'uomo, soprattutto di Gazzara, stufo di dover comportarsi da buon padre di famiglia che decide di mandare completamente la vita all'aria. Il film schiaccia lo spettatore grazie alla personalità dei tre interpreti, giganteschi, delle personalità incredibili, libere, smarty, attori che al giorno d'oggi non esistono più e che si muovono dominatori davanti alla macchina da presa che strettissima ruba ogni minimo singulto o movimento. Quando i tre decidono di andare a Londra senza un apparente motivo e qui cominciano dei siparietti divertentissimi in cui cacciano donne giusto per auto riflesso di sè.

di Gianluigi Perrone

MINNIE & MOSKOWITZ di John Cassavetes (1971)

Forse il Cassavetes per eccellenza, nato per divertimento insieme a Seymour Cassell e Gena Rowlands e diventato un classico assoluto. La storia d'amore delirante tra Minnie, esaurita ,pretestuosa e incapace di crearsi una relazione, e Seymour, uno sfaccendato hippie( che ha influenzato il personaggio de Il Grande Lebowski) che si innamora disperatamente della donna. Tutti i canoni del cinema di Cassavetes sono rappresentati da questi personaggi, pazzi ed incoscienti, dei bambini che giocano con i sentimenti senza preoccuparsi delle conseguenze a cui vanno incontro, una generazione folle e assolutamente libera che si confronta con il mondo con menefreghismo, senziente di sè stessa, egoista e debole, mai replicata. Capolavoro.

di Gianluigi Perrone

LA SERA DELLA PRIMA (OPENING NIGHT) di John Cassavetes (1977)

Atto d'amore di John Cassavetes al lavoro di attore e alla follia insita dei più grandi talenti di cinema e teatro, Opening Night è la riflessione del regista/attore sulla sfida di un individuo (in questo caso l'onnipresente Gena Rowlands) a confrontarsi con l'età matura. Dominata dall'attrice, la scena vede un personaggio tipicamente cassavetesiano, telluco, alcolizzato e viziato , l'attrice in là con gli anni Myrtle Gordon,che non riesce a raccapezzarsi con la sua esistenza ma dedica tutto a quello che vive sul palco. Contemporaneamente alla sua esistenza, perseguitata da una giovane fan morta nel tentativo di inseguirla, viviamo le scene della commedia che sta interpretando a teatro e la maniera con cui osa stravolgerla secondo i suoi capricci. Al di là del rimorso per la morte della ragazza Myrte ne invidia la giovane età ed il fatto che lei, ormai in avanti con gli anni, ha in qualche modo rubato il bene preziosissimo della giovane.

di Gianluigi Perrone

LA ANTENA di Esteban Sapir (2007)

In una città un cinico e potente uomo d’affari tiene in scacco la popolazione avendo rubato loro le voci. Riescono ad esprimersi col labiale e formando nell’aria le parole, quelle si, ci sono ancora. Un uomo e la sua famiglia, dopo aver conosciuto un bambino senza occhi ma che ha ancora la voce, decidono di combattere il tiranno attraverso un’antenna posizionata appena fuori città. La voce del bambino senza occhi è la chiave e devono trasmetterla a tutti gli abitanti affinché possano recuperare la loro. Per osteggiare il piano dei protagonisti il ladro delle voci mette loro ai calcagni un uomo ratto e un manipolo di sicari. Il film è girato come un’opera dei primi del 900’ di stampo surrealista, molti scenari sono costruiti in carta pesta e i monti attorno all’antenna che da il titolo all’opera sono realizzati con semplici fogli di giornale (con tanto di foto e articoli che si intravedono). Abbiamo degli echi anche nei confronti dell’opera di Odilon Redon, in particolare nella sequenza in cui si vede la luna che sta fumando il sigaro. Gli abitanti senza voce fanno in modo che la recitazione sia in linea con quella dei film muti dando un contrasto tra alcuni aspetti futuristici e altri che si rifanno al passato, un po’ quello che si vede in Brazil, ma qui siamo su canoni totalmente differenti. La Antena di Esteban Sapir, regista Argentino il quale aveva un altro film all’attivo e un videoclip di Shakira, è una metafora in stile fabula del totalitarismo, la città in cui si svolge la vicenda è una qualsiasi città, o uno stato, è lo stesso, l’importante è la frase che ripete l’anziano tra i protagonisti “ci hanno rubato la voce ma non le parole”. Un metafora perfetta del popolo a cui viene impedito di esprimersi, di avere una voce, ma che deve sottomettersi in silenzio alla brutalità di un regime. In Argentina durante la dittatura di Peron la situazione non era certo floreale, moltissimi dissidenti rifugiarono infatti all’estero… Un film interessante e brioso con degli attori molto bravi nel dare l’idea del film muto, interessante il lavoro di scenografia, le musiche e la perfetta fotografia in un bianco e nero d’altri tempi. Un’ opera che vuole essere istruttiva e ci riesce con uno stile del tutto peculiare.

di Davide Casale

MECHENOSETS di Filipp Yankovsky (2006)

Terzo film del regista Yankovsky, questa sua opera è degna di attenzione, vanta una storia particolare girata con estrema eleganza e una poetica visiva strabiliante.Il protagonista è una sorta di supereroe nell’accezione negativa, ossia un essere dotato di un misterioso potere: una lama che gli spunta dal polso quando si infuria. Il “dono” gli ha portato solo disgrazie, fin da quando bambino ha ammazzato senza volere il padre mentre assisteva impaurito e furente al pestaggio della madre. Ogni persona di cui si innamora e ognuno che gli sta vicino finisce per scoprire il suo dono e l’orrore che Sasha (così si chiama il protagonista interpretato da Artyom Tkachenko) deve sopportare. Il film si focalizza sull’amore che prova il nostro Sasha per la bella Katya (Chulpan Khamatova), sentimento corrisposto che amplificherà la sua sofferenza quando, dopo aver assassinato sempre senza controllo l’ex amante di lei, si troverà braccato dalla polizia e in fuga col suo amore. Quello che si nota nel film fin da subito è una fotografia estremamente curata, un uso di colori caldi e avvolgenti e un montaggio che segue dei canoni musicali, che danno un ritmo alle sequenze, ci si accorge presto di ciò e ogni immagine diventa incantevole. Fotografia e musiche, e questo è importante, sono ben lontane da dare un effetto cosiddetto videoclipparo al tutto. La storia di per se non è affatto complicata e lascia spazio ad una recitazione fatta soprattutto di gesti e di sguardi che rendono Mechenosets a tratti teatrale. Vi sono momenti indimenticabili, come lo sfogo sugli scogli sul finale del film, i momenti di smarrimento che prova il protagonista di fronte alla sorte ingrata che il suo dono-maledizione gli procura in ogni istante della sua esistenza. Ma quella lama da dove proviene? Che spiegazione ha? Anche questo concetto surreale di una lama che spunta dal braccio contribuisce a rendere il film affascinante, partendo da un presupposto che ha dell’incredibile. Personalmente se avessi saputo in precedenza di un tale soggetto non avrei scommesso sull’esito del film, invece mi sarei sbagliato. Questo Mechenosets è davvero un film mirabile.

di Davide Casale

JADESOTURI di Antti-Jussi Annila (2006)

