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Nonostante si tenda ad indentificare, ed a ragione, Sergio Leone come padre putativo dello spaghetti western forse il film per antonomasia è Django, del virtuoso Sergio Corbucci, dove collimarono decine di elementi fortunati:la sceneggiatura di Rossetti,fantastica a dir poco,la scelta del protagonista azzeccata che lanciò Franco Nero nell'olimpo,finanche alle trovate dell'aiuto regista Ruggero Deodato che contribuì ha dare crudezza al film. Un western oscuro e spettacolare con colpi di scena e immagini spettacolari e già cult prima di venire messe in pellicola. Django prendeva il nome da Django Reinhard, di cui era appassionato Corbucci ma poi è diventato un nome simbolo e riutilizzato nel genere western all'italiana.di Gianluigi Perrone
Western romantico di Romolo Guerrieri ed ennesima storia sul personaggio di Django ma crepuscolare, basata sul pentimento del bounty killer che si è stancato della violenza che lo circonda. Django cerca l'uomo che gli ha ammazzato la donna ma quando scopre che il suo avversario viene pianto a sua volta dalla propria amata decide di appendere la colt al chiodo. Gli elementi melò fanno del film un prodotto unico nel suo genere. Solida la regia del sempre ottimo Romolo Guerrieri.
di Gianluigi Perrone
Strano ibrido tra western e film di guerra, Tonino Valerii gira questo lavoro con mano leggera e semza troppa convinzione, con un cast di tutto rispetto grazie alla co-produzione con l'america ma senza riuscire a risolvere i problemi con gli attori, soprattutto con James Coburn. Grottesco ma divertente.
di Gianluigi Perrone
Nel tentativo di riappacificarsi con suo marito James, Adele decide di partire con la figlioletta Sarah, raggiungendolo in uno chalet su una scogliera della Scozia. Durante la gita però, Sarah cade in mare ed annega prima che riescano a trarla in salvo. Il cadavere scompare tra i flutti del mare, vero protagonista del film, qui nel doppio ruolo di creatura purificatrice e simbolo di un altrove alieno. Inizia così il calvario di Adèle, tormentata da una serie di strane e paurose visioni con protagonista la figlia morta. Cosa si nasconde dietro al dolore di genitore che ha perso il proprio figlio? E se quelli che ad un occhio razionale sembrerebbero solo vaneggiamenti, in realtà celassero una verità ben più maligna ed antica? Fawcett, regista del discreto Ginger Snaps (da noi Licantropia Evolution) torna con questa fiaba dark tratta dal romanzo "Sheep" di Simon Maginn. Lo fa usando i canoni tanto in voga da qualche anno a questa parte, quelli dell'horror moderno asiatico di the Ring e famiglia, dilatando i tempi e creando un’atmosfera cupa e morbosa, tenendo come riferimento quel film inquietante che risponde al nome di Pet Cemetery, o meglio nel sunto di base: "ciò che è morto non può tornare tra i vivi, qual'ora ritornasse, non sarebbe più lo stesso." Film d'atmosfera dunque, che non rinuncia a puntare il dito sui rapporti famigliari come succedeva nel sopracitato Ginger Snaps, dove la licantropia era un modo come un altro per raccontare le difficoltà degli adolescenti e la loro dipendenza alle droghe. In questo caso è il nucleo famigliare al centro dell’attenzione: le incomprensioni tra i genitori che si ripercuotono in maniera esponenziale sui figli, già perseguitati dai problemi del quotidiano vivere. Ragazzi privi di figure cardine, costretti loro malgrado, a proiettare le insoddisfazioni e le ansie di una società alla resa dei conti. Fawcett gira con una certa maestria, le continue riprese sui flutti d'acqua del mare che si rifrangono sugli scogli, descrivono alla perfezione lo stato d’animo dei protagonisti. E quando entra in gioco il paranormale, un sapiente uso di scenografie illuminate come un film gotico e un montaggio calibrato ne completano l’opera. Effetti speciali ridotti al minimo per un film che punta tutto sull’angoscia intima di un genitore alle prese con un dolore insanabile. Horror solo nella forma quindi, un maggior orientamento verso il lato prettamente exploitation avrebbe fatto di The dark un piccolo cult. Fawcett è da tenere d’occhio! di Marco Figoni
