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Molto spesso si sente in giro gente dire che c’è regressione e che non si può far nulla, non ci sono neanche i soldi per mangiare una pizza con lei, come dicevano i giganti nella song “Mette dei fiori nei vostri cannoni”. Io molto spesso preferisco fare orecchie da mercante e non sentire lamentele e luoghi comuni, la volontà e la passione per le cose prescinde dai mezzi, l’unico vero limite sono le capacità e l’ingegno che molti non hanno. Un esempio lampante è questa pellicola girata nel 1980 dall’immenso Fernando di Leo, questo film nasceva con lo stesso Budget che ha un bimbo la domenica prima di andare a messa, gli attori in alcune scene sono cosi pallidi che sembrano reduci da un naufragio sull’isola dei famosi senza cocchi. Il film sicuramente non è il suo capolavoro, anzi di tanto in tanto zoppica un pochino, ma come tutti i film di Di Leo fa godere come ricci gli amanti del caro cinema di genere che fu. Il film è stato girato in un’unica location: un chalet di montagna! La pellicola si apre con l'evasione dal carcere del criminale Joe Brezy che dopo la fuga tira dritto sullo sgangherato chalet ( con il budget che avevano non si potevano permettere di farlo passare con una Ferrari per Forte dei Marmi!) dove sembra abbia nascosto il bottino di una sua precedente rapina, ma c'e qualcosa che non va, infatti l'abitazione risulta occupata da tre persone, un uomo e due belle gnocche (sorelle). La trama easy sembra il preludio al classico filmozzo di genere, con donne molto zozzone ed attratte dal violento e sexy cattivone, invece il film per nostra fortuna nasconde qualche variazione sul genere anche perchè l’armonia tra gli abitanti dello chalet non è idilliaca ( roba di kamasutra mistico e cornificazioni multiple). La succitata situazione ci permette d’ assistere ad uno scambio continuo di alleanze tra il malfattore e le pseudovittime, fino a giungere ad un finale tirato un po’ giù cosi , tra una tetta e un pugno in bocca. Riconosco al regista l’intento“rape and revenge” del finale (anche se in realtà non lo è in maniera craveniana) ma credo che la fame e il freddo ( le attrici tutte nude) sul set di montagna cominciavano a farsi sentire e giustificano in parte il finale frettoloso, comunque “ Vacanze per un massacro”merita una visione spassionata con una birrozza gelida in mano e possibilmente una bella tipa con il petto gonfio affianco!di Salvatore Ferraro
Sabàto è un picciotto siciliano ambizioso e determinato,pronto a tutto pur di divenire un pezzo da novanta nella mala e ritrovarsi ricco e potente. sulle proprie spalle ,però, ha un grave handicap : è figlio di uno che si è pentito, di un traditore della “famiglia”,uno che è morto col sasso in bocca. Nessuno è disposto a dargli credito,perchè :“tale padre, tale figlio”. Cosi Sabàto parte dal proprio “paesello” per il “continente”, finendo prima a Milano e poi in Germania,dal fratello delinquente e pappone. L’ambizione del picciotto, però, lo porta a puntare in alto, tanto in alto da finire per essere notato dal boss.Il boss Telly Savalas,infatti, lo prende con se ,prima con diffidenza,in seguito accogliendolo in seno alla propria organizzazione, come un figlio. Ma Sabàto, da allievo, vuol divenire maestro ed il ruolo di subalterno non gli basta. Una storia di immigrazione ,vista dalla parte della mafia.Un self made man che lascia il sud, che non gli dà opportunità, per arricchirsi,passando attraverso atti criminosi ,via via sempre più efferati.La contrapposizione tra il vecchio boss e colui che vuole subentrargli non calca tanto la mano,come in altri film, sulla differenza tra vecchio e nuovo,quanto sulla ciclicità e caducità del potere.La condizione di capo supremo può essere sempre sovvertita ed un boss può ritrovarsi solo.Ottime interpretazioni di entrambi i protagonisti e di un cast di comprimari del cinema di genere.di Andrea Scalise
La “gara transamericana” ,corsa coast to coast condotta con qualsiasi mezzo mobile con ruote, è stata una istituzione clandestina ,appartenente al cuore dell’America,fino al finire degli anni ’70.Una tradizione simbolica,ancor più che folkloristica ,che è stata portata sul grande schermo molte volte.Un rito quello dello sfrecciare sulle strade, in mezzo a paesaggi brulli,desertici,tra vecchie benzine e motel puzzolenti,che è particolarmente significativo negli U.S.A.,dove la precarietà lavorativa porta interi nuclei familiari a transumanze tra Stato e Stato,alla ricerca di uno spicchio di quella felicità che la stessa Carta Fondamentale degli Stati Uniti riconosce ad ogni uomo.La rappresentazione di questa gara,fatta da Paul Bartel,è, rispetto alle altre, meno “per famiglie” ed ,ovviamente,molto Cormaniana.L’ingombrante presenza di Corman e di tutto il suo entourage,che prendono parte allegramente al film come comparse,è rilevabile in ogni millimetro della pellicola.Non manca nulla: dal grassone fedifrago,alla anziana coppia w.a.s.p.,dalla gang di motociclisti, fino al killer con le mentine;il tutto attorniato da esplosioni,salti mortali con le auto,scazzottate kung-fu style ed inseguimenti.La vena di Bartel ci conduce tra le polverose highways americane su furgoncini pieni di ragazze,macchine nere con cantanti country e psicopatici, seguendo la rossa e sfrecciante auto di Roy Buckman,un David Carradine in perfetta forma,verso la vittoria ed i 100.000 $ del premio.Ovviamente, una gara clandestina non può essere un ”gioco pulito”, ed infatti, un manipolo di criminali ,capeggiati da Bartel stesso,cercheranno di sabotare ed imbrogliare con qualsiasi mezzo, per ricavare una forte somma dalle scommesse illecite.E,se la legge è regolarmente battuta,sbeffeggiata,lasciata in mutande,nel vero senso della parola,la morale del protagonista si eleverà sulla fredda legge della strada e degli affari,portando ad inaspettate conseguenze.di Andrea Scalise
Film per ragazzi molto intelligente che prende spunto da un desiderio comune nell'infanzia, la possibilità di dare vita ai propri giocattoli. Un ragazzino trova un chiave che apre un armadietto. Tutto quello che viene infilato lì dentro prende vita. Lui lo scopre con un pupazzetto di un indiano che diventa il suo migliore amico. La cosa che funziona è il fatto che si gioca bene sull'amenità della situazione e la spontanea reazione di chiunque davanti ad una cosa del genere. Con il tempo il ragazzo comincia a capire l'importanza della vita e della morte e lascia libero l'indiano. E' interessante che, nonostante la leggerezza del tema, si sia riusciti a portare a delle riflessioni di peso in questo film, conferendogli una certa ambivalenza. I giovanissimi interpreti sono azzeccati perchè non troppo espressivi e quindi naturali. Un po' sottotono nella parte centrale ma godibile.