Jadesoturi è il primo film in cui la Cina incontra la Finlandia: gli sforzi produttivi sono congiunti (vi partecipa in parte anche Hong Kong) e si alternano attori Finlandesi e Cinesi. Si mescolano vicende tratte dalla mitologia Finlandese ambientate attualmente nel Paese nordico e vicende ambientate nella Cina antica. Vi sono quindi scene di arti marziali, per la precisione di kung-fu e molti effetti speciali che hanno il compito di esaltare la parte mitologica tratta dall’opera di leggende folcloristiche Finniche denominata “Kalevala”.Il regista, alla sua prima opera, mette in campo una storia che ha come protagonista un fabbro e un vaso da aprire solo in caso di estremo pericolo.. Per quanto l’operazione non abbia precendenti e sia pionieristica, manca di una struttura efficace, i cambi di ambientazione tra presente e passato e quindi tra Finlandia e Cina antica sono fin troppo repentini e contornati da effetti speciali purtroppo fine a se stessi. Una semi delusione anche per quanto riguarda le scene di lotta, coreografate in maniera approssimativa, si è visto di meglio in numerosissime altre opere più o meno recenti e di varia entità. Le carte in regola, per essere per lo meno un prodotto interessante, le aveva tutte, ma il regista non riesce a confezionare una storia interessante e più volte ci si annoia sebbene capiti di tutto durante i 110 minuti della durata. Il film per lo meno non è costato molto, anzi direi molto poco per un’operazione del genere, si parla di 2.700.000 euro circa.

di Davide Casale

CHRONOPOLIS di Piotr Kamler (1982)

Con questo panflet è stato presentata l’opera in questione al SciencePlusFiction Festival edizione 2007 di Trieste: “Non esistono prove sufficienti della non esistenza di Chronopolis. Anzi, i sogni e i manoscritti concorrono nell’affermare che la storia della città è una storia eterna e di desiderio. I suoi abitanti, ieratici e impassibili hanno come una occupazione e piacere quella di comporre il tempo. Nonostante la monotonia dell’immortalità, vivono nell’attesa; un evento importante deve prodursi nell’incontro tra un istante particolare e un essere umano. Ora, quest’atteso momento si sta preparando.”
Piotr Kamler è un regista polacco classe 1936; era in stretto rapporto con le avanguardie, soprattutto musicali, durante gli anni ’60. Di lui si dice essere più un artigiano che un artista, questo perché creava lui stesso in laboratorio scenari e oggetti che poi animava nei suoi lavori. I mondi particolari che metteva in mostra Kamler sosteneva esistessero veramente, erano solo in attesa di essere rappresentati. Questo lungometraggio di 82 minuti fu presentato fuori concorso a Cannes nel 1982 nella versione estesa di due ore circa. L’approccio a un’ opera di questo genere è particolare, va ovviamente introdotto e reso consapevole il pubblico di quello che sta per vedere. Il “comporre il tempo” di cui si parla nel panflet sono delle immagini in cui particolari figure architettate ad hoc per dare una continuità individuabile nell'infinito. I bizzarri abitanti di Chronopolis compongono il tempo liberando oggetti che vanno a incontrarsi e scontrarsi, che generano altri oggetti e che hanno come comune denominatore quello di mantenere una sorta di scansione della realtà, di cui nella città sono privi dato che il tempo non è ravvisabile in nulla. Con un approccio disinformato Chronopolis potrebbe essere tranquillamente usato come strumento di tortura, data la monotonia delle sequenze. L’immagine qui presente è tratta dalla copertina di un dvd che oltre a raccogliere questo lungometraggio contiene altre 9 opere, cortometraggi, firmati sempre dallo stesso artista.

di Davide Casale

ALMAZ BLACK BOX di Christian Johnston (2007)

“In 1998 a Russian Military Space Station received a powerful signal of unknown origin. Sixty-seven hours later the Station broke up in the Earth's atmosphere. The Russian Government initiated an extensive cover-up. They were unable to find the Station's Black Box and assumed it was destroyed on reentry. They were wrong. This year, the disturbing contents of the Black Box will be revealed.”

Presentato come film a sorpresa all’edizione 2007 del SciencePlusFiction festival di Trieste, in una sala mezza vuota con tanto di regista presente alla proiezione. L’opera è stata inserita tra i film a sorpresa, così ci han detto, quindi senza titolo, per i temi delicati di cui tratta, sarebbe del materiale sottratto per chissà quali vie all’intelligence Russa.. L’aura di mistero si è impadronita subito degli spettatori e il film viene spacciato come documento segreto. Nessuno dei presenti, immagino, si aspettasse da un momento all’altro un' irruzione di corpi speciali Russi con Putin in persona armato di sciabola, tanto meno il sottoscritto, il quale ancora col sapore del pranzo in bocca si apprestava divertito alla visione, anche se devo ammetterlo, piuttosto incuriosito. Il film è girato molto bene, chiaramente per la maggior parte in camera a mano, intervallato da riprese delle videocamere fisse posizionate nella navetta che registrano ogni cosa. Bisogna dire che il tutto è fatto egregiamente, la tensione sale ogni minuto che passa e il film scivola via che è un piacere, ci troviamo anche noi all’interno della navetta e la claustrofobia è palpabile. Non a caso vi è un approccio molto big brother, con gli astronauti che spesso confidano le loro paure e i loro timori alla camera fissa, collegata ovviamente alla scatola nera. Una miscela vincente presentata in maniera speculativa, anche perché il giovane regista, quando fu il momento di intavolare un dibattito post visione, se ne è scappato (proprio di corsa) con una scusa incomprensibile sul fatto che l’attore del film non doveva essere presente in sala o chissà cosa.. Non l'ha ben capito nemmeno la presentatrice, molto carina tra l'altro. La mossa commerciale mi è parsa più che evidente e quasi ingenua, forse il signor Johnston dovrebbe tenere presente che non tutti sono allocchi. Pseudo antipatie a parte, il film è ben realizzato, lo si inserisce, non occorre nemmeno dirlo, nel filone Blair Wich Project e lo consiglio vivamente (tanto in qualche modo tenteranno di venderlo).

di Davide Casale

THE 4th DIMENSION di Tom Mattera & David Mazzoni (2006)

Tom Mattera e David Mazzoni girano a due mani e con 75.000 $ circa questo lungometraggio che vanta una buona fotografia in uno sgranato bianco e nero per tre quarti circa del film. La vicenda vede il protagonista, dapprima bambino e poi adulto, alle prese con un concetto che lo ossessiona, ossia la rappresentazione di una quarta dimensione, la quale sfugge ai sensi ma non esistono prove sufficienti per decretarla inesistente. Per buona parte del film assistiamo il protagonista in strani esperimenti accompagnati da fobie e manie di persecuzione con continui deja vu nei confronti dell’opera di Darren Aronofsky Pi. Tra alti e bassi e una colonna sonora praticamente assente, oltre ad un’incisività di rumori di fondo piuttosto fastidiosa, arriviamo all’epilogo e il palco casca tutto, fino all’ultimo bullone della nostra impalcatura immaginaria si sfalda e prende pure fuoco. Tutta la pazienza che abbiamo avuto nell’ osservare, quasi affascinati (o annoiati?), i deliri del protagonista viene ripagata col divenire di The 4th Dimension una fotocopia di un film di successo di qualche anno prima. Gli ultimi minuti di questo lavoro sono un plagio del finale di quel gran film firmato Brad Anderson che è Session 9. Vi sono sequenze identiche, stesso intreccio e stesse identiche rivelazioni con tanto di scenari pressoché identici. C’è da rimanere davvero a bocca aperta. Inspiegabilmente pare abbia vinto anche dei premi quest’opera, mentre i due registi dovrebbero solo vergognarsi.Vedere per credere.

di Davide Casale

CHRYSALIS di Julien Leclercq (2007)