Probabilmente l’idea per il soggetto di questo film è nata durante una cena in un ristornate Italiano. Supposizione un po’ ardita, ma condendola con un bicchiere di troppo di buon vino Italiano appare tutt’altro che bizzarra. Immagino la tavolata, subito dopo cena, passa un uomo obeso attirando l’attenzione di tutti mentre i commensali ruttano di nascosto o meno piatti carichi di buon aglio. Qualcuno all’improvviso con voce e sorriso sarcastico se ne esce con l’idea di un alieno ciccione che mangia cibo preparato all’italiana. Poi questi viene subito interrotto da un altro commensale che nega la semplicità e aggiunge, per suscitare le risa della tavolata, che l’alieno in questione si nutre direttamente di Italiani! Quasi a sfiorare la battuta politicamente scorretta. Congetture a parte il soggetto di questo film ha del geniale, un alieno abnorme, ciccione, laido, sudato, sull’orlo del tracollo fisico e vestito in maniera a dir poco barocca, nell’accezione dispregiativa, si ciba di Italiani. Un poliziotto, quasi caricatura del solito sbirro fallito e depresso che trova il caso che gli cambierà la vita, o per lo meno che gli eviti il suicidio, si mette sulle tracce di questo misterioso omicida fino a scoprire la patetica verità. Già il titolo è bizzarro, “mangia e corri” tradotto letteralmente: ci immaginiamo il ciccione correre e subito ci si mette le mani tra i capelli. Il film è girato da un semisconosciuto Christopher Hart, Americano che prima di dirigere questo gioiellino ipercalorico confeziona un solo episodio della serie tv TALES FROM THE CRIPT. Il film trasuda anni ’80, non solo per l’ovvio fatto che è datato 1986, ma anche per la struttura trita e ritrita degli eventi. Siamo in ambito horror poliziesco, sebbene sia parodia di entrambi i generi, ma la cosa che innalza l’interesse nei confronti di EAT AND RUN è che la parodia è velata, nel senso che sembra paradossalmente prendersi sul serio per poi sfociare di continuo in situazioni deliranti mai compiaciute. Il telespettatore è unico giudice delle “atrocità” che gli vengono propinate, non viene mai suggerita la prossima situazione ridicola. Quasi una divertita mancanza di rispetto, una mandare a quel paese numerosissimi film impegnati e di successo che vantano la stessa struttura. Christopher Hart sfrutta l’idea bizzarra e la mette in gioco compiaciuto, da questo punto di vista è inattaccabile il suo operato. Difficile credere che la nomea di piccolo cult non si sia diffusa tra cinefili e cannibali di sorta.di Davide Casale
Platillos Volantes, dischi volanti, è un film ispirato ad un curioso fatto avvenuto tra il 1971 e il 1972 a Barcellona, nel pieno della dittatura Franchista. Aibar, come molti registi della sua generazione, interpreta personalmente il periodo buio della dittatura, permeato dalla paura e dal timore di apparire diversi concentrandosi sulla fotografia e i costumi, mantenendo questi aspetti sulla tonalità del grigio, come l’animo delle persone che vivono questa Barcellona stretta nella morsa del controllo, dove le uniche valvole di sfogo si situano all’interno degli appartamenti dei ricchi, di chi se lo può permettere, la moglie del datore di lavoro dei due protagonisti, ubriacona e adultera tra le mura domestiche, ne è un esempio perfetto. I protagonisti sono appunto due: Josè e Juan, il primo un operaio scontento, che rifiuta la condizione dittatoriale in maniera eccessiva dopo aver tentato varie forme di sovversione più o meno organizzata, alienandosi dalla realtà per sfuggirne, si “rifugia” in un mondo in cui lui è in contatto con gli extraterrestri e ha una missione da compiere per conto “di quelli veramente in alto”. Il giovane Juan viene in un certo modo coinvolto nel sogno- ossessione di Juan, il quale lo convince di vari eventi che accadranno, come una sorta di profezia letta attraverso improbabili segnali extraterrestri. E’ abbastanza chiaro come la parola per decifrare il significato di questo film sia FUGA, il fuggire da una realtà scomoda, e proprio chi possiede (troppa) fantasia e creatività, caratteristiche non sfruttate ma anzi soppresse come in qualsiasi regime totalitario, utilizzerà le proprie capacità per alienarsi, per trovare una via di fuga disperata e border line. Il fatto che le vicende siano ispirate a fatti realmente accaduti ci ricorda continuamente che quella sorta di gioco al quale stiamo assistendo non è un gioco, sebbene gli eventi siano narrati con un piglio quasi fiabesco – grottesco. L’avvicinamento dei due al mondo degli ufo, soprattutto del giovane Juan, avviene in maniera quasi fanciullesca, i suoi occhi sono tutt’altro che increduli sebbene appaiano tali, e la speranza di un qualcosa di diverso, che cambi le cose, viene sfruttata in ogni dove, in ogni parola, in ogni sussurro come un appiglio da cui non perdere la presa per nessun motivo. Anche in un regime si può sognare, ma non si può vivere dentro se stessi, perché prima o poi si arriva a un bivio e questo film ci mette in mostra due cose: in primis il bivio a cui si può arrivare e quello che la nostra mente può essere in grado di mostrarci per proteggere se stessa da chi tenta di limitarla attraverso il controllo. La fuga da questa violenza legalizzata diventa l’unica cosa per cui vale la pena non solo vivere, ma nascere. Al contrario chi si adegua nutre l’oppressione e l’oppressore che si alimenta di paura. La sceneggiatura è molto solida, oltre al regista la firma Jorge Guerricaechevarría, braccio destro di Alex De la Iglesia e collaboratore anche di Almodovar. Platillos Volantes è un progetto particolare ispirato da una storia anch’essa particolare. Eventi che capitano soltanto in particolari condizioni. Il fatto di cui si narra è una deformazione sociale, rara ma realmente avvenuta, quindi più che possibile. Gli eventi qui ricordati sono come l’avvistamento di un oggetto non identificato, un qualcosa che è praticamente impossibile prevedere nelle sue conseguenze.di Davide Casale