Veramente poco riuscita commedia di Oz sulla necessità vana di sincerità in un rapporto di coppia. Probabilmente il film fa acqua da tutte le parti proprio perchè basato su presupposti noiosi che concretamente non potevano andare da nessuna parte. Goldie Hawn è una truffatrice che ha un particolare talento nel raccontare balle. Un giorno conosce Steve Martin, un uomo sfacciatamente onesto depresso per il fallimento del suo matrimonio, con cui finisce a letto. Apprende che l'uomo ha una grossa casa disabitata e va a viverci facendo credere a tutti di essere la moglie. Tra di loro si creerà un tacito accordo per riconquistare la ex di lui ma dopo un po' sboccia l'amore. Il film non fa ridere. Gli sketch sono banali e incomprensibili,soprattutto prevedibili. Goldie Hawn ha sempre un bel culo e degli occhi fantastici ma è capace a fare solo la cretina e dopo un po' stufa. Steve Martin utilizza tutta la sua carrellata di facce ma non servono a salvare il film dalla noi. Insipido.di Gianluigi Perrone
Il remake del primo leggendario film di Roger Corman sembra avere più origine dal successo del musical nei teatriOff-Broadway ed infatti la versione cantata ha ancora più ironia dell'originale per giustificare l'aria scanzonata del cantato. Il film di Oz alla fine funziona soprattutto grazie agli attori. Rick Moranis ,all'apice della sua carriera, è un perfetto Seymour,sembra nato per il ruolo. Il personaggio di Steve Martin, Orin Scrivello, prende connotazioni diverse e l'attore lo dipinge come un sadico dentista schizzato parodia del Jeremy Irons di Inseparabili di Cronenberg (uscito da poco con successo). Stessa cosa per Bill Murray che si confronta con quello che fu il personaggio di Jack Nicholson nell'originale,modificandolo. Il vero protagonista del film perà è Audrey 2,la pianta carnivora aliena,un ottimo lavoro del gruppo di Jim Hanson che non si fa fatica a spacciare per vera grazie anche alla sua insolita ironia. Curiosamente Ellen Greene era l'unica attrice dello spettacolo teatrale ad essere rimasta nel cast. Stupende le scenografie costruite nel più grosso studio del mondo.di Gianluigi Perrone
Incantevole commedia di stampo classico, su due imbroglioni di stampo diverso che conducono le loro disoneste vite in maniera diversa e inseguendo fini diametralmente opposti. Freddy Benson è un imbroglione da quattro soldi che raccatta soldi da povere donne spacciandosi per qualcun'altro. Anche l'inglese Lawrence Jamieson si spaccia per chi non è a scopo di lucro ma usa dei metodi attentamente posati e cerca di evitare meschinità. Quando i due si troveranno a scontrarsi sullo stesso terreno ed a cercare di impinguare la stessa donna,Janet Colgate,quella del dentifricio,ingaggeranno una lotta senza quartiere. Dirty Rotten Scoundrels ha nella scelta dei protagonisti uno dei picchi della commedia americana,non per nulla dietro ci sono nomi come Dale Launer e Stanley Shapiro, il quale è anche sceneggiatore di Bedtime Story,film con Marlon Brando e David Niven di cui questo è idealmente il remake. Completamente antitetici, Steve Martin e Michael Caine sono due personaggi stereotipati ma meravigliosamente delineati. Impossibile resistere a Steve Martin che si trasforma nel deforme fratello Ruprecht, con una comicità irresistibile quanto scorretta nei confronti degli invalidi. Elencare tutti i momenti irresistibili sarebbe impossibile, il film è semplicemente una pietra miliare della comicità degli anni '80.di Gianluigi Perrone
Irresistibile commedia su tutti i vizi del cinema. Non lo sapremo mai ma sicuramente Steve Martin fa il verso ad un sacco di personaggi realmente esistenti e senza ombra di dubbio quegli atteggiamenti che possono sembrare esagerati in realtà non lo sono. Infatti è sua la sceneggiatura affidata al fidato Frank Oz, una storia spumeggiante che sembra ricordare quella Hollywood che faceva i film alla meno peggio,senza una lira e arraggiandosi alla meno peggio (vedi Roger Corman). Bowfinger è un disperato regista/produttore che psera da anni di trovare il grande script per sfondare e arriva quando si trova tra le mani Chubby Rain, una storia di alieni assolutamente poco probabile. Ha bisogno di una star e trova nella action star Kit Ramsey (uno stupendo Eddie Murphy anche se la parte doveva essere di Keanu Reeves che non avrà apprezzato o capito l'ironia), il suo cavallo di troia per il successo. Peccato che Ramsey, troppo impegnato a cercare l'equilibrio nella setta che gli spilla soldi (etchcruise!!!scusate...)non abbia idea della sua presenza nel film. Infatti Bowfinger e la sua scalcinatissima troupe lo seguono e riprendono recitandogli addosso nella pseranza che alla fine il risultato fosse abbastanza soddisfacente per essere credibile. Che ci crediate o no l'ispirazione viene da una storia vera. Nel 1927 un regista russo riprendeva di nascosto la star del muto Mary Pickford per far credere che la donna fosse nel suo film. E non diciamo fesserie nel dire che i vari Jack Palance e Lee Van Cliff fossero totalmente coscienti di dove si trovassero quando giravano film in Italia. Le gag girano a ripetizione e grazie ad una paio di ottimi interpreti tra cui Terence Stamp e una orgasmica Heather Graham (che pare emulasse Anne Heche,ex fiamma di Martin)il film gira nella maniera giusta. Nonostante il pochissimo tempo a disposizione, Eddie Murphie non rinuncia alla sua vena poliedrica ed interpreta anche il fratello stupido di Kit, Jiff,sempre in maniera incredibilmente esilarante, sublimi momenti di improvvisazione. Gotcha Suckas!di Gianluigi Perrone
Nick Wells (De Niro) un ladro professionista sta per andare in pensione, quando Max (Brando), un suo vecchio collega, gli propone un affare; rubare uno scettro francese di inestimabile valore. Nella missione verrà affiancato dal giovane promettente Jackie Teller (Norton). Non mi ricordo bene all'epoca cosa mi aspettavo da questo film. Di sicuro mi ricordo che ne rimasi estremante deluso (per non dire incazzato). Infatti non capita tutti giorni di avere un trio come Norton-DeNiro-Brando nello stesso film. Peccato che ci sia poco da parlare. Il film si preoccupa più di far dialogare i protagonisti che di cercare veramente di fare un thriller. Errore veniale, se i dialoghi fossero stati per lo meno decenti. Incredibile come neanche li il film riesce a colpire. Piccolo riepilogo: storia essenziale, dialoghi ridicoli e leggerezza produttiva. Che c'è da salvare? Gli attori: Brando oramai era andato; anche per il poco tempo che sta in scena è sempre una sofferenza vederlo arrancare nella recitazione (oltre che per il suo peso). De Niro invece è difficile da commentare; da una parte la presenza scenica fa ancora paura, dall' altra invece sembra voler continuare a perseverare su scelte artistiche (che al momento che uscì il film non erano ancora accentuate come adesso) che non si adattano ad un istrione come lui. Norton invece è bravo. Si carica il peso del film e lo regge per quanto può fino alla fine. Magari c'è veramente poco da salvare di questo The score. Però visto che si tratta della prima regia di Oz di un crime-movie vale la pena lodarlo per aver girato almeno una buonissima scena di rapina e un finale, seppur scontato, che comunque rimane il momento più vitale di un film morto. Spero che ci sarà un prossima volta per Oz di dimostrare che può fare bene pure in questo genere. "Onore" poi a quei furbastri dei produttori che sono riusciti a creare un film basandosi solo sul casting. Da fucilazione.di Daniele Pellegrini
Il solitario newyorkese Bob Wiley (Bill Murray) è afflitto da una delle più estranianti malattie: è nevrotico per colpa delle sue troppe manie. Ricorre così a Leo Marvin (Richard Dreyfuss), uno dei più importanti psicologi della citta, nonchè autore di uno dei libri più letti "Passi di bambino". Il povero Wiley non sa però che l'egocentrico dottore è in partenza e per liquidare il suo nuovo paziente gli propone la lettura del suo libro. Quello che non può sapere il dottore che Wiley crede ciecamente che il dottore lo possa aiutare, e che, cosa più importante di tutti lo raggiungerà in villeggiatura. La pace del dottore potrebbe essere messa in seria discussione, mentre il nevrotico Wiley sembra non avere difficoltà a fare amicizia con la famiglia di Marvin. Film nato e maturato sull'impostazione artistica dei due protagonisti: per Bill Murray è e non sarà mai nuovo il ruolo di sociopatico. Anzi la figura del nevrotico cinematografico potrebbe seguire di passo passo quella filmografica di Murray. E' nato per questo, non c'è neanche troppo differenza tra il Murray nevrotico impostato e quello come in questo caso nevrotico scherzoso. Probabilmente morirà cinematograficamente sull'orma di questi personaggi. Discorso differente per Dreyfuss. Premetto che è un grandissimo attore, uno di quelli per cui potresti pure innamorarti del cinema, però come attore comico ha sempre funzionato poco. Naturalmente non giova la seconda parte del film tutta sopra le righe e grossolana, dove il suo personaggio viene a sua volta colpito dalle nevrosi create dal paziente intruso. Insomma se c'è da trovare un difetto al film è proprio questo fortuito cambio di ruoli fra il dottore e il nevrotico. Poteva essere anche un idea buona. Ma se il nevrotico Bill Murray mette in scena un personaggio bello e reale (difficile non innamorarsi), al nevrotico Dreyfuss non restano che improbabili scenette che accompagnano il film verso il consolatorio finale. Naturalmente il film non è brutto. Tutte le manie di Bob è un ottima commedia per circa un'ora (c'e addirittura chi riuscirebbe a trovarci delle basi contro la psicoanalisi) e un discreto film goliardico per la seconda metà. Ma sopratutto fa ridere tanto, il che credo sia il vanto maggiore per un film del genere. E' scritto bene e diretto ottimamente da Oz (il che può anche significare che evita di fare danni) e conserva almeno due o tre scene da mandare a memoria: su tutte quella dell'intervista al dott. Wiley. Da vedere e rivedere senza troppe pretese. di Gianluigi Perrone