Dalla Francia arriva questo interessante film di fantascienza, opera prima di un giovane regista classe 1979 che tenta, parole sue, di creare una sorta di fusione tra Gattaca e Minority Report. Presentato in questo modo sembra che l’originalità non sia di casa, ma nei confronti dei film sopraccitati, soprattutto di quello con Tom Cruise tratto dal romanzo di Philip K. Dick, vi sono solo similitudini di fondo.In Chrysalis salta subito all’occhio l’ottima e freddissima fotografia, diretta da Thomas Hardmeier, che sottolinea il contrasto tra gli eventi meccanici e spietati che avvolgono la storia, la quale però si fa sempre più umana man mano che si procede verso l’epilogo. La prova del protagonista, interpretato da Albert Dupontel, è estremamente efficace e rende alla perfezione un personaggio che rappresenta il classico poliziotto rude e deluso dalla vita, col peso di una moglie morta in una sparatoria tra le sue braccia. Ma Dupontel darà il meglio cambiando il registro di recitazione in seguito ad eventi dello script. L’attore è molto famoso in Francia, noi lo abbiamo visto piuttosto recentemente come partner di Vincent Cassel nel film Irréversible. Vi sono parecchie scene d’azione, e i combattimenti corpo a corpo sono quanto di meglio si sia visto dai tempi di Fight Club, diretti in maniera impeccabile con il risultato di essere davvero realistici. Non si tratta di arti marziali, ma di un ibrido di queste messo al servizio della lotta stradale più becera. Il regista Julien Leclercq, sebbene la giovane età, sembra avere le idee chiare, ha realizzato questo film con molti sforzi per riuscire a mettere insieme un budget di tutto rispetto, che si aggira attorno ai nove milioni di euro, pare si sia personalmente indebitato per riuscire nell’impresa. C’è chi lo accusa di presunzione per questa sua opera, di certo non chi scrive. Il film è un prodotto concepito per il pubblico di massa e gli effetti speciali di pregevole fattura non nascondono affatto l’intento, peraltro riuscito, di stupire. Una piccola curiosità: la giovane e bella protagonista del film è la moglie del regista.

di Davide Casale

VEXILLE di Fumihiko Sori (2007)

Fumihiko Sori era già noto nel 1997 come supervisore degli effetti speciali durante la lavorazione di TITANIC, il colossal firmato James Cameron. Nel 2002 gira il suo primo lungometraggio, che probabilmente molti di voi ricorderanno, un film bizzarro intitolato Ping Pong. Questo Vexille è il suo ultimo film, interamente girato in cgi che raggiunge i più alti traguardi nello sviluppo di questa tecnica. Il film è davvero sorprendente ed è a tutti gli effetti un prodotto ideato per un pubblico di massa, un blockbuster che è stato già venduto in oltre 120 paesi. Lo script è piuttosto classico, sebbene il film sia Giapponese è molto occidentale nella trama, con tanto di Americani come eroi di turno nel salvare il mondo. Siamo nel 2077 e il Giappone, uscendo dalle Nazioni Unite in seguito a pesanti sanzioni, si è isolato da anni tagliando ogni contatto con l’ambiente esterno. Sii sospetta che nel paese del sol levante si continui a sviluppare la tecnologia degli androidi, vietata in tutto il resto del mondo.. Gli Stati Uniti (e chi se no…) spediscono segretamente un’unita S.W.O.R.D all’interno del, i militari scopriranno un’agghiacciante verità.. Se la trama non brilla certo di luce propria, gli strabilianti effetti la mettono spesso in secondo piano, lasciando lo spettatore a bocca aperta con delle trovate create appositamente per la resa visiva. La morale, come in molti film di fantascienza di ultima generazione, è rivolta ai giovani, all’amore per la vita, un bene prezioso da non sprecare e soprattutto sottovalutare. Curioso il fatto che ci vengano propinate moltissime morti, addirittura delle stragi, il tutto comunque in funzione del sottolineare il significato di fondo del film: con la tecnologia non si scherza essendo una lama a doppio taglio. Certamente non siamo di fronte ad un capolavoro, ma vale la pena visionarlo in primis per il traguardo raggiunto con la cgi e per alcune trovate piuttosto interessanti, sebbene siano inserite in contesti molto derivativi rispetto ad altri classici scifi.

di Davide Casale

PUMPKINHEAD 4 di Michael Hurst (2007)

In Italia, terra di poeti, l’horror il più delle volte è trattato come genere di serie B. Basti pensare al trattamento riservato ai tre Gingersnaps, dove si è spacciato l’ultimo capitolo come primo e l’effettivo primo come sequel. A Pumpkinhead, saga creata dallo specialista in effetti speciali Stan Wiston, non è andata meglio. I capitoli migliori (i primi due) sono ancora da noi inediti e abbiamo avuto la fortuna di vedere solo in dvd i due sequel fotocopia (il tre e il quattro). Questo quarto film, a dirla tutta, poi è il peggiore della serie: mal diretto, mal interpretato da attori cani e neanche tanto marcato sul piano della violenza come invece era il predecessore. La trama è sempre quella: una morte violenta e uno sconsiderato che rievoca lo spirito di Pumpkinhead, un bambino rettile dalla testa a forma di zucca, che per lui attuerà una sanguinosa vendetta. Se nel primo capitolo (diretto dallo stesso Wiston) la formula era ancora (relativamente) inedita, arrivati al quarto episodio tutto puzza di tremendamente vecchio. A nulla servono le (flebili) ambizioni del regista di voler girare una specie di Romeo e Giulietta horror con questi due innamorati divisi dall’odio di due famiglie: se solo Brian Yuzna con “Il ritorno dei morti viventi 3” è riuscito nel miracolo. Meglio tacere poi sulla marchetta di Lance Heriksen, intrappolato nell’irritante ruolo di un fantasma consigliere. In America questo “capolavoro” è uscito direttamente sulla tv via cavo saltando persino il mercato dei dvd. Noi restiamo intanto in attesa che qualcuno si decida a buttare fuori Pumpkinhead 1 e 2, due opere che hanno segnato l’immaginario horror anni 80 e che a noi, come molti capolavori (Basket case fra tutti), sono stati solo sogni ad occhi aperti. In qualsiasi caso se proprio dovete vedere un Pumpkinhead in italiano buttatevi sul capitolo tre “Cenere alla cenere”, almeno lì il sangue tiene alta la tensione.

di Andrea Lanza

PARANOYD di Debora(h) Farina e Giuseppe Amodio (2007)