Cry Baby, un giovane ragazzo di Baltimora, un rocker ribelle e senza causa. La rappresentazione della gioventù bruciata Americana e contestatrice degli anni ’50. Un ragazzo affascinante dal ciuffo impomatato, dall’infanzia disastrata e destinato all’inferno. Il tatuaggio di una sedia elettrica che ha ucciso i suoi genitori, accusati di strage, è metafora della sua vita all’insegna di un futuro privato, della strada in cui è incanalato, una strada che sa di zolfo lastricata di rock’n roll, motociclette, macchine con le fiamme dipinte, giacche di pelle, profumo di brillantina e pupe sexy pronte a saltargli addosso. Cosa ci sarò di infernale direte voi, ma siamo negli anni cinquanta… La realtà di Cry Baby, interpretato da un giovane Johnny Depp si oppone a quella dei bravi ragazzi, i quali si definiscono “regolari”, quasi la contrapposizione che vi era in I RAGAZZI DELLA 56° STRADA. Ad inizio film ribelli e regolari sono in fila assieme per il vaccino, una cosa che tutti devono fare e che rappresenta l’unico punto che li vede uniti in tutto il film. In seguito sarà guerra aperta tra le due fazioni. Il giovane protagonista si invaghisce di Allison Vernon-Williams, interpretata da Amy Locane, la quale fa parte dei “regolari”, ma che ricambia il colpo di fulmine nei confronti di Cry Baby e si mette contro i suoi amici e la zia, una delle donne più severe e “per bene” di tutta Baltimora. John Waters condisce tutto questo in salsa musical con pezzi rock’n roll e continue esibizioni canore sia dei bulli che dei ragazzi per bene. Il regista esalta le due fazioni arricchendole ed esaltandole di stereotipi, rovesciando i ruoli durante la progressione del film. I bravi ragazzi si vedranno essere meschini, viziati, stupidi, ma soprattutto costretti in un ruolo che non è naturale, che crea rabbia e che diventa nocivo. John Waters non solo parteggia per Cry Baby e la sua combriccola, ma ce lo fa vedere come una sorta di semi dio, una sua lacrima lungo il volto, frutto di un passato tremendo che si infrange contro una dura scorza che maschera una grande e profonda sensibilità, ipnotizza chiunque la guardi. La gente si scioglie al vedere le sue lacrime di felicità, tristezza, ingenuità. che sgorgano come aspettando un grido da una platea immensa. Le caratteristiche di ogni personaggio sono esaltate attraverso stereotipi perfettamente funzionali alla sceneggiatura, ogni frase, ogni sguardo, ha un determinato senso e gli stacchi in cui il film diviene vero e proprio musical sono inseriti alla perfezione in maniera intelligente e perfettamente lineare. Ma dopo GRASSO E BELLO, opera precedente di Waters, questo ce lo si aspettava. Anche il cast è formidabile e la scelta degli attori è frutto di una fantasia che solo John Waters possiede. Johnny Depp è perfetto, Iggy Pop coi capelli corti fa coppia con Susan Tyrrell, celebre star di B-MOVIE oltreoceano, ma non finisce qui, abbiamo al presenza di Tracy Lords che è a dir poco mozzafiato rappresentando la perfetta rock’n roll girl bella e dannata, anticonformista che si oppone ad una famiglia di fanatici religiosi, una con le palle insomma. Joe Dalessandro non ha bisogno di presentazioni dato che la Factory di Andy Warhol lo ha più che sdoganato durante gli anni ’70. Kim McGuire interpreta invece Hatchet-Face, una ragazza rocker cattivissima, dal volto orrendo ed è esaltante quando Cry Baby le si rivolge teneramente dicendole che il suo volto è bellissimo, perché lui lo crede veramente nella sua purezza. Ed è proprio questo il messaggio di Waters, potrebbe apparire banale se non fosse inserito negli anni ’50, ma in quei tempi, e purtroppo non solo, chi era diverso dall’essere “regolare” era destinato all’inferno o alla prigione, meglio se all’inferno tramite sedia elettrica. Quando il sogno Americano era dio e quel dio era il capitalismo più sfrenato solo la galera e la sopraffazione potevano salvaguardare la falsità di chi si conformava all’immaginario creato dalle pubblicità della Coca Cola e delle cere per pavimenti. Era tutto vero, e quello che il regista ci fa vedere è quello che probabilmente non è mai successo. La bellezza di una lacrima lungo una gota purtroppo non ha mai salvato nessuno, sebbene sia uno dei motivi più nobili per cui pensare alle proprie intenzioni.di Davide Casale