Che orrore questo remake de "La fabbrica della mogli" cult ultra-femminista datato 1975. L'orrore e il disdegnonascono non dal semplice fatto che sia un remake. Orrore viene dalla messa in scena. C'è del perverso ad Hollywood nel far credere che la Kidman possa essere simpatica? Bella, bellissima donna e attrice dalle capacità straordinarie, ma non quella di risollevare uno script brutale nei confronti dell'intelligenza umana. Del masochismo invece nel far continuare a lavorare Broderick, tra l'altro ingrassato a dismisura, che a conti fatti funziona solo ed esclusivamente come creatura di John Hughes (o al massimo davanti a un computer). Contenti loro. La Kidman in una delle tante battute deliranti del film lo definirà un "vero uomo". Sarà. Ma mi ricordo che la scimmia di Fuga dal futuro era più espressiva di lui. Meglio tacere riguardo a Christopher Walken, Glenn Close e Jon Lovitz; quindi ritorniamo al film. Dove la commedia fa sbadigliare (da sucidio i finti reality all'inizio) la donna perfetta, così come nell'originale, gode di una seconda parte decisamente più movimentata che vira sul thriller. Il film ne guadagna in visibilità e ritmo ma non in qualità. I twist e contro twist finali non rendono giustizia a un film che per natura doveva almeno provare ad essere un pochino più cattivo. Spero che Oz centri poco con questo disastro, comunque va dato atto che il film è girato bene e che molte volte riesce anche ad infilare citazioni di classe. Piccole soddisfazioni per un prodotto che va dimenticato alla svelta. Titoli di testa di gran classe comunque. di Daniele Pellegrini
Giustamente considerata una delle più importanti commedie del decennio scorso In & Out si guadagna il merito di aver fatto ridere ed insegnare con classe ed eleganza. Merito che tanti anni prima veniva associato ad un certo cinema sociale di Frank Capra di cui In & Out è l'esaltazione. Nel film si parla di Howard Brackett, amato professore di letteratura di una piccola cittadina, in procinto di sposarsi. Se non fosse che durante la premiazione degli Oscar (strepitoso il finto trailer Servire e Proteggere), un suo vecchio allievo Cameron Drake decide di annunciare al mondo l'omosessualità del professore Brackett sconvolgendo l’intera cittadina. E' solo l'inizio di un innumerevole numero di gag che porteranno l’effemminato professore a convincersi di esserlo. Lo scopo del film di Oz è chiaro. Ironizzare su l'omofobia collettiva. L'omosessualità è il fattore esterno che inserito in un contesto povero culturalmente, come una piccola cittadina di provincia, scatena l'isterismo. Quindi ecco il preside che non riesce a pronunciare la parola omosessuale, gli alunni che si sentono a disagio dentro lo spogliatoio con il professore, i genitori di lui che spettegolano sulla moralità di Drake e tanto altro. Per questo In & out funziona; il disagio collettivo è perfetto per installare una moltitudine di gag. L'uomo impaurito è un uomo buffo. Così come è buffo il professore che, al di sopra di tutte le prove (Amare la Streisand è quella che in CSI chiamano prova schiacciante), non accetta il fatto di essere gay. In una delle tante scene memorabili il professore Brackett cerca in un corso audio la propria virilità e finirà a ballare sulle note di I will survival ("Arnold non balla! si muove appena"), un ballo scatenato, un ballo rivelatore, un ballo che acceca ogni pregiudizio. In questo senso sono stati perfetti Frank Oz e lo sceneggiatore Rudnick nell'accentuare, senza nulla togliere alla comicità, le situazioni paradossalmente ambigue. In & out è uno sberleffo ad un certo perbenismo, sia mediatico che sociale americano. E in più, cosa che non guasta, fa ridere tanto. Sul lato invece artistico, naturalmente c'è da sottolineare l’egocentricità contagiosa di Kevin Kline qui in uno dei suo ruoli migliori. Ma la "palma" di miglior attrice del film va a Joan Cusack, straordinaria interprete del suo corpo goffo. di Daniele Pellegrini
Un film con le controballe, una di quelle chicche scovate sotto quintali di sterco in un edicola vecchia e fatiscente, pornazzi sparsi e commediacce di tutti i tipi e nel mezzo sto filmozzo dal titolo godurioso, lo prendo me lo guardo e penso: conosco il regista Haneke è quello della “Pianista”! Un po’ perplesso per l’acquisto torno a casa e lo guardo senza velare diffidenza mentre scarto il paccotto e clicco play. Che sorpresone mi aspettava,un film godurioso come pochi, forse non mi si attaccavano cervello e cervelletto cosi dai tempi di Kids di Larry Clark. La vita di una tranquilla famiglia anche un po’ tristina sul modello di genitori in blue jeans in versione austriaca composta da padre, madre e un figlio viene rallegrata dall’arrivo di due imbecilli laccatissimi e perbenistici con l’unico vizio di essere maledettamente sadici e amanti delle torture. I due sotto le sembianze di due ragazzi ultraeducati hanno l’indole del miglior serial killer, la cosa interessante è che i due non spaventano nessuno con il loro aspetto da chi ha fatto il liceo dai preti e questo permette al regista di articolare la paura con tempi molto dilatati e dare ai due villanzoni il tempo di diventare sotto gli occhi dello spettatore sempre più sadici e sempre più maledettamente reali ed agghiaccianti. Quello che spiazza lo spettatore è l’ambientazione e l’articolazione degli eventi strutturata in maniera realistica, la verosimiglianza con quello che potrebbe accadere a chiunque in qualsiasi momento a detta mia non era mai stata cosi vera sugli schermi di nessuna tv, neanche nelle ricostruzioni di documentari e simili. La possibilità di salvarsi per la famiglia sono tolte sin dall’ inizio dal regista che quindi mette subito in chiaro con chi guarda che dovrà assistere ad un calvario lungo e crudo, ci sono intermezzi metal nella colonna sonora che sono li ad urlare a detta mia la rabbia di chi vive l’inspiegabile e l’irrazionale follia dei due. Di tanto in tanto, uno dei due fetentoni si rivolge alla telecamera e dialoga con noi dietro lo schermo, un esperimento di metacinema che ci ricorda che siamo spettatori di uno spettacolo nel quale possiamo solo fare il tifo per l’uno o per l’altro, ma dove non c’è concesso intervenire, un modo come un altro per ricordarci che in quel caso come nella vita di tutti giorni noi siamo spettatori inermi di quel che vorremmo non accadesse. Straordinari tutti gli interpreti, film da vedere e possedere, ora lo stesso regista sta lavorando ad un remake dello stesso film per la macchina Hollywoodiana: non lo vedrò! di Salvatore Ferraro
Che colpo vedere “Captivity” nella sua veste rimaneggiata e consegnata alle fauci del popolino assetato di “Non aprite quella porta” e Saw” vari. Si perché il film di Roland Joffè, pur non essendo comunque un capolavoro, aveva almeno una confezione dignitosissima, a partire dal prologo con voce over che segue la protagonista (una imbolsita Elisha Cuthbert star di “24”) per le strade di una città. Joffè gira bene, è attento ai tempi della suspence, non sbrocca mai verso l’effetto facile, ma anzi racconta una non storia d’amore di cavie chiuse in gabbia quasi con grazia. In “Captivity” poi c’è attenzione particolare per gli spazi, gli ambienti, tanto che un sotto plot investigativo diventa parallelismo per raccontare l’oppressione di una prigionia senza senso. Qualche pazzo certo potrebbe leggerci quasi un messaggio politico visto anche le radici impegnate del regista, ma la verità è che “Captivity” non ha velleità, è un compito ben svolto dal suo autore, con un certo stile autoriale, ma null’altro che mero esercizio di stile. Certo è che di questo film i più non hanno visto nulla, la produzione scontenta dell’operato di Joffè (però il suo nome è strillato forte nei flani) hanno ripreso in mano l’opera, l’hanno rimontata, rigirata, involgarendo il tutto. Nel girato originale non c’era una tale ferocia nell’accanirsi sulla protagonista, nessun beveroni di organi fatti trangugiare a forza, nessun barboncino in scena o motivazioni di traumi infantili per gli assassini. “Captivity” così vulgato è opera indecorosa, splendente in alcuni momenti, ma il più delle volte dilettantesca e sconclusionata. Joffè si discosta, ma il povero spettatore si deve solo adeguare in attesa del dvd unrated che porti giustizia al fattaccio. Pensare che qualcuno credeva che i tempi si un “Lisa e il diavolo” stuprato dai produttori fosse spettro del passato. Che schifo però.di Andrea Lanza