Al di là di tutto il chiacchiericcio nato intorno a Paranoyd, la presentazione al Tribeca (ma che sia quel Tribeca?),delle presentazioni a Los Angeles(ma che sia quella Los Angeles?) e degli attestati di stima di Quentin Tarantino (ma che sia quel Quentin Tarantino?) quello che incuriosisce riguardo a quella che è stata pubblicizzata come una visual sensorial experience, un sexy thriller psicologico, una via di mezzo tra Argento e David Lynch è di che tipo di film fosse e se fosse effettivamente un film. Più di qualcuno ha espresso dubbi sulla creazione di un progetto cinematografico totalmente a budget zero, girato con una troupe di 2 persone tutto incluso in un solo giorno di riprese(compreso sonno e pausa pranzo). Il film esiste ed ha più di una qualità assolutamente inedita alla storia(del cinema e non). Nonostante siano dichiarate come influenze del film i succitati Lynch e Angento, il lavoro di Giuseppe Amodio(regia,sceneggiatura,operatore di camera,montatore,compositore,special fx,best boy,driver,stunt...) e Debora(h) Farina(soggetto,regia,camera,montaggio,fotografia,musiche,distribuzione,produzione...) ricorda più da vicino alcune delle sperimentazioni recenti di Jess Franco per l'uso di effetti caleidoscopici da funghi allucinogeni, preponderanza di atmosfere di erotismo più vicine al gonzo amatoriale anche se non così spinto ed il mistero,che è una costante del lavoro. Non solo perchè durante il film,come recita una delle numerosissime didascalie all'inizio del film, sono avvenuti fatti misteriosi ma anche per l'incomprensibilità di alcune scene topiche su cui la camera si dilunga, come le armi da Cluedo che spuntano dagli alberi all'inizio dei titoli di testa o una lunga insistenza sul disegno delle mattonelle della cucina su cui la camera inducia fino ad impazzire soffermandosi sui fornelli e successivamente sugli utensili del bagno, come a volere trarre fuori una misteriosa essenza dal focolare domestico. Ancora il mistero si insinua nel sonoro in loop, le musiche psichedeliche insistenti e onnipresenti che continuano oltre l'immagine, tanto che nonostante il cambio di scena la musica rimane la stessa, effetti campionati slegati dalla realtà, quasi ipnotici e senseless. E ancora la H che compare e scompare dal nome di Debora(h) Farina e la Y peregrina di Paranoyd, due incognite che potrebbero anche celare altri misteri sconosciuti. "Ogni mente costruisce il suo proprio mondo" è una delle numerose didascalie dalla quale si dovrebbe intuire il mistero dietro Paranoyd, didascalie da retrogusto seventies che diventano quasi dei video o addirittura un karaoke che segue le musiche a tema. Farina e Amodio sono tutti i personaggi che passano per lo schermo, addirittura quest'ultimo nel triplo ruolo del postino,di Giorgio e dello zappatore, con una rivelazione finale naturalmente aspettata visto che in fin dei conti sullo schermo ci sono sempre le stesse due persone. Paranoyd è un prisma che non teme rischio di spoiler vista l'esilità del plot, potrebbe essere il sogno lisergico di un ferrotranviere pachistano, di un infante che si appresta a nascere o di una foce che sta per morire, qualsiasi cosa potrebbero esprimere le immagini dello schermo così a rischio di epilessia. Espedienti sperimentali aggiungono effetto alla narrazione:scenografie asettiche,screensaver di windows,uso massiccio dello split screen,simboli fallici, la frammentarietà cronologica,new york sono derive drammatiche per lo spettatore che affrontano una anti-narrazione in divenire. Difficile contenere l'applauso nella scena di sesso ctonia in cui sotto il movimento delle coperte risuona una versione pop di Happy Birthday to You e con voce atona la protagonista recita un brano da un manuale di entomologia. Come è possibile tutto ciò? In una ideale sintesi minimale le farfalle,l'(assenza di) acqua sono temi semantici ormai quasi abusati ma qui rappresentati con una valenza popolare, quella della donna sexy che fa entrare l'uomo maschio per controllare il proverbiale tubo che perde. Nonostante le presenze del film siano due, il terzo protagonista del film è il bosco, che si ripresenta ancora e ancora,nelle stesse immagini colorate da tonalità opprimenti. Alla fine del film i nomi dei due protagonisti di questa avventura ritornano ancora e ancora a sottolineare la dualità dell'operazione ma quasi di monito oscuro verso quel mistero mai svelato che va oltre la visione del film, che ti porti a casa e ancora nel sonno della mente.

di Gianluigi Perrone

QUEL TRENO PER YUMA (3:10 to Yuma) di Delmer Daves (1957)

Difficile spiegare bene cosa sia 3:10 to Yuma adesso che è diventato uno dei simboli del cinema western. La percezione che si sarebbe avuta allora è quella di un film smaccatamente commerciale, che prendeva i presupposti da Mezzogiorno di Fuoco, ma che aveva la freschezza e l'intuizione di portare elementi inediti nel genere. Questo,più che a Delmer Daves, che in definitiva era un ottimo artigiano ma non molto di più, si deve alla produzione che seppe riunire diversi elementi fortunati ed in qualche modo geniali. Abbiamo una storia avvincente, merito di un ancora inespresso Elmore Leonard che fa dei personaggi la forza del plot, tenendo solo sui due protagonisti il succo del racconto. Un uomo mite che deve portane un altro estremamente pericoloso all'appuntamento per venire portato in prigione a Yuma, a prendere quel treno. Ci sono diversi elementi che sono chiaramente catalizzatori di suspance. Innanzitutto il fatto che si aspetti l'evento che succede in quel momento, a quell'ora precisa. A questo si aggiunge l'assedio che precede il finale, dove convergono tutte le forze del film in maniera centrifuga e centripeta,i due protagonisti, il bandito Ben Wade, furbo,feroce ma con un codice morale e il contadino Dan Evans,un uomo pacifico che per denaro ma soprattutto per una dimostrazione personale verso la sua famiglia, si avventa a rischiare la vita. Naturalmente l'idea è che ci sia un rispetto che accomuna i due,Wade in pratica racconta a Evans la sua vita e dimostra di conoscerlo ma di aver scelto una strada diverso. Nel luogo dove sono loro in attesa sembra esserci un fulcro atomico pronto ad esplodere, che alcuni rifuggono per timore e altri cercano di raggiungere per innescare. Entrambi i protagonisti hanno il potere o il volere di rifuggirlo ma si crea una ideale bomba che deve raggiungere la fine del suo conto alla rovescia per terminare. Quel 3:10 per Yuma. Se un plot del genere trionfa su tutta la linea, che dire del fatto di usare Glenn Ford come protagonista, una proposta che non ha il fine solo di richiamare il pubblico ma di dare una immagine diversa al bandito verso cui lo spettatore deve avere una chiara simpatia. Questo era un lavoro di produttori intelligenti. Se pensiamo che il regista sarebbe dovuto essere Robert Aldrich possiamo solo immaginare verso che livelli potesse aggirarsi il prodotto finale. Una curiosità su quale peso abbia avuto la popolarità del film a livello mondiale, il termine Yuma è diventato a Cuba di uso comune riferito ai turisti americani.
di Gianluigi Perrone

IN PRISON MY WHOLE LIFE di Marc Evans (2007)