El Puro, questo l'altro titolo del film dal nome del protagonista, è considerato l'unico western buddista e l'unico in cui c'è un bacio omosessuale tra due cowboy. E' la storia di un gruppo di bounty killers che danno la caccia ad un criminale pentito, appunto El Puro. La stranezza del film sta nelle attitudini dei protagonisti (non sessuali,credo) Mark Fiorini e Robert Woods, due personaggi new age che volevano dare un taglio inedito al film, con il beneplacido di Mulargia.di Gianluigi Perrone
Divertente western di Sergio Garrone che girò in condizioni precarissime. I due bounty killer interpretati da William Berger e Antony Steffen sono micidiali, soprattutto Bibbia Murdoch che ispirò il personaggio di Samuel L. Jackson per la sua famosa frase in Pulp Fiction, infatti anche lui recitava la bibbia prima di uccidere. Molto divertente.di Gianluigi Perrone
Sequel di Django, dallo stesso sceneggiatore, Franco Rossetti, ma con diversa regia e protagonista. Sergio Corbucci viene sostituito dal pur ottimo Ferdinando Baldi e Terence Hill ha la sua grande occasione come sosia di Franco Nero. E la cosa funziona. Preparati la Bara non è oscuro come il suo predecessore ma è ugualmente fresco e forse scritto molto meglio visto che la trama ha un senso compiuto ed un susseguirsi di eventi sensati. Django viene tradito e cerca vendetta, subisce come in passato ma nel finale incredibile stermina i nemici con la sua mitragliatrice.di Gianluigi Perrone
Ognuno per sè doveva essere diretto da Lucio Fulci, invece il lavoro passo a Giorgio Capitani che qui dirige l'unico western della sua carriera. La storia è molto semplice, un gruppo di banditi che deve portare una carico d'oro verso la città, però la sceneggiatura di DiLeo cerca di dare profondità e spessore ai personaggi ed il risultato ne guadagna ampiamente.
di Gianlugi Perrone
Unico western di Freda, modesto a dirla tutta, pare a causa del budget bassissimo e soprattutto di un montaggio castrante che eliminò le scene migliori(cioè quelle violente). freda lo firmò con uno pseudonimo perchè non lo amava. La storia è quella di due figli che vendicano la morte del padre. Il cast è abbastanza anonimo.di Gianluigi Perrone
El Desperado è l'unico film di Franco Rossetti che è stato sceneggiatore di tutti i più grandi film di Sergio Corbucci e Ferdinando Baldi, uno dei padri di Django. Paradossalmente è proprio la sceneggiatura il punto debole di questo film, particolarmente confusa e incomprensibile, soprattutto per quanto riguarda alcuni comportamenti dei personaggi. Interessante l'atmosfera oscura e decadente del film che ricorda molto quelladi altri personaggi dello sceneggiatore.di Gianluigi Perrone
Unico, naturalmente pazzesco, western di Tinto Brass che girò per motivi alimentari ma non volle concedere di abbandonare le sue sperimentazioni. Una storia epica di due personaggi oscuri,uno solitario ed errante,uno anziano, potente e spietato che si massacrano. Brass ci mette tutte le influenze pittoriche del suo stile, da Dalì a DeChirico e afferma di voler fare un film ad ideogrammi cinesi. Lui sono sa cosa intendeva, comunque, vero o meno,il fatto che la produzione l'abbia rimontato ha snaturato il progetto.
di Gianluigi Perrone
Ideale seguito di Kitosch, Nando Cicero gira questo suo terzo western come sa fare lui, quindi mettendoci un sacco di elementi exploitation. Violenza e sesso la fanno da padroni (più il secondo che il primo) tant'è che nel cast c'è Femi Benussi che mostra spesso le sue grazie e costringe il film a un divieto ai minori di 18 anni. Cicero dirige un po' in maniera stanca ed alcuni momenti diventano a volte noiosi.di Gianluigi Perrone
Pellicola girata da Lizzani in alternanza di quelle più impegnate per permettere un grosso guadagno a DeLaurentis ed assicurarsi la carriera, il regista non amò questo suo primo western. Classica storia di vendetta vanta una partecipazione importante come quella di Henry Silva. Comunque un lavoro interessante grazie alle capacità innegabili del regista.
di Gianluigi Perrone
Poco da dire su Sugar Colt se non che fu uno dei primi western comedy. Giraldi voleva prendersi una pausa rilassante e girò questo film leggero con un attore sconosciuto. La storia verte intorno a questo Sugar Colt che travestito da dottorino deve scoprire le trame di alcuni banditi e,in un saloon bordello, se la deve vedere con delle pistolere armate fino ai denti. Niente di che ma la presenza di Soledad Miranda fa moltissimo.di Gianluigi Perrone
Secondo western di Giuliano Gemma (alias Montgomery Woods), il film di Ferroni conquistò il pubblico per la semplicità ed immediatezza della storia raccontata. Due fratelli sudisti che dividono le proprie strade e si ritrovano faccia a faccia nella più classica delle situazioni. Il western di Ferroni risente più della struttura americana che di quella "leoniana" e forse questo aspetto lo rese così amato.