Lungo la Route 66, The Driver(James Taylor) e the Mechanic (Dennis Wilson)sembrano vivere solo per la loro auto modificata,una '55 Chevy ,un' auto scassatissima a cui non daresti due lire,e con essa campano di corse clandestine. Lungo la loro strada incontrano una Ragazza(Laurie Bird) che si unisce temporaneamente a loro, se li scopa possibilmente, in attesa di trovare qualcosa di più interessante da fare. Un giorno incontrano G.T.O. (Warren Oates), un perditempo chiaccherone e pallonaro che, forte della sua Chevrolet 210 coupe,li sfida in una corsa. Two Lane Blacktop anticipa di diversi anni i protagonisti senza nome di un altro road movie d'autore, Driver di Walter Hill, spersonalizzando i personaggi ma in un contesto e con intenti diversi. Infatti Monte Hellman gira un road movie completamente antitetico ai valori del genere. Quella dei due protagonisti non è una corsa eroica verso la libertà a tutti i costi. Questo ideale che acquisterà sempre più valore in questi anni verrà smontato da Hellman che ne rivela il lato più malinconico. La vacuità della vita dei protagonisti che vivono seguendo nessun ideale se non l'automatica spinta a dimostrarsi meglio di quello che realmente sono. Il personaggio di Oates è emblematico in tal senso, cerca continuamente compagnia prendendo su chiunque e ad ogniuno racconta un evento diverso, disperatamente tragico e patetico nella speranza di trovare sè stesso. Così i protagonisti che vivono nella folle impresa di raggiungere una meta,di dare un senso alla propria vita con mezzi impossibili, una vecchia auto semidistrutta che diventerà la tomba per uno di loro. E la morte qui non ha il valore eroico di Easy Raider o Vanishing Point. Nonostante Two Lane Blacktop sia stato associato ai film del genere, nè è lo speculare perfetto. Il lato amaro,più realistico e tragico di una menzogna ripetuta con sé stessi. Che in mancanza di una personalità, una esistenza al limite possa essere riempimento. Dialoghi scarni e quasi nessuna colonna sonora, una vacuità dei movimenti e degli atteggiamente dimostrano la estraneità dei protagonisti a sé stessi. E di contro, a questa lentezza narrativa(paradossale in un film che parla di velocità) c'è una regia rigorosa,palpabile come è sempre quella di Monte Hellman.di Gianluigi Perrone
L'ultima cosa che ci si sarebbe aspettati nella carriera di Rob Zombie era che a seguire The Devil's Rejects sarebbe arrivato un remake. Questo perchè siamo obnubilati dal bombardamento di rifacimenti a nastro che hanno inquinato il significato originale dell'idea di una autore di proporre ad un produttore l'idea di rivisitare un mito del passato. Questo perchè oggi sono i produttori che,diritti alla mano, sfruttano il nome e la storia già vincente del progetto (perchè per questi zucconi il film sta nella storiella) per affidarla al primo che passa. Stessa cosa deve essere successa per Halloween, sacra sindone di John Carpenter, ma con la differenza che è finito nelle mani di un cavallo di razza come Rob Zombie. Sicuramente è stata una scelta coraggiosa quella di Rob perchè stiamo parlando di una icona del cinema horror e, diciamocelo, il regista è stato un po' incosciente a esporsi così facilmente al pubblico ludibrio nel caso di esperimento non riuscito. L'intenzione di Rob, e qui è il caso di metterlo in chiaro una volta per tutte, era rileggere la sceneggiatura del film sotto una chiave diversa. Se è vero che nel cinema di Rob Zombie (e nel suo lavoro di musicista e sceneggiatore di fumetti) c'è un filo conduttore che fa capo ad una precisa visione dell'esistenza, il suo interesse era trasporre i propri temi nella storia di Michael Myers. Quindi non più il "pure evil" senza sé e senza ma. Semmai la recrudescenza di un malessere che si trasforma in furia inarrestabile, la stessa che genera i reietti votati al volere del diavolo. L'intenzione di raccontare l'infanzia di Michael Myers, e quindi di dare un motivo al male assoluto allontana immediatamente il prototipo dal modello originale. Michael Myers è diventato una icona mondiale, un simbolo della paura. Una immagine tanto familiare nell'immaginario collettivo,così come Homer Simpson o Paperino(!!!), da far fatica a pensare di non essere reale. Per cui ne immaginiamo una storia umana. Contemporaneamente Myers è accostabile a figure come Charles Manson,Ted Bundy,Ed Gein, serial killer superficialmente posti a rappresentare il male e la perversione tout-court. Naturalmente anche loro hanno avuto una infanzia quindi la vita di Michael Myers viene messa in parallelo con la loro e non sorprende che la situazione familiare del piccolo Michael ricordi molto quella di Henry Lee Lucas e Charles Manson(alcuni fatti le citano chiaramente). Peccato che, visto il film, non si riesce comunque a giustificare il giovane Michael perchè i traumi subiti non sono poi di tale entità da motivare la sua insaziabile fame di morte. Non tanto per la crudeltà degli stessi,dato che la sensibilità di un bambino non è universale, quanto piuttosto l'inutilità della figura di Sheri Moon, la madre di Michael nel film e nella vita la moglie di Rob, il cui personaggio è eccessivamente positivo. Quindi, nella volontà di verosimiglianza che c'è dietro al film, sarebbe stata la totale assenza di amore ad incidere maggiormente sulla supposta psiche del ragazzino. Peccato perchè l'esordiente Daeg Faerch è veramente bravo e intenso, si vede che registicamente c'è stato un grosso lavoro su di lui ma non supportato da quello in fase di script. Stranamente ci sono molti clichè che non ci si aspetterebbe da Rob Zombie , ancora di più nella seconda parte che difatti ha subito diversi rimaneggiamenti. Nel momento in cui si arriva all'età adulta di Michael, interpretato dal vichingo Tyler Mane, il film diventa uno slasher puro che stride troppo con la prima parte. Qui il film si avvicina pericolosamente al modello originale non potendone coprire la materia tanto più che a questo punto si trova totalmente spaesata e fuori luogo. Nel finale il film crolla in ginocchio in un evidente indecisione che lascia a bocca aperta per ingenuità. E' veramente inspiegabile perchè ci sia questo grave senso di irrisolto quando le premesse facevano auspicare un grandissimo film. Probabilmente la pressione di dover lavorare su un personaggio così caldo ha messo Rob nelle condizioni di trovare dei compromessi che non hanno permesso di sviluppare il tema con la giusta lucidità. Ci sono delle incongruenze tali da far supporre più di una intrusione della Dimension, il film sembra un accordo traballante tra una parte che voleva l'autorialità della pellicola in primo piano e l'altra che pretendeva il riscontro di pubblico. C'è però un paradosso non indifferente e cioè che il film cresce ad ogni visione. Il film oggi ha avuto il suo successo al botteghino e conferisce un potere a Rob Zombie decisamente superiore al passato. In attesa di una nuova prova continueremo a studiare le chiavi di ricerca dell'incubo americano di Rob Zombie.di Gianluigi Perrone
Una voce gracchiante alla radiomobile continua a chiamare lo sceriffo, Il viso teso e stanco di Gregory Peck guarda verso la diga,e ,senza rispondere, risale sull’auto della polizia e riparte.Sullo sfondo le vecchie case ed i volti di una assolata provincia del Sud degli Stati Uniti,in sottofondo la voce di Johnny Cash scandisce, come un metronomo, .il tempo che scorre troppo lentamente nella sonnecchiosa ed apatica cittadina. Basterebbe questo inizio folgorante per promuovere “un uomo senza scampo”(o meglio “I walk the line”, il titolo originale che si ispira ad una delle più famose canzoni di Cash)come un grande noir americano. Frankenheimer sa raccontare una storia,semplice e senza troppi fronzoli,come la vita di uno sceriffo di provincia,impegnato tra un litigio per un albero su un confine e la ricerca di una distilleria clandestina . E’ proprio questa vita noiosa e ripetitiva che lo sceriffo Peck si vede stravolgere dall’incontro con una giovane e biondissima ragazza che ,finalmente, risveglia i suoi sensi di maschio,assopiti e incastrati tra un lavoro frustrante ed una famiglia infelice. La ritrovata vitalità sembra preludere ad una storia d’amore contrastata,ma le cose si complicano a causa dell’occupazione della famiglia della ragazza,ovvero la distillazione di puzzolente, schifosissimo e iperalcoolico Rhum,attività proibita e contrastata dalle leggi dell’epoca. A tutto ciò bisogna aggiungere i problemi con moglie, ispettore statale e ,soprattutto vice-sceriffo. Cosi,come per ogni buon noir che si rispetti, il dramma è dietro l’angolo ed il corso degli eventi precipiterà a tal punto che le cose non potranno più essere come prima. Gli scenari del polveroso Tennessee fanno da cornice ad una storia ,tratta dal romanzo “an exile” (1967) di Madison Jones ,che potrebbero richiamare uno Steinbeck o un Faulkner,ma nelle scene tra paludi e gialli campi di grano spuntano ombre di Lansdale o Flannery O’Connor e di tutta quella letteratura Sudista che trova il proprio specchio cinematografico in “deliverance” di Boorman.. L’approfondimento psicologico del personaggio di Peck ,strappato dalla passione alla austera imparzialità e dedizione ai valori morali tipici della provincia americana,capace di una escalation di atti ,via via, sempre più folli ,pericolosi e febbrilmente disperati,ne fanno una figura struggente di loser. Ed è proprio questo che ci fa amare questo personaggio,che sul lavoro sembra un redivivo John Wayne,ma che non ha il coraggio di rispondere alle insistenti domande della moglie,che si trova ad essere vittima del gioco “del gatto col topo” perpetrata dal suo vice,che, infine, mostra le proprie debolezze in modo tanto plateale e sorprendente da divenire uno zimbello,fragile e sconfitto,da compatire,ma allo stesso tempo da comprendere nella sua umanità.Di Andrea Scalise