Documentario realizzato da Marc Evans (Trauma, My little Eye) su Mumia Abu-Jamal, giornalista di sinistra ed esponente delle pantere nere condannato più di vent'anni fa alla pena di morte e ancora in attesa di esecuzione. A seguire la vicenda ci pensa un giovane di nome William anni nato proprio il 9 dicembre 1981 il giorno che Mumia in circostanze ancora misteriose viene arrestato per aver sparato e ucciso un poliziotto. Inizia bene questo documentario, con un countdown di un interminabile minuto di attesa. Un minuto in confronto a 25 anni. Giusto per rendere l'idea. Che Mumia sia colpevole o no l'attesa è una condanna troppo severa per tutti: un girone infernale costruito dalla burocrazia. Specialmente se poi la condanna viene attraverso un mezzo medievale come la pena di morte. E fino a qui tutto a posto. Il problema del dopo Moore è che ogni documentario deve avere il suo bel apparato di effettismo populista. Ecco allora che Marc Evans si gioca la carta del razzismo. Magari è pure plausibile che Mumia sia stato arrestato perchè era nero. Ma quali sono le prove; un Giudice che dice "aiutatemi a friggere questo negro!". Dove sta scritto che veramente il Giudice abbia riferito queste parole; da nessuna parte. Ma il documentario da per scontato di si. Per forza. Siamo in un mondo razzista. Altre prove: un schemino sugli spari che neanche il caso JFK. Un prostituta pentita dopo 25 anni. Ok. Ammetto di aver avuto pietà nei confronti di Mumia. Ma perchè si cerca sempre di istaurare un processo mediatico. Dove mai hanno portato le teorie di cospirazione? Credo da nessuna parte. Interessante invece il discorso politico sui vari movimenti Black nei anni '70. Noam Chomsky, Angela Davis, Alice Walker, Steve Earle sono solo un gruppo delle persone intervistate per raccontare quegli anni. Da pazzia invece lo sgombero di un palazzo occupato da un movimento chiamato "move" attraverso un bomba. Un bomba lanciata da un elicottero cha fa saltare in aria un palazzo (c'e il video):11 morti, tra cui 6 bambini e siamo a Philadelphia non in Vietnam ricorda una delle tante voci di quell'epoca. Pazzesco. Questo è il razzismo. Naturalmente il documentario si chiede se quello che succedeva allora succede anche ai giorni nostri. Purtroppo cade ancora nel ridicolo intervistando Mos Def e Snoop Dogg. I due Rapper prendono come esempio l'arresto di Mos Def durante uno spettacolo tenuto in piazza. Con tutta la simpatia che ho per il personaggio c'è un differenza grande come oceano tra un uomo condannato a morte per omicidio e un rapper che viene arrestato (probabilmente per farsi pubblicità) durante un esecuzione Live. Tutti d'accordo che il razzismo esiste. Ma ci sono esempi ed esempi.

di Daniele Pellegrini

POP SKULL di Adam Wingard (2007)

Sarò io. Devo avere degli anticorpi che mi permettono di assemblare qualsiasi informazione da un film del genere. Pop Skull guarda con ingordigia a Tsukamoto e Lynch. Wingar vorrebbe (o crede, che differenza fa?) far parte della loro prole. Sognare le stesse cose. Sperimentare le stesse tecniche. Pisciare pure nello stesso cesso se fosse possibile. Wingar non è il solo. Quello che la gente si deve mettere in testa è che sia in Tsukamoto che in Lynch (per quanto mi duole dirlo) c'è un idea di cinema. Quella che permette da più di cent'anni di raccontare storie. Non è la tecnica o il fatto di essere criptici. E' l'idea stratosferica che ognuno la sua storia la racconta come vuole lui (un pò come le barzellette). Quindi premesso questo voglio giudicare Pop skull solo per quello che è. Prima di tutto va chiarito un fattore; questo non è un horror. Pop skull è un film dilettantesco (niente scuse dei 3000 dollari), che si basa escusivamente su tre fattore: Lei lascia Lui, Lui si deprime e vede un fantasma, Lui fa la stronzata. Niente di più. Poteva benissimo durare 5 min. Eppure riescono ad allungare il brodo con una serie infinita di effetti allucinogeni. Divertente? Non credo. Qualcuno ha mai detto che i tempi di caricamento dello Spectrum era arte; no, preferivamo giocare. Qual'è allora il senso di tale operazione? Non riesco a spiegarmerlo. Un frase iniziale diceva "che il film poteva creare problemi a chi soffre di epilessia". Precauzione giustissima ma allora perchè nessuno si interessa a chi soffre invece di sonnolenza? Un idea per il cinema in generale.

di Daniele Pellegrini

JUNO di Jason Reitman (2008)

Good Vibrations. Le vibrazioni positive cantate dai Beach boys sono forse l'esempio perfetto per spiegare Juno. Quelle vibrazione emozionali che separano l'ipocrisia dalla tenerezza. Dimenticate per un attimo chi per meschinità esibisce dolore e pianti. Juno parte da un presupposto deplorevole per la società moderna; la gravidanza prematura di una quindicenne. Eppure non può esimersi da essere una commedia; dark, ma pur sempre commedia. Jason Reiman figlio del grandissimo Ivan non più di due anni fa aveva esordito con Thank You for Smoking, commedia di buon livello ma didascalica sul problema dell'industria del tabacco. Ottimo film ma Reiman si era fatto travolgere troppo da un script cinico senza lavorare seriamente sui personaggi. Qui in Juno non fa lo stesso errore; il nuovo mondo creato è un posto dove uno può sputtanarsi, amare, lasciare, odiare, isolarsi, ignorare; insomma farsi travolgere dalle emozioni. I personaggi sono emozionali. C'è Juno (Ellen Page) insofferente quindicenne incinta che vorrebbe affrontare la vita come un adulto ma con la capacità orribile di rimanere adolescente come Mark Loring (Jason Bateman). Paulie Bleeker (Michael Cera), ingordo mangiatore di Tic Tac, frastornato dall'idea di aver messo incinta una ragazza e di non poter avere scelta sulla questione solo perchè si sente ancora un gretto adolescente. Fino ai due genitori di Juno (due strepitosi J.K. Simmons e Allison Janney) e il loro modo di essere quello che la ragazza vuole solo perchè non possono essere d'esempio. Ma non c'è niente di sbagliato in questi personaggi; anzi si può definire con assoluta certezza che non esistono personaggi cattivi. Anche la frustrante Vanessa Loring (Jennifer Garner), adotattrice del bambino insieme a Mark Loring, si rivelerà un personaggio più dolce di quanto potesse far pensare all'inizio. Eppure in mezzo c'è aborto, l'adozione, il sesso e i rapporti di coppia. Il messaggio è chiaro; non esiste gente cattiva, ma solo situazione sgradevoli. Non so dire se questa affermazione sia plausibile (ma di sicuro piace) ma vorrei essere più chiaro di un eclissi; Juno è un capolavoro. E' non è assolutamente per quella brodaglia scritta qualche riga più su. Le emozioni non possono essere descritte e di certo non sarò io a levar merito alla poesia. Guardatelo e innamoratevi senza compromessi. Lo script magnifico è stato scritto dalla bloggista Diablo Cody; la sua passione per l'horror porta a un piccolo scontro dialettico tra Juno e Mark su chi sia meglio tra Dario Argento e Herschell Gordon Lewis. Solo per i più fanatici. Quattro parole pure per Ellen Page; mostruoso talento di vent'anni. Imperdibile anche per lei.

di Daniele Pellegrini

LA TERZA MADRE di Dario Argento (2007)

Allora siamo tutti d'accordo che Dario ultimamente(un paio di lustri) non è al suo massimo. Però almeno a livello visivo i Masters of Horror lasciavanop presagire che ci fosse un po' più di coscienza del mezzo cinematografico rispetto a disastri come Ti Piace Hitchcok o Il Cartaio. Bene, era presumibile che per La Terza Madre, terzo film della serie dopo due film veramente belli come Suspiria e Inferno, ci fosse un po' più di cura stilistica per cercare di non fare brutta figura. D'altronde è un film attesissimo. Ebbene niente! Anzi peggio del peggio. Sì perchè sinceramente Non Ho Sonno o Il Cartaio, con tutti i difetti di sceneggiatura che potevano avere, non arrivano al nulla de La Trza Madre. Il film non parla di niente, c'è semplicemente Asia Argento che corre inseguita da qualcosa di mostruoso. Sembra che abbiano girato solo scene di omicidio quanto più cafonemente violente possibile senza metterci quelle di raccordo. Non si riesce a capire come sia possibile fare un lavoro tanto pessimo. Nemmeno nel peggior amatoriale si incappa in scivoloni del genere. A parte le musiche di Simonetti, che sono belle, con la canzone cantata da Dani dei Cradle of Filth, non c'è niente altro che si salvi. Niente. Addirittura incomprensibile come possano aver ridotto così il trucco, che non rivela un minimo di capacità. Spingono su gore e sesso manco stessimo parlando dell'ultimo film tedesco prodotto a zero budget, la Moran Atias compare giusto per mostrare il pelo. Non si riesce veramente a crederci a quanto sia banale la trama. Non c'è molto da dire se non che il film semplicemente non c'è.