di Gianluigi Perrone
Più che il film è interessante la storia che c'è dietro. Questo spaghetti spagnolo è una specie di storia romantica ambientata nel west con in mezzo un po' di ironia e sensualità (storie di corna sottaciute). Il regista era Antonio Romàn, un uomo molto vicino al generalissimo Franco, ma a causa di problemi produttivi( probabilmente dovuti alla location invernale) gli mandarono Mario Bava che probabilmente mise mano a molto del materiale, risolvendo tutti i problemi che poi avrebbero determinato l'aspetto del film.di Gianluigi Perrone
Dopo l'enorme successo del primo Ringo Montgomery Wood alias Giuliano Gemma torna nei panni del pistolero senza macchia. Siccome squadra vincente non si cambia ecco tornare anche Duccio Tessari dietro la macchina da presa. La sceneggiatura si rifà direttamente all'Odissea,Ringo torna a casa e trova che gli hanno ammazzato il padre, espropriato le terre e c'è chi gli vuole anche trombare la moglie. Mette insieme un gruppo di desperados che partono insieme a lui per avere vendetta. Altro grande successo, il film di Tessari è,nello stile dell'autore, un western classico, fordiano e a volte stereotipato dove i buoni sono i buoni e i cattivi i cattivi. di Gianluigi Perrone
Grande, piccolo film del sempre ottimo De Martino che gira all' americana con ottimi attori ed una storia di tutto rispetto. Il film sfrutta il nome di Ringo ma senza Giuliano Gemma, causando la famosa polemica del "vero,unico Ringo, diffidate dalle imitazioni" manco fosse un medicinale. La storia riprende un po' Per un Pugno di Dollari ma ampliandola e rimaneggiandola. il risultato è tuttavia discreto. Tra i primissimi del genere.di Gianluigi Perrone
Marchent è forse più famoso per Cut-Throat Nine (o Condenados a Vivir) per la sua violenza insita ma probabilmente è questo Ante llegas la muerte il suo film migliore. Disperatamente malinconico ed oscuro, uno dei western più disperati e realistici specchio del lutto del regista in quel periodo. La storia di vendetta tra Bob Carrey (Paul Paiget) e Ringo (Robert Hundar) e i suoi fratelli. Il primo esce di prigione per aver ucciso il fratello di Ringo che a sua volta aveva fatto un torto alla sua donan che ora lo ha abbandonato per un altro uomo. Tra vari battibecchi le due fazioni si scontreranno e inizialmente ne avrà la peggio Ringo. Maria, che è malata e deve andare a farsi curare, finisce in mezzo alla lotta senza c'entrare nulla. Incredibilmente tragico nel finale, i Sette del Texas è tra le opere più amare del genere.di Gianluigi Perrone
“Keoma perché sei venuto, perché sei tornato..” La morte stessa si rivolge a Keoma nei panni di una mendicante dagli occhi di ghiaccio, dopo che a cavallo e con i capelli lunghi da meticcio varca implacabile le soglie di un paese distrutto e lasciato all’abbandono, pieno di cadaveri, una sorta di ambiente post-nucleare in cui le radiazioni sono il piombo e la peste che flagella vite accompagnata da una morte che soffre per sé stessa. La grande mietitrice chiede a Keoma di tornare da dove è venuto, ma lui, come in una missione in un’iconografia sacra, non può fermarsi di fronte al suo destino. Il protagonista ritorna nel suo paese dove troverà i suoi fratellastri che lo odiano e un padre protettivo che ha sempre suscitato l’ira di questi, la peste imperversa e un signorotto senza scrupoli tiene in scacco la popolazione sfruttandola in ogni maniera possibile. Keoma ci si metterà contro. Le superbe musiche dei fratelli De Angelis accompagnano le riprese altrettanto notevoli di questo film, curate nei minimi dettagli e pronte ad accogliere la saturazione di un genere. I dettagli sono molti, troppi rispetto all’iconografia degli spaghetti western precedenti, ma questo è uno di quei film che chiude l’epopea del genere e si eleva ad un punto di vista perfettamente conscio e filtrato da un’simbologia sacra del tutto peculiare. Il paese è l’inferno e Franco Nero, che interpreta il protagonista, è inizialmente un angelo vendicatore per poi sublimarsi in una sorta di Gesù Cristo che attraversa la sua personale valle di lacrime in cerca di sé stesso. Inutile dire che è un essere incompreso dagli altri ma anche da sé stesso, come dirà con le sue parole parlando col padre. Il personaggio del “negro”, come lo chiamano con disprezzo gli scagnozzi del latifondista, ha spesso uno strumento musicale tra le mani e funge quasi da cantore muto in linea con la disperazione di quei luoghi che sembrano quasi sospesi tra realtà e sogno. Le panoramiche delle cavalcate fuori del paese tra i prati sono sconfinate, mentre quelle all’interno del paese non lasciano quasi mai intravedere il cielo Castellari rende la cittadina un vero e proprio inferno claustrofobico dove l’unico respiro è la violenza. Alcuni ralenti presenti nel film sono stati spesso criticati, ma possono essere visti come uno stilema tipico delle sequenze di guerra (la guerra è l’inferno), quelli iniziali ricordano alcune famose fotografie scattate durante la guerra civile Spagnola, in particolare la foto simbolo di Robert Capa dell’uomo colpito a morte e sul punto di rovinare a terra. Keoma è uno dei migliori spaghetti western, ma non solo per la meticolosa tecnica con cui è girato, anche per la poesia che è insita in esso e per l’approfondimento dei personaggi, tramite dettagli quasi impercettibili ma funzionali in ogni loro aspetto. Se il cinema bis fosse come il personaggio di Keoma potrebbe solo rinascere… “Il mondo è marcio” risponde alla morte Keoma. Un dito, due dita, tre dita, quattro dita. Buio in sala.