Il titolo originale The Car è molto più avvincente non c’è che dire, immaginiamocelo ripetuto all’infinito durante un trailer pacchiano con voce cavernosa. Il regista è Elliot Silverstein classe 1927, lo stesso regista di Un Uomo Chiamato Cavallo.L’inizio del film è molto curato e avvincente, con musiche, un uso del grandangolo e una soggettiva che rendono alla perfezione, già dai primi secondi di visione, che quella non è una normale macchina e che il guidatore non può avere un’anima. I primi due omicidi con i quali LA Macchina Nera, titolo Italiano, ci si presenta, sono molto freddi e di una routine abbastanza impressionante. Una breve mattanza che non lascia nulla al caso. Di seguito ci vengono presentati i personaggi principali del film, quelli in carne ed ossa. Il protagonista è un poliziotto interpretato da James Brolin, il resto sono colleghi poliziotti, la sua ragazza e vari conoscenti del piccolo e polveroso paese della provincia Americana in cui la macchina semina il terrore. La vera protagonista del film, con la sua particolare carrozzeria creata appositamente per la scena, è molto suggestiva, con dei fanali che sembrano quasi espressivi di un lucida ma determinata follia. La quattro ruote spunta dal nulla e dopo le sue scorribande omicide, accompagnate da un improvviso quanto sovrannaturale soffiare del vento, scompare nuovamente eludendo non si sa come tutti i posti di blocco che organizzano i poliziotti per arrestare la sua folle corsa.La trama, al di là delle gesta della macchina, è parecchio banale bisogna ammetterlo. E’ la classica storia in cui un’ qualcosa irrompe nella pace di un paesino di provincia e tutti si organizzano per porvi fine. Struttura classica, già vista e che si vedrà un’ infinità di volte ancora. Sostituiamo la macchina con un pesce e abbiamo Lo Squalo, oppure dei mostri scavatori e abbiamo la saga Tremors. E’ uno slasher solo che l’assassino è un auto, come non a caso, nel recente Death Proof di Tarantino. Il fascino di questo film c’è ma si incentra praticamente solo nel design dell’automobile assassina, nel suono del suo clacson che è quasi un grido di rabbia. Per il resto la trama è piuttosto piatta e prevedibile, a parte un momento che si lascia ricordare perché fa davvero venire i brividi: ossia quando una vecchia indiana, testimone di un omicidio, dice che alla guida dell’auto non vi è nessuno. Il finale è assurdo non si può definirlo altrimenti, sembra di essere di fronte a un film epico in stile I Dieci Comandamenti, vedere per credere!Dimenticavo, dove venderanno auto come quella del film?di Davide Casale
Vanishing Point è una delle prime e migliori opere di Richard Sarafian,un ottimo mestierante che si era fatto le ossa in tv con innumerevoli episodi di serie tv tra cui Bonanza,Batman e The Twilight Zone e si propone come una delle prime variazioni automobilistiche dal modello Easy Rider. In effetti il messaggio di libertà è lo stesso ed arriva molto prima di illustri successori come Convoy o Dirty Mary Crazy Larry(ok,una paragone un po' traballante). Nel personaggio del protagonista,Kowalsi,c'è pienamente la figura del cowboy solitario senza legge o del Ronin,il samurai senza padrone. Era un concetto topico in quegli anni e esplose repentino nella stragrande maggioranza delle pellicole dell'epoca. La storia è semplcie. Il protagonista Barry Newman(ma doveva essere Gene Hackman),Kowalski divora la strada dal Colorado alla California con la sua Dodge Challenger R/T del 1970 con un 440 cubic-inch V-8 montato sotto(insomma una tigre truccata),alla velocità di 85 miglia orarie(circa 170 kilometri di media)senza fermarsi mai,inarrestabile. Perchè? Perchè ci ha scommeso un pranzo con un amico. In realtà tramite diversi flashback scopriamo il passato di poliziotto troppo onesto per essere accettato e di stunt racer del protagonista,che evidentemente disincantato dalla realtà corre con la sua macchina contro tutto e tutti. Kowalski diventa simbolo di ultimo bastione della libertà nel momento in cui,senza alcun apparente motivo,sbaraglia tutte le forze dell'ordine,l'istituzione tanto avversata in quegli anni,facendogli mangiare la polvere con evoluzioni automobilistiche incredibili.Il nostro indian runner incontrerà tutta la popolazione newage possibile tra cui un biker e la sua centaura che cavalca la moto in abiti adamitici,una comunità di love & peace e un paio di rapinatori froci che fanno la parte dei cattivi perchè allora vigeva la mentalità che sesso libero sì ma prenderlo nel culo è ancora troppo. A voler esaltare l'epicità delle gesta di questo Ulysses on Wheels c'è il suo personale Omero,Super Soul,un dj radiofonico,non a caso cieco,che si schiera apertamente dalla parte di Kowalski e ne racconta l'avventura disperata sulle sue onde creando un caso mediatico. Ben presto moltissimi si uniscono alla causa di Kowalski,una causa puramente di libertà visto che alla fine non fa altro che correre ma è l'idea di ribellarsi alle imposizioni che lo rende un'eroe,talemente testardamente legato alla sua libertà da pretenderla fino alla morte. Nel film ci sono piccole apparizioni di John Amos(che le prende di brutto)e Charlotte Rampling in una scena tagliata ma visibile nella versione uncut.di Gianluigi Perrone
Mettiamo subito una cosa in chiaro sul titolo italiano. Non si tratta di Driver(virgola)l'imprendibile ma di Driver(sottotitolo)l'imprendibile. Driver è la qualifica e non il nome del protagonista interpretato da Ryan O'Neal(ma la prima scelta era Steve McQueen). Il protagonista non ha un nome...nessuno ha un nome in Driver,solo dei ruoli definiti nella vicenda. Il protagonista che "è solo quello che guidava" nelle rapine in banca con dei complici traditori e balordi,il piedipiatti che gli sta alle costole e la partner in crime,the Player,Isabelle Adjani,oscura ed enigmatica come sa essere lei. Ruoli che confermano quello che si sa già e cioè che ogni film di Walter Hill è un western anche se vengono cavalcate auto fiammanti invece di cavalli,ed infatti il protagonista taciturno(350 parole in tutto,c'è chi le ha contate)non è altro che un outlaw con dei valori e delle abilità:non veloce con la pistola ma con il pedale. Molti erroneamente pensano a Bullit come influenza di Driver,forse perchè Ryan O'Neal fa un po' troppo Steve McQueen,ma è Le Samurai di Melville il vero referente di Hill,considerato che è lampante nella scena del riconoscimento dalla polizia che determina lo stesso rapporto tra Alain e Nathalie Delon, gli ambienti scarni e opachi e il protagonista evanescente. Hill ci mette una regia sempre presente e vigorosa che si mantiene tale sia nelle scene statiche che in quelle dinamiche,esplodendo in quelle degli inseguimenti che sono clamorose. Esiste una versione di oltre due ore che fu proiettata solo una volta. Beato chi c'era.di Gianluigi Perrone
Le Mans è un film che qualsiasi appassionato di formula uno non dovrebbe perdere. Se c'è un film in cui si respira l'aria della 24 ore e della competizione vera è propria è sicuramente questo. Basti dire che si racchiude in pochissimi dialoghi e tiene per 25 minuti la tensione sull'inizio della gara. Erano i tempi in cui le macchine avevano una forma tale da sembrare ancora tali,erano i tempi di Mauro Bianchi,di Henry Pescarolo e Jacky Ickx(che è presente nel film in qualità di driver),erano i tempi in cui le polemiche imperversavano perchè c'era chi si era gravemente infortunato e chi aveva rischiato la pelle(e chi,come sappiamo l'avrebbe persa). Era quello che c'era intorno a questa estenuante competizione ed ai suoi protagonisti(in questo caso Steve McQueen)che vivevano la gara come la loro vita reale e tutto il resto delle loro esistenze era un contorno."quando uno corre vive...e tutto il resto è attesa" recita Steve e lo si vive nel gioco irreale delle corse,coreografate a regola d'arte da Katzin,niente altro che uno buon shooter televisivo. Nel cast anche Luc Merenda che ha l'onore di lavorare con il mitico Steve in un cast di varie nazionalità nonostante sia solo una produzione americana. Poco da dire se non che nell'intera durata del film ci si proietta nell'abitacolo del guidatore lasciando lo spazio delle parole al rombo dei motori.Nei titoli di coda riporta cars driven by tanto per sottolineare chi sono le vere protagoniste del film.di Gianluigi Perrone
E ci risiamo. Squadra che vince non si cambia. Però a leggere i dati al botteghino sembra che “Wrong turn” non abbia incassato chissà che cifra esorbitante, eppure i produttori sono tornati alla carica con un sequel stavolta solo per il dvd. Il regista Rob Schmidt (in altre faccende affaccendato) viene rimpiazzato dall’esordiente Joe Lynch e il cambio, diciamolo senza problemi, è dei peggiori.Il nuovo acquisto sfoggia senza dubbio un linguaggio dilettantesco, non una sola scena pecca di virtuosismo o di un minimo di stile, tutto è lasciato alla dea bendata degli artisti fortunati. Eppure “Wrong turn 2” non è alla fine un brutto sequel grazie anche ad un cast azzeccato e da un ritmo movimentato. Certo è che la sceneggiatura è brutta tanto quanto la regia, vecchia di almeno dieci anni come idee. Diamine l’idea del reality show che sfocia nel massacro da quante pellicole è stato abusato? La telecamera che segue i giovani attori non sa di “Blair witch project”? Non solo, gli autori di “Wrong turn 2” si divertono a riproporre pari pari al capolavoro hooperiano “Texas Chainsaw massacre” la cena a base di carne umana con la protagonista legata, in un omaggio che diventa un plagio fastidioso. Eppure, come detto non ce la sentiamo di bocciare a priori il film, il budello abbondante e sanguinoso c’è ( tra l’altro l’accoltellamento di una ragazza da parte di una mutante gelosa è molto d’effetto), non ci si annoia mai e gli effetti sono rozzi, ma fanno il loro dovere. La storia è sempre la solita, variante più variante meno, ma Erica Leerhsen per esempio è uno di quei volti che spaccano lo schermo (e la sua scelta sicuramente è data dal fatto che è interprete di “Blair Witch project 2” ne siamo sicuri). Poi c’è quel fottuto pazzo di Henry Rollin che gioca a fare il Rambo di turno in un mare di sangue non indifferente. E allora chi se ne frega della confezione o dell’originalità, nessuno candiderà all’Oscar “Wrong turn 2”, eppure fa il suo lavoro di horror più di tanti altri prodotti ricchi e meglio studiati. di Andrea Lanza