di Gianluigi Perrone

RENDITION di Gavin Wood (2007)

Un giovane analista della Cia si trova proiettato sul campo, alle prese col difficile interrogatorio di un presunto terrorista. La moglie di quest'ultimo, disperata, cerca di risalirne disperatamente le tracce, coinvolgendo nella storia un senatore degli Stati Uniti. Ecco i mostri che vengono fuori quando l'Accademy decide di spacciare l'Oscar a gente del tutto priva di talento. Tsotsi (Oscar miglior film staniero 2006) precedente pellicola di Hood non era niente: un (o il) grande bluff Made South Africa dell'anno passato. Gente priva di talento dicevo che adesso può lavorare con soldi e cast allucinanti. Rendition nasce da questo errore. Rendition è un Syriana senza lucidità storica che sta sul filo tra il patriottismo e il film di denuncia. Non prende posizione, non la fa prendere e non spiega niente. Non è niente. Hood si innamora delle inquadrature e se ne fotte della storia. Le scene madri si contanto sulle dita e molte delle volte sono prevedibilissimi colpi. Dialoghi impietosi (Shakespears va lasciato là). Un film più piatto dell'Olanda intera. Ma soprattutto una meschina scelta narrativa che va contro qualsiasi pensiero accademico sul cinema. Insomma Rendition è una grande bufala e Guantanamo è ancora un caso aperto. Il prossimo film di Hood sarà lo spin-off di Wolverine. In un intervista l'interessato ha dichiarato ""Amo Wolverine soprattutto perché pagherà il college di mia figlia.". Giusto per capire il Mostro.

di Daniele Pellegrini

BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU'RE DEAD di Sidney Lumet (2007)

La frase "prima che il diavolo lo sappia (sei morto,è meglio che passi mezz'ora in paradiso)" si riferisce al fatto che tutti sono dei peccatori,tutti sono colpevoli e quindi bene o male tutti devono pagare. Anche la famiglia Hanson, i cui figli sono vessati da problemi economici e decidono di rapinare la gioielleria dei genitori. Il nuovo film di Lumet usa la ormai sfruttata regia frammentata in cui vediamo prima l'effetto e poi la causa delle cose ma qui abbiamo a che fare con un regista che sa esattamente quello che fa e usa il metodo come tramite diegetico. Grazie anche a grandissimi protagonisti sui quali non si può dire chi spicchi visto che Ethan Hawke,Philip Seymour Hoffman,Marisa Tomei (quasi sempre nuda e caldissima) e Albert Finney(Big Fish)sono superlativi. Si passa dal dramma familiare della famiglia che ha creato due figli diversi,uno disperato ed incapace di accettarli,l'altro infantile e fatalmente perdente. Una contatenazione di eventi, di errori, di peccati che finiscono per distruggere tutto e tragicamente far pagare solo chi ha parte della colpa. Su tutto la regia di Lumet: totale.

di Gianluigi Perrone

CE QUE ME YEUX ON VU di Laurent De Bartillat (2007)

Interessante esordio quello di De Bartillat che dirige una legante commistione di giallo telescopico che si dipana su territori sempre più complessi. Il film, supportato dall'ottima Silvie Testud, nei panni di Sylvie,studentessa di arte e restuaro artistico che si appassiona al caso del pittore Watteau e ricompone i pezzi che, da dettagli dei suoi quadri, rivelerebbero l'esistenza di un rapporto con un contemporaneo minore, Openor, e misteriosi risvolti sentimentali nella vita dell'artista. Presa sempre più dalla ricerca Lucie dimentica la neonata relazione con Vincent, un mimo da strada sordomuto con cui istaura una relazione breve ma intensa che si infrange su un'aneurisma che colpisce l'uomo. De Bartillat è capace di creare numerosi sottotesti legati al personaggio di Lucie ed alle sue mancanze sentimentali ma si concentra particolarmente sull'intrigo giallo che, nella sua semplicità, è di densa efficacia. Moltissimo del lavoro è da riconoscere alla Testud.

di Gianluigi Perrone

YOUTH WITHOUT YOUTH di Francis Ford Coppola (2007)

L'atteso ritorno di Coppola che voleva essere il fiore all'occhiello della Festa non ha convinto completamente. Inspiegabilmente complesso, Coppola racconta la storia di un glottologo che nell'autunno della propria vita rimane vittima di un incidente dalle conseguenze eccezionali. Colpito dal classico fulmine, ringiovanisce di 30 anni e acquista poteri quasi divini. Contemporaneamente acquista qualcosa di più di una doppia personalità. Comincia una famelica ricerca delle radici della lingua e del concetto di comunicazione. Un passaggio al mistery che sarebbe piaciuto a Polanski ma girato in maniera verbosamente complicata ma solo superficialmente,perchè alla fine dei conti molto semplice. Il film viene fuori elegantemente oscuro ma sembra casuale il risultato finale che non si sposa con le immagini. Il linguaggio retrò di Coppola è fine a sé stesso,insicuro, vacuamente ampolloso e miseramente debole. Il tentativo di creare un'opera universale sull'espressione nelle sue forme e dalle sue origini(sia essa linguistica,visiva)riprende stereotipi ormai abusati che tentano di strappare il plauso facile ma guadagnano solo sbadigli. Il fatto che il film sia fuori dal tempo potrebbe avere senso nella condizione del protagonista ma questo nostalgico proclama del regista non ha ragion d'essere.

di Gianluigi Perrone

LE DEUXIEME SOUFFLE di Alain Corneau (2007)

Non è certo un novellino Alain Corneau, che si permette di rimettere le mani su Josè Giovanni(leggesi con l'accento sulla i) al secolo Joseph Damiani. Le Deuxième Souffle era stato portato sullo schermo da Jean Pierre Melville nel 66 e si era proposta come una delle opere più aspre del regista. L'amore per il polar e per Melville, Corneau l'aveva già palesato ben 30 anni fa, con quel Police Python 357 con Yves Montand a sua volta diventato un classico. Corneau si avvicina al modello con rispetto e dedizione, con l'intezione precisa di non fare una bestemmia e
dà la sua personale soluziona all'interpretazione del mito del criminale Gu. Corneau gira Le Deuxième Souffle come fosse ancora negli anni '60, con una macchina mobile, con dialoghi intelligenti,ispirati, ,complessi come era ancora nel cinema che facevano gli storytellers, andando totalmente contro la commercialità dell'opera. La stessa recitazione si basa volutamente su stereotipi del passato (e questo si nota ancora di più su alcune comparse)L'indistruttibile criminale Gu, disperato, inarrestabile, idealista stavolta è Daniel Auteil, un po' troppo inflazionato
ultimamente che è una nota stonata del film insieme alla Bellucci che,nonostante l'impegno,non è per nulla a suo agio bionda(e posticcia) nei panni di Manouche, personaggio che nel film di Melville, così duro e pratico, non aveva trovato spazio nella trasposizione. L'anima del film è nei coprimari, Michel Blanc,Philippe Nahon,Jacques Dutronc sono facce da noir e i loro personaggi dipingono il mondo oscuro e corrotto della Parigi anni '60. Corneau tende a rendere irreale la città con colori intensi e polposi, la pellicola è un racconto e un sogno noir soprattutto basato sui caratteri che vi si muovono all'interno. Il regista interpreta la forza di Melville attraverso la modernità nelle sporadiche scene d'azione, filtrandola attraverso l'occhio dell'action di Hong Kong e soprattutto di Johnny To. Infatti la regia prende una strada diversa proprio quando le pistole cominciano a strillare, con alcuni dei colpi in arrivo più cruenti che si siano visti, con pelle e pezzi di osso che saltano via. La componente gore del film, sì gore, arriva inaspettata ed intenza
soprattutto nella seconda parte dove le due anime del film collidono più in equilibrio. Nonostante la lunghezza del film è giustificata dagli eventi, ci si chiede se abbia senso un remake che cerca di imitare lo stile narrativo di un tempo che non c'è più.