di Davide Casale
Film è prodotto e tratto da un soggetto di Sergio Leone, il quale segna il suo addio allo spaghetti western. La regia è affidata a Tonino Valerii, il quale dirige un duo atipico, ossia Terence Hill e il grande Henry Fonda. La storia è piuttosto semplice e vede il signor Nessuno, un ironico e misterioso Terence Hill, che si affianca apparentemente per caso allo stanco e vecchio Jack, un mito del lontano West il quale sogna di ritirarsi e andare in Europa a godersi gli ultimo anni della sua vita. Qui il parallelo col personaggio di Fonda e il regista Sergio Leone sembra quasi evidente. Nessuno segue il suo mito e lo convince a non partire, o per lo meno desidera che Jack faccia un’ultima grande impresa, un gesto per cui il suo nome possa entrare nei libri di storia, Nessuno è intenzionato ad aiutarlo, oltre che a spingerlo, in questa impresa. Si tratta di sconfiggere un altro mito del west, il famoso mucchio selvaggio, oltre un centinaio di banditi di cui si narra l’invincibilità e si racconta che al loro passaggio la terra tremi. Il film scorre scanzonato e con un arredo ironico messo in campo dall’interpretazione di Terence Hill, che con la sua ingenuità mista a furbizia, mascherata dal volto angelico ne sa una più del diavolo, fino a portare il sue eroe ad una sequenza che fa venire la pelle d’oca. Lo scontro di uno contro il Mucchio Selvaggio mentre vediamo le sequenze saldarsi ai libri di storia. Il mucchio selvaggio avanza tra la polvere all’orizzonte e appoggiato al binario c’è Jack con vicino Nessuno, la musica di sottofondo è incalzante come la voglia che ci viene trasmessa della buona riuscita dell’impresa. Epopea con sentori nostalgici che riesce quasi a commuovere sebbene l’ironia non manchi durante il film.
di Davide Casale
The Bounty Killer è il classico film fatto a più mani. Tra i primi spaghetti spagnoli, il film entra nelle mani di Eugenio Martin dopo che la prima scelta sarebbe dovuta essere nientemeno che Sergio Leone. Il film, tratto dal racconto di Marvin H. Albert "The Law & Jack Wade", vede una risma di sceneggiatori per la scrittura, tra cui J.D. Prindle (Duello nel Texas) e José Guiterrez Maesso(Minnesota Clay,Django,i Crudeli), oltre allo stesso regista ma deve al protagonista Tomas Milian l'aspetto più profondo del personaggio. Infatti il bandito Jose Gomez,fuggito di prigione, è inizialmente un terribile carnefice ma per volere dell'attore cubano ha delle motivazioni raziali e sociali che lo portano a diventare così spietato. Al suo seguito c'è il bounty killer del titolo,Luke Chilson (Richard Wyler), che cerca di stanarlo nel suo paese natale. Qui scopre che Gomez è molto amato dalla popolazione locale che lo difende rivelando che non è poi così malvagio, Il film forse la mena un po' troppo con questi continui sensi di colpa di Gomez che sembrano incongruenti e forse messi lì per accontentare Milian che non amava interpretare un messicano malvagio. Il film è visivamente molto bello,comunque, grazie soprattutto al direttore della fotografia che, guarda un po' è quell'Enzo Barboni che conosceremo meglio come H.b. Clucher. Suggestiva la scena al crepuscolo con l'appartamento sparpagliato in mezzo alla steppa.di Gianluigi Perrone
Delirante capolavoro dello spaghetti Western, Oro Hondo, l'altro titolo del film, è una figata pazzesca che Questi concepì come esperimento da una produzione incredibilmente scalcinata. Come un'opera del genere venne da quintali di carne macellata (il produttore pare fosse un macellaio arricchito), così il protagonista, Hondo,Tomas Milian,tradito dopo una rapina e tolto di mezzo insieme ad altri messicani, viene fuori mezzo morto da una montagna di cadaveri e torna in vita grazie alla magia degli stregoni indiani. Torna dai banditi che lo hanno massacrato per farsi giustizia armato di pallottole d'oro. Un western visivamente potentissimo,eccessivo,violento ai limiti dello splatter (tanto che per qualcuno è un western horror). Incredibile riflessione sulla avidità umana esplicata dall'avidità con cui alcuni avventori si accaniscono sulle membra di un uomo non appena scoprono che è imbottito di oro. E gente impiccata ovunque. La colonna sonora di Ivan Vandor incalza fino a diventare opprimente ma mantiene una epicità quasi definitive. Non sfigurerebbe se fosse l'ultimo spaghetti western della storia. Unico. Ed era solo il primo film di Questi.di Gianluigi Perrone