Terzo lungometraggio per Daniele Costantini preso da una sua piece teatrale sperimentale,il film racconta letteralmente il fatti della Banda della Magliana come vennero esposti ai magistrati a suo tempo. Idealmente una confessione del doppiatore/attore Francesco Pannofino che nei panni di Luciano Amodio spiega ad un giudice (Leo Gullotta che si vede solo nel finale) eventi e retroscena accuratamente riportati. A lui una serie di attori e veri detenuti del carcere di Rebibbia,dove il film è girato,che raccontano le loro vite e le loro morti in un vernacolo romanesco anche troppo sboccato e sgrammaticato, quasi irreale. Il film,che è costato 500 mila euro, risente un po' troppo di questa sua dimensione teatrale e della sua forma di racconto senza mostrare mai quasi nulla,tanto che vediamo quasi sempre i personaggi che raccontano senza che le immagini spieghino da sé gli avvenimenti. In qualche modo questa sarebbe la negazione del cinema ed in effetti è una pecca che non si riesce a perdonare per via della lentezza del film. Peccato perchè l'idea nel complesso è ottima e a causa di questa mancanza di dinamismo non è completamente vincente.di Gianluigi Perrone
Ottimo documentario girato a due mani da Rachel Grady e Heidi Ewing che si occupa degli abusi di indottrinamento della folta comunità Evangelista americana. I documentaristi seguono il Kids On Fire School of Ministry e il loro campeggi per ragazzi condotti da Becky Fischer,convinta sostenitrice di tali metodi educativi. Vediamo fare un totale lavaggio del cervello a giovanissimi completamente obnubilati da una distorta dottrina religiosa,con comportamenti al di là della follia. Purtroppo alcuni casi sembrano irrecuperabili ed è tristissimo vedere questi incontri con scene di isterismo,pianti immotivati e un lavoro di misera auto-convinzione talmente forzato da divenire criminale. Una delle cose più bizzarre di questi avvenimenti è il fenomeno della glossolalia,overo di frasi incomprensibili dette durante le preghiere strillate a gran voce che dovrebbero essere la lingua madre dello spirito santo. Puro fanatismo. Vederlo fare a dei bambini è quantomeno inquietante. C'è una incredibile tendenza guerrafondaia negli insegnamenti che spingono i ragazzi in una specie di guerra santa. C'è un curioso rimando a comportamenti tribali e selvaggi che sembrano voler far regredire questa forma di cristianesimo al tolitarismo delle religioni più oltransiste che vengono prese come modello. Oltretutto la comunità ha un grandissimo potere politico ed ha una particolare venerazione per il Governo Bush che è supportato fortemente e in maniera poco onesta visto che a questi ragazzi non viene data possibilità di scelta e soprattutto non hanno una istruzione normale nelle scuole ma casalinghe,con una distorzione della reltà inaccettabile. Il documentario ha il pregio di non imboccare lo spettatore,come avviene per esempio in quelli di Michael Moore,ma semplicemente osserva i fatti e ci si può fare una idea propria del fenomeno che,a meno che non essere malati di mente,può essere solamente una. Purtroppo tali comportamenti al limite del crimine sono accettati in nome della libertà di religione quindi non si può provare che odio per tali misfatti compiuti in nome di Dio.di Gianluigi Perrone
Uno dei rape & revenge per antonomasia se non IL rape & revenge visto che il film sta tutto lì. In effetti cinematograficamente I Spit on your grave non dà veramente nulla. La sua fama di film ipercensurato deriva dalla lunghissima ed estenuante scena di stupro che deve aver provato parecchio la povera Camille Keaton. La ragazza,Jennifer appunto,è una scrittrice e viene iperviolentata dal classico gruppo di balordi. Credendola morta la abbandonano come un pezzo di carne ma lei in realtà torna e li uccide ferocemente,ormai divenuta una macchina di vendetta. Sicuramente un film shockante che deve tutta la sua fama al tema ed alla maniera in cui viene proposto.Ottima l'idea di non mettere alcune commento sonoro. Il film negli intenti ha una indole femminista,infatti si doveva chiamare Day of the Woman ed ha raggiunto un grande successo anche perchè il critico Roger Ebert lo ha sempre definito il peggior film mai realizzato. Una curiosità riguardo al titolo originale, I Spit on your grave che pochi sanno. Il produttore,che volle togliere l'infruttuoso titolo scelto da Zarchi,copiò quest'ultimo da un film francese del '59 di Michel Gast,J'irai cracher sur vos tombes,innocuamente chiamato in Italia,Il Colore della Pelle.di Gianluigi Perrone
Inizia con una rocambolesca corsa tra automobili, Death Weekend di William Fruet,quindi molta azione che purtroppo poi viene sfiaccata. Tra l'onta che vediamo subire a dei balordi,irritati dall'essere stati battuti da una donna al volante,Brenda Vaccaro,e la loro effettiva vendetta ce ne passa. Vediamo un dentista playboy portare una modella alla sua casa al lago per fare un po' di mambo degli orsi. La ragazza dimostra sin da subito ben più personalità di lui,anche di fronte al gruppo di aguzzini che ha le intenzioni che tutti si aspettano.Fruet mette lo spettatore in aspettativa, nell'attesa che avvenga il fatto che avviene sì ma in maniera moderata. Ci può essere un rape & revenge moderato? Insomma,la ragazza dimostra di avere le palle e dà del loro ai depravati. Il film è recitato bene ed ha degli ottimi dialoghi,anche la regia non lascia affatto a desiderare, eppure c'è un senso di vorrei ma non posso che alla fine stanca. Come leggere un po' ovunque,spiazzante il finale in cui la ragazza ripensa con affetto a uno degli stupratori. Mah,sarebbe da chiedere al rl regista cosa gli passava per la testa.di Gianluigi Perrone
Non propriamente un rape & revenge questo House on the Straw Hill aka Expòse aka Trauma,nonostante ci sia sia il tema della vendetta che quello dello stupro ma non conseguenza l'una dell'altro. Il film di James Kenelm Clarke ha qualche spunto interessante che però viene utilizzato in maniera imbarazzante ed unicamente ad uso delle scene di sesso. La storia è quella dello scrittore Paul,Udo Kier, che si ritira in campagna dopo il successo enorme del primo film per scrivere il secondo libro che,come si sa, è sempre il più difficile nella carriera di un artista. Richiama una dattilografa per aiutarlo nella scrittura del film,di cui si innamora. La ragazza viene violentata da dei balordi ma la cosa è assolutamente ininfluente nella storia. A tal proposito il film voleva sfruttare il successo di Cane di Paglia di Peckinpah e Last House on the Left di Craven(tant'è che il titolo non è che un mix) e aggiungerci una storia plausibile che alla fine è la cosa più interessante. Soprattutto per la figura di Udo Kier che sembra quasi un precursore del Jack Torrence di Shining per le assurdità che scrive se non fosse che il suo personaggio non impazzisce ed ha anche una giustificazione per non avere talento. Il rapporto tra Paul e la dattilografa Linda(Linda Hayden)infatti non è affatto casuale. Quasi tutto il film comunque si prosciuta tra scene di masturbazione e sesso promiscuo tra i personaggi,compresa la fidanzata del protagonista,la porno attrice Fiona Richmond,che è messa lì per fare solo quello,una delle facce più volgari che abbia mai scrutato dallo schermo.La fama del film si deve al fatto che fu bandito per la scena di stupro che contiene nel Regno Unito. A vederla non si direbbe.di Gianluigi Perrone
Black Christmas di Bob Clark è considerato (a torto o meno) il capostipite del genere slasher insieme ad Halloween ma 4 anni prima. Sicuramente il film di Bob Clark ha avuto una grandissima influenza del genere e a rivederlo ancora oggi è fresco ed efficace. Banalmente è la storia di un protagonista che semina vittime in una “sorority house” dopo averle perseguitate telefonicamente come il maniaco che è. Il film ha un sacco di elementi veramente audaci per il 1974,con queste giovani ragazze che si esprimono in maniera oscena e sono alquanto disinibite (soprattutto il bellissimo personaggio di Margot Kidder, la cui morte è uno dei momenti più belli del film). A questi divertiti momenti di pecoreccia volgarità si aggiunga un senso del macabro decisamente innovativo, magari oggi un po' vetusto ma ai tempi doveva essere agghiacciante. Bob Clark ha una maniera di girare fuori dal coro, modernissima con delle soggettive del killer che faranno scuola. di Gianluigi Perrone
Affascinante film danese, lovecraftianamente necrofilo ma allo stesso tempo denso di ironia intelligente, Nightwatch ha una struttura ed un plot classicissimo ma equilibrato per dialoghi,situazioni e regia straordinariamente lineari. Martin è uno studente in giurisprudenza che inizia a saltare il lunario facendo il guardiano di notte all'obitorio. Molto viene giocato sulla naturale avversione che si avrebbe trovandosi in un ambiente del genere ma senza falsi e facili brividi ma ricercando l'atavica paura per i morti. In contemporanea c'è un serial killer che ama possedere sessualmente le sue vittime. Martin è al limite tra una vita equilibrata e gli eccessi del suo migliore amico Jens. La situazione diventa sempre più oscura mentre la strada del serial killer incrocia quella del giovane con inaspettati risvolti. Sulla carta il film potrebbe sembrare aevere delle forzature invece tutto fila e quello che non dovrebbe è comunque funzionale all'insieme. Essenziale e sufficiente. Dal film lo stesso Bornedal ha tratto il solito remake/fotocopia americano con attori famosi e finale più edulcorato.di Gianluigi Perrone