di Gianluigi Perrone

MYSTERIOUS SKIN di Gregg Araki (2004)

Questo film a me è piaciuto un bel po’, anzi mi è piaciuto assai-assai, Gregg Araki è il classico regista sempre-giovanotto alla Larry Clark, che fa film giovanotteschi sui violenti anni novanta, gli anni della generazione x e degli efferati usi e soprusi, dove gli eccessi degli anni ottanta sono diventati cupe deviazioni di noie e routine dovute al benessere ed alle incertezze su un futuro che diventa sempre meno prevedibile e rassicurante. Il film a differenza degli altri ha una poetica particolare, delinea una storia dura come il marmo e delicata come un perbenistico tabù. I cereali colorati che cadono sulla testa del bambino come prima inquadratura fa presagire un film sdolcinato tutto miele molto politically-correct fatto di caramelle e chupa-chups, ma l’animo cupo e martoriato dell’america degli anni novanta non tarda ad uscire fuori, le ombre lunghe del passato tornano con forza e veemenza in due destini simili ma diversi nella costruzione del proprio futuro. I peccati del passato non sono facili da cancellare per i due protagonisti, i fatti e i misfatti vengono narrati con un ritmo lento e cadenzato a differenza delle altre pellicole di Araki ,in Mysterious Skin il regista seguendo il diverso disagio di questi due giovanotti con un trauma grosso come un “Village people” alle spalle, la regia sviluppata e cambia i toni della storia in modi diversi e diametralmente opposti basandosi sulle ottiche dei due protagonisti che ci rendono perfettamente l’idea delle varie angolature con cui è possibile vedere/vivere uno stesso evento traumatico. Il primo somatizza ed l’affronta con fare spavaldo e coraggioso il suo dramma infantile, cercando di non celare a se stesso quello che avrebbe evitato ma che allo stesso tempo essendo inerme all’accaduto ha vissuto il tutto in maniera compiaciuta ed autolesionistica cercando di flagellarsi e stordirsi per non pensare, il secondo ha dimenticato o vuole dimenticare mascherando il tutto con una passione/nevrosi per gli alieni. Araki porta nuovamente allo scoperto i tabù di un’America amara, senza troppi giri di parole ed in maniera molto esplicita tratta un tema scomodo e sempre attuale negli ultimi 15 anni, un film polposo e gustoso….niente da dire a me mi Gusta. Molti sono i detrattori di questo regista, io lo adoro anche perché sempre coerente con se stesso narra in maniera dura ma digeribile tematiche dure e scomode, forse alle volte si compiace e rifà il verso al se se stesso di altri film, ma sono perdonabili impennate dell’ego di un regista validissimo e raro nel panorama mondiale.

di Salvatore Ferrario

DIARY OF THE DEAD di George Romero (2007)

Che bello per una volta poter dissentire. Ancora più bello poterlo fare quando tutto il mondo che ti sta a cuore, tutto ciò che ti ha cinematograficamente cullato fin da bambino, è pronto ad osannare il nuovo lavoro del maestro degli Zombie-movie. Perchè tutti i forum, i siti internet specializzati, i blog e le riviste, insomma tutto l’entourage di fan di George A. Romero non ha esitato ad esprimere a gran voce il proprio parere positivo rispetto a Diary of the dead. E’ bello, una tantum, poter essere un fan contro i fan. Perchè, con tutto il rispetto che posso nutrire nei confronti del regista di pietre miliari quale è La notte dei morti vivent,i non riesco a farmi piacere la sua nuova fatica. Sarà perchè reduce dalla proiezione poche ore prima di [Rec] (di Jaume Balaguerò e Paco Plaza) che utilizza per tutta la durata del film il medesimo escamotage usato da Romero per il quale tutta la pellicola è girata come fosse una lunga ripresa amatoriale (nel film spagnolo ad opera di una troupe televisiva ed in quello statunitense di un gruppo di giovani cinefili), sarà perchè non particolarmente avvezzo a questo tipo di esperimenti che provano a camuffare o, comunque avvicinare, il più possibile il cinema alla realtà, sarà per questo o per quello, ma non ho accolto Diary of the dead con i migliori propositi. A ciò sarebbe sufficiente aggiungere come il film altro non sia che il banale viaggio di un gruppo di ragazzetti, nemmeno troppo carismatici, e ragazzette, nemmeno troppo fighe, alla ricerca di un luogo dove essere al sicuro dai morti che tornano in vita. Ma la tappa all’ospedale deserto, l’incontro con bande armate fino ai denti, e finalmente l’arrivo alla panic room, ormai troppo compromessi perfino per fidarsi l’uno dell’altro, non sono che un riempitivo per snocciolare per tutti novanta minuti un attacco, a tutto il mondo dell’informazione e alla tecnologia dilagante, tanto invasivamente perpetrato da non sembrare neanche opera di George Romero. Però ci sono gli zombie, però c’è il sangue, però c’è Romero.

di Michelangelo Pasini

DEAD MAN di Jim Jarmusch (1995)