Non è la prima volta che Bud Spencer e Terence Hill fanno coppia in un film, e nemmeno in un film western, ma a differenza di lavori come Dio Perdona…Io no, qui vi è una mutazione in chiave ironica. La comicità che pervade il duo segna l’alpha della commedia nello spaghetti western. Non è solo sabbia e polvere da sparo, vendette e duelli al sole bruciante, ma entrano prepotentemente in campo i giochini di astuzia di Terence Hill e le botte da orbi che sponsorizza l’ex campione di nuoto Carlo Pedersoli, in arte Bud Spencer. L’inizio del film è a dir poco un mito, il pigro Trinità ( Terence Hill) si fa trascinare su una branda trainata dal suo cavallo, sequenza di apertura accompagnata dalle musiche dei fratelli De Angelis, pezzi che entreranno nella storia del cinema Italiano di genere. L’incontro con Bambino (Bud Spancer), nomignolo che è in contrapposizione la forza bruta ma non col carattere scontroso-capriccioso dell’energumeno, non sarà dei più lieti, ma la loro rivalità tipica di due fratelli si placherà quando Bambino, da buon ladro di bestiame, illustrerà il suo piano di rubare una mandria di cavalli al maggiore Maggiore Harrison (Farley Granger) al fratello. Per mettere a segno il colpo i due fratelli non esiteranno a infiltrarsi in una comunità di Mormoni osteggiati dal Maggiore che vuole a tutti i costi impadronirsi del loro terreno per espandere i suoi pascoli. Trinità farà subito colpo sulle giovani ragazze della comunità, al contrario di Bambino fino all’ultimo sarà scontroso con chicchessia mascherando la benevolenza nel volerli aiutare con l’obbiettivo del furto e non ultimo un gran cuore. Le gag del duo qui si consolidano, i ceffoni di Bud Spencer dal tipico suono faranno impazzire le platee dei cinema dell’epoca, gli incassi al cinema saranno altissimi tanto da consolidare il duo nell’accezione comica e dare vita nel futuro a numerosi progetti anche al di fuori del genere spaghetti western. Distruzione, pestaggi, tutto in chiave ironica, grandi abbuffate di fagioli che nell’immaginario comune diventeranno i fagioli alla Terence Hill, particolari ormai eterni lanciati da questo film, che già dal titolo e nome di uno dei protagonisti entra nell’ olimpo del cinema di genere Italiano.di Davide Casale
Il secondo western di Pasquale Squitieri rispecchia gli intenti politico reazionari che di lì a poco sarebbe divenuti marchio di fabbrica del regista partenopeo. Con il successo di Soldato Blu si muovavo tutta una nuova genìa di western dalla parte degli indiani e in accusa del loro genocidio ed in Italia arrivò tempestivo questo La Vendetta è un Piatto che si Serve Freddo nel quale, con la sua nota potenza visiva ed il suo stile caustico ed iconoclasta Squitieri dà il suo crudo punto di vista sull'argomento,trasponendolo chiaramente sugli eventi politici dell'epoca. La storia è quella di Jim(Leonard Mann) che, convinto che la sua famiglia sia stata sterminata dagli indiani, ne uccide quanti più possibile per soddisfare un continuo sentimento di vendetta. In realtà le cose non andarono così e quando salva una squaw da uno stupro le cose cambieranno e passerà dalla parte dei nativi. A quanto pare gli indiani sono i proletari e la presa di coscienza di Jim e quella del borghese che accetta e condivide la loro causa anche contro i suoi ideali originari. Il film è molto crudo e spesso crudele, diverse scene sono al limite dello splatter e si sviluppano lotte, come quella all'arma bianca, veramente cruente. Efficace anche la scena in cui la ragazza indiana viene ricoperta di pece e fiume dalla folla inferocita. Un assaggio di quello che di lì a poco avrebbe fatto Squitieri.di Gianluigi Perrone
Fantastico western di Antonio Margheriti, per chi scrive un autentico capolavoro e uno dei migliori film del genere. Margheriti traspone la sua passione per le atmosfere gotiche sul genere western e ne viene fuori qualcosa di unico. Una notte un uomo torna in un villaggio in cerca di vendetta e porta con sè la bufera e intanto rintocchi di campana rieccheggiano nell'aria. Una premessa che già di per sè lascia immaginare figure spettrali. E' quello che avviene a Gary Hamilton,un Klaus kinsky nel ruolo inedito del buono(ma solo Margheriti poteva farlo), che viene graziato dai lavori forzati e va in cerca di Acombar,l'uomo che lo fece finire in galera ingiustamente e gli rubò la donna. Questi,Peter Carsten, è uno stimato latifondista e soprattutto ha un figlio che lo stima e che non conosce il passato oscuro del padre. Per oltre tre quarti d'ora di film ascolteremo la campana che indica la presenza di Hamilton che,come un fantasma,miete vittime senza essere visto. Intanto si vive il rapporto tra padre e figlio che si incrina quando il giovane scopre che le motivazioni di Hamilton sono giusto ma che comunque decide di non abbandonare il genitore a costo della vita. Il tutto si concluderà tra le fiamme liberatrici in un classico finale gothico con tanto di citazione biblica."E Dio disse a Caino: e che ora tu sia maledetto... Vagherai per la Terra fuggitivo e vagabondo... "di Gianluigi Perrone