Nell’Inghilterra nel XIV secolo un giovane prete interpretato dal bravissimo Paul Bettany, attore che il regista Paul McGuigan utilizza nuovamente dopo la sua grande prova in GANGTER N°1, si ritrova in un momento terribile della propria esistenza. Ha ceduto alla tentazione ed è andato a letto con una donna del paese, oltretutto sposata, e scoperto durante il fatto dal marito della donna fugge da quel luogo e dal villaggio iniziando a vagare per i boschi come un fuggiasco. Incontrerà una compagnia errante di attori i quali vivono grazie a rappresentazioni messe in scena di paese in paese. Nicholas, il prete fuggiasco, chiede loro di entrare nella compagnia e dopo che il capo di questi, un ombroso uomo interpretato da Willem Dafoe, lo ha accolto nel gruppo, giungono in un paesino governato da uno strano signorotto, niente meno che un misterioso e disturbato Vincent Cassel.Nel paese è appena successa una tragedia, un bambino è stato ucciso e la madre sordo muta è stata incolpata del crimine; aspetta la forca. Parlando con la donna il capo del gruppo capisce che qualcosa non va, che non può essere stata lei, così anche Nicholas se ne convince e sarà lui a tentare di scagionarla, identificando il salvare la donna da ingiusta condanna come la propria espiazione personale.Vedremo le indagini svolte dal giovane prete e dai suoi compagni di teatro all’interno di un paese del tardo medioevo, con le maldicenze, le superstizioni e la paura che caratterizza quell’epoca. La paura che derivava dal potere dei signorotti che alleati al potere temporale della chiesa spadroneggiavano dettando legge su ogni anima che si muovesse attraverso i loro possedimenti.La storia è intrigante svelando poco a poco dettagli che spingono verso la verità, cosa non proprio sorprendente visto che a metà film già la si intuisce, ma il pregio sta più che altro nella cura che il regista dedica alle ambientazioni, alle scenografia. Il buio medioevo, il villaggio pieno di segreti e vergogne, paure e malefici è rappresentato alla perfezione anche nei volti del cast che emanano inquietudine e malcontento attraverso lo sguardo e le movenze, quasi un peso che recano sul capo.L’espiazione del prete avviene inconsciamente, si nasconde nel suo ardente desiderio di salvare la donna accusata ingiustamente e di scoprire quindi il vero assassino del bambino. Alla graduale scoperta dell’infanticida si vedrà emergere nel dettaglio anche il gravissimo peccato di cui Nicholas si è macchiato, vi sono quindi due storie parallele, sebbene quella del prete sia quasi tutta incentrata nelle sue intenzioni esageratamente impulsive e nelle rivelazioni del finale, le quali si intersecano per giungere ad un epilogo drammatico ma forse più realistico rispetto a certe libertà di indagine che si prende il protagonista rispetto all’epoca in cui siamo. Un film che non vanta certo una particolare originalità, ma si lascia apprezzare per la buona fattura.di Davide Casale
Due anni dopo la trasposizione cinematografica di TRAINSPOTTING e il successo derivatone, si tenta di battere il ferro ancora caldo con la trasposizione di 3 dei 21 racconti raccolti in ACID HOUSE, sempre dello scrittore scozzese Irvine Welsh. Il risultato al botteghino è stato molto scarso, ma si sa che incassi e qualità del film viaggiano su binari autonomi. Il film si divide in tre parti. La prima, tratta dal racconto “La causa del Granton Star” vede la storia di un ragazzo che è il prototipo della nullità, si arrende davanti al minimo sforzo e indirizza la sua vita verso la più pura apatia. Ci troviamo inseriti esattamente nella giornata in cui il giovane fa i conti con tutto e tutto gli si rivolta contro: viene cacciato da una patetica e sfigata squadra di calcio, la ragazza lo molla perché non si impegna nemmeno mentre la scopa e non la fa mai venire, i genitori lo cacciano di casa per poter fare i loro giochini sessuali in santa pace e come ciliegina sulla torta gli appare Dio! Un Dio chiaramente ubriacone e frequentatore di luridi pub che infastidito dal suo comportamento lo trasforma in una mosca, in un lurido e inutile insetto quale è. Vedremo quindi il nostro protagonista mangiare merda e svolazzare in giro per le case di chi l’ha appena mandato a quel paese.. “Il tenerone” è il titolo del racconto da cui è tratta la seconda parte, con protagonista Johnny (interpretato da Kevin McKidd, presente anche in TRAINSPOTTING,), il quale è il prototipo dell’uomo senza palle, completamente incapace di reagire di fronte alla benché minima minaccia. Si farà inguaiare da una zoccola ninfomane da quattro soldi la quale ha già un figlio di chissachì, lui la sposerà e andranno a vivere a assieme. Dopo poco la coppia entra in crisi e lei lo tratta come una cacca, andando spesso fuori a ubriacarsi e a venderla per strada a due soldi. Un bel giorno arriva un vicino di casa narcisista, ubriacone e sfotticazzi che inizia a sfruttare Johnny in tutti i modi, sfrutterà anche il culo di sua moglie, sodomizzandola alla grande praticamente davanti al marito che ovviamente soffre in silenzio in maniera patetica. Nel terzo e ultimo episodio, tratto dal racconto forse più bizzarro che da anche il titolo alla raccolta e al film “The acid house”, abbiamo Coco Bryce, Hooligan tutto d’un pazzo, drogato, sfacciato e che vive alla giornata fottendosene di tutto e tutti, anche dell’ oca della sua ragazza. E’ interpretato da una faccia già nota da TRAINSPOTTING in cui interpretava l’ indimenticabile Spud, si tratta di Ewen Bremner. Questo Coco Bryce lo vediamo al bar con la ragazza e nel cesso si mangia un acido, poi va fuori come un cavallo e delirando in un parchetto del quartiere viene colpito da uno strano fulmine, il quale trasferisce la sua coscienza all’interno di un bambino che sta nascendo, figlio di un borghesuccio politically correct, la summa di quello che il protagonista odia. Vedremo l’ultrà neonato che si eccita succhiando le tette della madre e che si fa le seghe mentre i “genitori” tentano di scopare. Contemporaneamente la fidanzata oca tratta il Coco col cervello da poppante come argilla da plasmare secondo la sua volontà! Ma Coco Bryce è uno con le palle…Questo film è l’esordio alla regia per McGuigan, il quale gira un film esteticamente curato nella sua crudezza, i personaggi di Welsh sono allo sbando, sporchi nell’animo, violenti, sessodipendenti, rappresentano la feccia del genere umano dal punto di vista della persone per bene, insomma un po’ come la redazione di Cangaceiro. Il regista mette in scena tutto ciò con uno stile che esalta queste caratteristiche, ma lo fa in maniera elegante, stilosa, i fermo immagine che spesso fa su personaggi che non centrano nulla con le storie, ma sono semplicemente persone che vivono in quelle realtà, ci mettono di fronte a quello con cui vuole ci identifichiamo nella visione. Segue alla perfezione il senso profondo di Irvine Welsh che vuole fare vedere una Scozia senza filtri, la vera e pulsante scozia della classe lavoratrice, la working class del luogo che riempie i quartieri periferici delle città. I controsensi e la brutalità in cui nasce e di cui si nutre la penna dello scrittore scozzese sono le basi della società, sono frutto dell’uomo nella sua versione più vicina all’istinto. E’ purezza lavata dalla birra e pisciata giù dagli scarichi dei pub. Ci si esalta in certi momenti! E i tre racconti hanno un energia che implode, rappresentando la costrizione dell’uomo in esistenze da cui vuole fuggire, la rabbia di chi ha poche valvole di sfogo, il finale dell’ultimo racconto ne è esplicativo, viene voglia di ubriacarsi e spaccare tutto spalla a spalla con Coco Bryce, attore che nessuno si immaginerebbe come ultrà spacca culi, ma proprio la sua faccia assurda rende il tutto più avvincente e inaspettato! I personaggi di Wesh sono schietti, la realizzazione di vita per molti di loro è un buco caldo in cui infilarsi di tanto in tanto, un buco umano, e un pub in cui ubriacarsi tra amici con cui divertirsi e di cui sospettare, si perché i l’essere umano in Welsh è infame. Il tossico tipo nelle storie di Welsh non è uno che ruba perché è schiavo della droga che l’ha rovinato, ma è semplicemente un tossico che si diverte a sbumballarsi il cervello e a cui non gli frega un cazzo di fare infamate. Puro e crudo. McGuigan rende tutto questo alla grande, il messaggio è chiaro e siamo di fronte a un film più realistico di TRAINSPOTTING, soprattutto per quanto riguarda l’estetica dei quartieri, dei dormitori in cui si svolgono i fatti, vi è una cura per i dettaglio estrema, cosa che il regista amplificherà nelle sue opere future e che in questo ACID HOUSE si fa notare come perfetto sfondo a dei personaggi scomodi, fastidiosi, brutti, ma made in Welsh e quindi affascinanti.di Davide Casale