William Blake, poeta, incisore e pittore Inglese non è stato acclamato quand’era in vita, e sebbene dopo la sua morte sia stato rivalutato come uno dei più grandi artisti mai partoriti dalla Gran Bretagna, durante la sua esistenza si trovava nella posizione di un pesce fuor d’acqua. Il William Blake di questo film diretto da Jim Jarmusch, protagonista interpretato da Johnny Depp, è anch’egli un pesce fuor d’acqua, il quale durante la seconda metà del XIX secolo negli Stati Uniti, si spinge fino alle estremità della frontiera per cercare lavoro in un piccolo paese come contabile in un’industria siderurgica. Nel paese abbiamo la contrapposizione tra territorio selvaggio e avvento dell’industrializzazione, dove chi ha potere, chi è in vista, deve essere ricco o abile con la pistola. Se in Faccia A Faccia di Sollima avevamo un malato professore che ritrova se stesso in una realtà dove la società è ancora modificabile, qui, in Dead Man, il protagonista cerca la sua dimensione in un lavoro normale, ma per una serie di eventi casuali si ritrova ad essere un fuorilegge e a costruire senza volerlo a differenza del film di Sollima, una sorta di leggenda sul proprio conto. Con dei bounty killer alle spalle che hanno il compito di farlo fuori, uniti alla legge che lo cerca per impiccarlo, William Blake viene aiutato da un indiano di nome Nessuno. Una sorta di angelo custode, o meglio di spirito guida, per vederlo nell’accezione Indiana, che lo guiderà verso il suo destino. Un destino che è già scritto. Johnny Depp è un Dead Man, un uomo morto, già morto, condannato a fine prematura senza la benché minima speranza di sopravvivenza. Questo glielo dice fin dall’inizio l’indiano, il quale è già contaminato dall’occidente chiedendo continuamente tabacco, che insieme all’alcool è uno dei fattori, oltre al piombo, che portarono alla distruzione di un popolo. Nessuno riveste una sorta di spirito guida secolarizzato, e il sostituirsi a una divinità è una visione tipicamente occidentale, cosa che in un'iconografia non occidentale si paga a caro prezzo. Al di là della sottotrama ricca di significati, il film di Jarmusch, girato in un elegante bianco e nero, annovera un cast di tutto rispetto. Abbiamo Robert Mitchum che interpreta il padrone della fabbrica in cui il protagonista chiede lavoro, da segnalare che questa è l’ultima interpretazione della compianta leggenda del cinema. Lance Henriksen incarna l’interessante Cole Wilson, un sicario che incarna il male puro, personaggio quasi blasfemo che si nutre dei suoi nemici, i quali si rivelano essere semplicemente coloro che gli stanno attorno. Vediamo per poche sequenze anche Iggy Pop, in una parte atipica, nella quale veste i panni di un cacciatore quasi androgino. Le musiche, che si sposano alla perfezione con l’eleganza visiva messa in campo dal regista, sono curate da Neil Young che unisce melodie che si avvicinano a quelle tipiche del western, ma che vengono filtrate attraverso suoni elettronici, dando l’impressione di una sospensione quasi onirica della vicenda. Johnny Deep interpreta magistralmente il suo personaggio che come dicevamo si rende conto a malapena di costruire la leggenda di se stesso, si stupisce solamente di essere portato nell’usare la pistola. La gente ha paura di lui, lui è destinato a scomparire, ma lo sta facendo con stile. Questo visto dagli occidentali, i quali, nostalgici della frontiera in cui gli indiani li tenevano occupati, ora si abbruttiscono e appaiono degli ibridi tra bestie e uomini, e Jarmusch ce li presenta quasi come dei mutanti appartenenti a un’era post atomica. Un film lineare come una barca che scorre lenta lungo un fiume, ma che non ha più remi nè ormeggi e che si lascia inesorabilmente trasportare come se traghettasse un uomo morto che non può più governarla.

Di Davide Casale

THIS IS ENGLAND di Shane Meadows (2006)

Shane Meadows, Inglese classe 1972, ci aveva già sconvolto nel 2004 col toccante, crudo ed emotivamente spiazzante Dead Man's Shoes. Due anni dopo gira questo This Is England che fin dalla copertina sembra, e infatti è, un film sugli skinhead Inglesi. Siamo nel 1983, quando le teste rasate erano apolitiche, si fumavano le canne e si divertivano bevendo birra in compagnia, facendosi scorrere il tempo addosso intervallandolo con tatuaggi, musica ska, reggae, two tone, oi e punk e qualche buona rissa in compagnia. Ma siamo negli anni ‘80, qualcosa sta per succedere e Meadows si focalizza proprio sulle origini dei bone-head, i cosiddetti skinhead di estrema destra. La sorte di questo movimento è di subire una divisione netta, è la stessa che è toccata agli ultrà del calcio (Esplicativo in questo senso il film Hooligans). Molti skin si sono fatti mangiare il cervello dai partiti di estrema destra, in questo film siamo in Inghilterra e quindi si parla del National Front. Il protagonista è un bambino orfano di padre che si avvicina alla cultura skinhead, si rasa la testa, indossa bretelle, Fred Perry, ai piadi i Dr Martens, nella testa solo voglia di divertirsi. Entrato in un banda viene accolto amichevolmente, ma quando arriva uno skin della banda dopo un periodo di assenza le cose cambiano. Combo, così si chiama il “vecchio” skin, è intriso di ideali fascisti e iper nazionalisti e tenta di convogliare tutta la banda verso i dettami dell’estrema destra, missione principale: scassare le palle e minacciare i “pakibastards”, niente più che i Pakistani che gestiscono gli alimentari in Uk. Vogliono un’Inghilterra bianca, pulita, Combo urlerà in un comizio improvvisato alla banda “This is England!”. La banda si divide e il giovanissimo protagonista si mette con quelli razzisti, con Combo che è il capo, un demente ciccione e un ignorante pelato e tatuato che sembra uscito da un circo. Qui entra in campo la bravura del regista, il quale non si limita a descrivere l’ambiente e i personaggi, ma va a fondo e soprattutto per quanto riguarda Combo, ne fa un ritratto profondissimo grazie anche alla bravura di chi lo interpreta, Stephen Graham. I dissidi interiori dei protagonisti ci avvolgono come una doccia fredda, e come nel bellissimo Dead Man’s Shoes entriamo nel film e proviamo quello che vuole farci provare Meadows.E’ maturato in questo film, i temi sono dosati alla perfezione e sebbene l’argomento sembri all’apparenza di mero divertimento e violenza, siamo di fronte ad un dramma infinito che racchiude un’intera nazione, non solo in ambito skinhead. Il male si annida nell’ignoranza e si nutre delle persone che provano un odio di cui in realtà non sentono le ragioni. Con un finale struggente e scioccante questo meraviglioso regista ci regala un autentico capolavoro.

Di Davide Casale

THE XXXORCIST di Doug Sakmann (2006)

Doug Sakman è un maledetto genio, questo Newyorkese classe 1980 dopo aver diretto "Troma's Edge TV" , un prodotto guarda caso targato Toma, si dedica al rifare i classici dell’horror in versione hard core, si avete capito, bene, in versione pornografica. Qui siamo di fronte alla sua ultima opera, un mediometraggio di 45 minuti circa, rivisitazione punk-porno di nientemeno che l’Esorcista. La prima inquadratura vede un giovane prete immerso nella nebbia che suona al campanello di una casa. Praticamente si salta tutto l’inizio de L’Esorcista e siamo già a casa della posseduta. Apre la madre di Regan (anche qui si chiama così) ed è tatuata sulle mani, sul collo e sul petto, due belle tette si intravedono. Già il fatto che la madre sia tatuata è geniale!! Salgono le scale e la posseduta è una ragazzina che sembra davvero tale, una mignotta simil Barely-legal in stile Tawnee Stone (i maschi che non la conoscono mentono). Il prete con la madre (gran pezzo di topa lo avevo omesso prima) si beccano vomito verde dalla posseduta e non c’è bibbia che tenga, bisogna passare alle maniere forti. Il prete allontana la madre (bella figa) e chiedendo perdono a dio fa l’unica cosa fattibile, infila l’uccello in bocca alla posseduta e parte in una forced job in stile Rocco Siffredi, ma non ai sui livelli, d’altra parte il maestro è inarrivabile. La cosa geniale è che il prete, una volta denudato reca parecchi tatuaggi tra cui uno entusiasmante sul fianco, ossia due seghe a motore incrociate sopra un barattolo di bibita in stile drive-in, fottutamente fantastico! Mentre la figlia viene poi scopata in tutti i modi la madre entra e viene posseduta dalla figlia, che con uno squirting di roba verde ha momentaneamente allontanato (praticamente fatto volare) il prete contro la parete. La madre viene posseduta, dicevamo, e inizia a leccare la topa alla figlia, la quale poi coninvolge il prete che armato di vibratore a forma di santa vergine (fottutamente geniale!!!!!) tenta di curare almeno la madre con esso. Ovviamente tutto finisce in un trio con la figlia che cavalca meglio che in un rodeo e la madre che si fa sbattere da lì a breve. Ovviamente ci sarà spazio anche per del sano anal. Finale struggente in linea con l’originale. Memorabile la scena del prete che eiacula in faccia alla posseduta, ripresa dall’alto con in primo piano un poker d’assi tatuato sulla spalla del prete. Cosa dire, god bless Doug Sakmann!!!
di Davide Casale