Il termine claustrofobia caratterizza la serie degli Alien, certo è abbastanza ovvio considerando che ci si trova all’interno di navi spaziali e di basi sperdute in pianeti infestati da mostri ammazzatutto. Se da una parte il piccolo alieno, partorito dalla mente perversa e geniale dell’artista H.R.GIGER, si farà una bella corsetta all’aria aperta in ALIEN VS PREDATOR, in questo ALIEN III sembra ancora più sotterrato e nascosto negli anfratti di questo sporco mondo, anzi di questa sporca galassia. In questo film si raggiunge il livello massimo di claustrofobia e non solo per le strutture in cui si svolge l’azione. Ci troviamo in un pianeta sperduto adibito a prigione, con pochi contatti col mondo esterno e dei prigionieri piuttosto pericolosi, tenuti al giogo da una sorta di religione che il carcerato più sveglio ha deciso di instaurare. In parole povere il pianeta in questione è idealmente fermo al medioevo e se prima era solo l’inferno dei peccatori a far paura, con l’arrivo della nostra amica Ellen Ripley (Sigourney Weaver), direttamente dalla nave di ALIENS SCONTRO FINALE, la paura del peccato dei prigionieri aumenterà in vista delle sue natiche e un piccolo ospite è inoltre sbarcato di nascosto sul pianeta, uno di quegli esseri che danno il titolo al film e alla serie. Il regista David Fincher confeziona un capitolo diverso dagli altri, in un certo senso fuori dal coro, infatti rispetto alla serie si trova tra due fuochi: ALIENS SCONTRO FINALE che è la versione action- guerrafondaia per eccellenza, molto anni ’80 e videoludica nella struttura, e il quarto capitolo ALIEN LA CLONAZIONE in cui si gode da quanta azione e momenti cool ci vengono propinati senza pietà attraverso le gesta di un cast da mille una notte a Parigi (il cast è in parte francofono). Questo alien è un momento di riflessione, una pausa malata che esaspera l’angoscia dei personaggi. La bravura degli attori, tutti molto ben calati nelle parti, rende il tutto coinvolgente nonostante gli eventi non vantino certo imprevedibilità, ma non è questa l’attrattiva del film, è l’atmosfera cupa e opprimente che rabbuia l’animo ad essere evocata alla perfezione. La trama non riserva particolari sorprese, ma è tutto incanalato attraverso solide pareti d’acciaio come quelle della stessa fonderia dove si consuma buona parte del film. La Weaver è in stato di grazia, passa dall’essere una donna emotivamente distrutta all’inizio del film ad una incapace di provare nulla se non determinazione dettata dalla disperazione, è davvero eccitante vederla vestita da carcerata e mischiata ai prigionieri, come una tanica di benzina vicino a delle torce accese. La figura della protagonista inizierà da questo film un percorso verso la disumanizzazione, per raggiungerla quasi del tutto nel quarto capitolo.Un film che è stato molto sottovalutato, ma d’altra parte il pubblico a cui è rivolta la serie è vastissimo e siamo all’interno dell’ambito blockbuster, appena si cerca di creare qualcosa di lievemente diverso dai soliti canoni, o di lievemente più arguto, il palco si incrina e rischia di cadere fragorosamente. Senz’altro un buon film da recuperare, e guardandolo nell’insieme degli altri capitoli è stato una sorta di cambio di registro necessario alla vitalità di tutta la serie. Primo capitolo a parte, questo ALIEN III è senz’altro il più intelligente tra i film sui mostri sputa acido by H.R.GIGER.di Davide Casale
Promozione per György Pálfi che, dopo essersi palesato con Hukkle, produce un film di budget sostanzioso come Taxidermia e diventa un punto di riferimento per la cinematografia Ungherese. Taxidermia è un film incredibile per coraggio e sfacciataggine stilistica. Il regista ha piacere a firmare la miserai e l'umiliazione, l'ingordigia e il vizio. Un cinema del basso ventre quello di Pàlfi, dove l'anima è postposta ai corpi cavernosi. Taxidermia racconta la storia generazionale della famiglia Balatony, dal nonno,generale schiavista che durante la Seconda Guerra Mondiale vive recluso in mezzo alla steppa con la famiglia e il servo Morosgoványi, infoiato sperimentatore delle più astruse forme di autoerotismo. Il figlio Kàlman diventerà un campione mondiale di "ingozzamento agonistico", una palla di lardo capace di ingurgitare qualsiasi cosa con incredibile maestria. Questa zona del film potrebbe essere normalmente riferita a qualsiasi disciplina sportiva e si sviluppa tuttavia in maniera classicamente umana. La particolarità è che ci troviamo di fronte a personaggi che vomitano sconsideratamente e ritornano a mangiare senza fermarsi, fieri della loro bravura. Infine,ai giorni nostri, il dramma di Lajoska, deludente figlio di Kàlman, che essendo magro e mingherlino non ha potuto seguire le orme del padre ed è diventato imbalsamatore, utilizzando tute le proprie forze per mandare avanti la vita del padre ormai diventato un enorme budino. Il ragazzo ha però velleità artistiche talmente strampalate da diventare autolesioniste. Quella di Pàlfi è la storia della modificazione dei corpi e del loro abuso totale anche a costo del proprio disfacimento. Il lato consumistico al di là della cortina di ferro. La storia generazionale dell'Ungheria e del mondo portata avanti da corpi svuotati dall'anima e divenuti involucri organici fini a sé stessi.di Gianluigi Perrone
La caratteristica di questo thriller inglese del 1970 è la sua collocazione temporale all'interno di un periodo di grandi cambiamenti per il cinema horror. La storia è molto semplice, addirittura classica se non fosse che allora la formula non era stata sfruttata. Due ragazze anglofone vanno in vacanza in Francia,nella zona rurale. Una di loro scompare e l'altra,per scoprire che fine abbia fatto l'amica, si ritrova a rischiare la vita. Probabilmente il principale referente di Fuest è Hitchcock ma l'atmosfera del film è incredibilmente moderna. C'è una fulgida crudezza nel film e nonostante non vi siano elementi particolarmente cruenti, la messa in scena sembra anticipare la iper-violenza degli horror a venire come Last House on The Left o Texas Chiansaw Massacre. Uno slasher senza il bodycount,altrimenti sarebbe già conosciuto come un capostipite, ma che ne ha le caratteristiche intrinseche. Nella seconda parte il film si sposta molto più sul giallo e sulla soluzione finale ma l'aria malsana di delirio in zone sconosciute dove si è completamente abbandonati a sé stessi è una caratteristica ancora fresca oggi. Il film in Italia è conosciuto come Il Mostro della Strada di Campagna.di Gianluigi Perrone
Vi è mai capitato di perdere qualcosa dentro casa, in una stanza magari,sapete che è lì ma non la trovate e siete coscienti che non può essere sparita. Dopo un po' il vostro cruccio è scoprire dove sia finita al di là della sua utilità,solo per svelare il segreto della scomparsa di quell'oggetto. Unico, vero successo del franco-fiammingo George Sluizer, tanto da girarne egli stesso il remake americano con più soldi ed attori di nome, quel Vanishing con Kiefer Sutherland e Jeff Bridges, Spoorloos entra nella storia come uno degli horror-thriller più atipici per via delle sue caratteristiche peculiari. La semplicità della vicenda è straniante per la possibilità di essere comune a chiunque se riflesso di una follia anche essa neanche troppo rara da trovare. Rex e la sua ragazza Saskia sono due olandesi in vacanza in Francia. Si fermano ad una stazione di servizio e,semplicemente, Saskia scompare nel nulla. Attraverso dei suggerimenti sappiamo che il suo rapitore è Raymond Lemorne, un buon padre di famiglia, un insegnate di scienze del Liceo, un uomo comune. Quello che ci rimane ignoto però è il perchè,il come e soprattutto che fine abbia fatto Saskia. Intanto Rex,passati 3 anni,è perseguitato dal ricordo della ragazza e ancora indice campagne per trovarla. Questa ossessione non gli permette di crearsi una nuova situazione sentimentale nè di pensare ad altro. Mosso da compassione o da follia, Raymond decide di rivelare tutto ma in maniera tutt'altro che semplice. Spoorloos è quella che si dice una ottima sceneggiatura e l'uovo di colombo. Un bilanciamento tra narrazione ed ironia che ci racconta di come l'ossessione inspiegabile verso qualcosa piò portare la gente a compiere azioni immotivate. E' questo il succo che permette al film di non avere forzature. A questo si aggiunga la scena più claustrofobica della storia del cinema, tanto terrificante da essere ripresa da Tarantino (ma non diciamo altro).di Gianluigi Perrone
Molto spesso si sente in giro gente dire che c’è regressione e che non si può far nulla, non ci sono neanche i soldi per mangiare una pizza con lei, come dicevano i giganti nella song “Mette dei fiori nei vostri cannoni”. Io molto spesso preferisco fare orecchie da mercante e non sentire lamentele e luoghi comuni, la volontà e la passione per le cose prescinde dai mezzi, l’unico vero limite sono le capacità e l’ingegno che molti non hanno. Un esempio lampante è questa pellicola girata nel 1980 dall’immenso Fernando di Leo, questo film nasceva con lo stesso Budget che ha un bimbo la domenica prima di andare a messa, gli attori in alcune scene sono cosi pallidi che sembrano reduci da un naufragio sull’isola dei famosi senza cocchi. Il film sicuramente non è il suo capolavoro, anzi di tanto in tanto zoppica un pochino, ma come tutti i film di Di Leo fa godere come ricci gli amanti del caro cinema di genere che fu. Il film è stato girato in un’unica location: un chalet di montagna! La pellicola si apre con l'evasione dal carcere del criminale Joe Brezy che dopo la fuga tira dritto sullo sgangherato chalet ( con il budget che avevano non si potevano permettere di farlo passare con una Ferrari per Forte dei Marmi!) dove sembra abbia nascosto il bottino di una sua precedente rapina, ma c'e qualcosa che non va, infatti l'abitazione risulta occupata da tre persone, un uomo e due belle gnocche (sorelle). La trama easy sembra il preludio al classico filmozzo di genere, con donne molto zozzone ed attratte dal violento e sexy cattivone, invece il film per nostra fortuna nasconde qualche variazione sul genere anche perchè l’armonia tra gli abitanti dello chalet non è idilliaca ( roba di kamasutra mistico e cornificazioni multiple). La succitata situazione ci permette d’ assistere ad uno scambio continuo di alleanze tra il malfattore e le pseudovittime, fino a giungere ad un finale tirato un po’ giù cosi , tra una tetta e un pugno in bocca. Riconosco al regista l’intento“rape and revenge” del finale (anche se in realtà non lo è in maniera craveniana) ma credo che la fame e il freddo ( le attrici tutte nude) sul set di montagna cominciavano a farsi sentire e giustificano in parte il finale frettoloso, comunque “ Vacanze per un massacro”merita una visione spassionata con una birrozza gelida in mano e possibilmente una bella tipa con il petto gonfio affianco!