Giancarlo Santi ed il suo unico western e il suo unico film ad aver avuto un minimo di visibilità. Sfortunato Santi,lui che è stato aiuto di Ferreri,Petroni e Leone. lui che era sui set de La Donna Scimmia,Controsesso,Da Uomo a uomo,il Buono,Il Brutto e il Cattivo e C'era una volta il West. Chissà quante scene mitiche ha girato di mano sua. Era naturale che il suo primo(e purtroppo ultimo) western (anche se Giù la Testa doveva girarlo lui inizialmente) avesse come protagonista Lee Van Cleef, con cui aveva già avuto a che fare e che faceva scadere il suo contratto italiano proprio con questo film. L'inizio del film è strepitoso, con Van Cleef che fa terra bruciata intorno a sè. Lui è Clayton,lo sceriffo alla caccia di Philip,Peter O'Brien(il futuro giornalista Alberto Dentice )accusato dai fratelli Saxon vogliono la sua impiccagione. Il film cerca dei risvolti quasi investigativi per dare spessore alla trama con uno stile che però è mutuato direttamente da quello di Leone. Purtroppo nella parte centrale si inpantana in alcune lungaggini e le parole prendono troppo spesso il posto dell'azione, cosa che magari avrebbe dovuto essere un pregio ma che non ha l'effetto voluto. Le musiche di Bacalov ,assolutamente avvolgenti,diverranno famose per essere state usate da Tarantino nella squenza animata della storia di Oren-ishi in Kill Bill Vol.1. Sicuramente Santi avrebbe potuto dare di più al genere se avesse potuto.di Gianluigi Perrone
Sull'onda mediatica del successo dei film di Bruce lee e della sua morte ci finiscono anche gli spaghetti western e Il Mio Nome è Shangai joe è il più famoso ed il meglio riuscito. Il riferimento a Bruce Lee è evidente sin dal nome che viene dato all'attore protagonista, inpunemente chiamato Chen Lee e, come suggerisce il nome,viene dalla Cina per cercare fortuna in Texas. Poco importa se l'attore è giapponese, spacciato per un cinese. Se lo fanno anche le produzioni americane oggi (vedi Memorie di una Geisha) lo può fare pure Mario Caiano. Il film si basa su diversi luoghi comuni relativi alle arti marziali ed alla cultura orientale che nell'ambiente rude del west risulta vincente in qualsiasi modo su quella occidentale(anche giocando a carte!). In una strana commistione con una certa tradizione di film wu xia che stentiamo a credere che Alfieri e Trecca (sceneggiatori) conoscessero, Shangai Joe viene messo contro una serie di nemici caratteristici in sequenza tra cui Pedro Il Cannibale (Robert Hundar),Triky(GiacomoRossi-Stuart),Slim(Federico Boido) e la sfida finale con l'asso piglia tutto(nel senso che girava qualsiasi cosa)Klaus Kinski nella parte di Scalpo Jack. Il film è appena divertente anche se girato con mestiere e con degli espendienti che dimostrano quanto Caiano sia abile dietro la macchina da preso. Il film purtroppo è quello che è, una tortura per gli amanti dei kung fu movie per l'approssimità con cui si avvicina al genere ma comunque un western atipico che verrò ripreso di recente da Jackie Chan e Owen Wilson. Ne esiste un seguito girato da Bitto Albertini sempre con Kinsky ma con un attore diverso a cui hanno appioppato un nome simile.di Gianluigi Perrone
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Su sceneggiatura di Fernando di Leo e Piero Regnoli, Corbucci realizza il suo "western con gli indiani",come era desiderio di Dino De Laurentis. Naturalmente gli indiani qui sono buoni, o meglio è buono viso che ce n'è solo uno. Burt Reynolds, ancora non diventato una icona ed in cerca di incrementare la sua carriera di attore al cinema dopo decine di comparsate in tv. L'indiano Navajo Joe insegue una banda di criminali il cui capo è Aldo Sambrell che gli ha sterminato la tribù. Con una sceneggiatura pesante e Ruggero Deodato come aiuto regista, naturalmente la violenza si spreca sin da subito con una donna scalpata senza pietà. Bisogna ammettere che Burt Reynolds è veramente in parte e fisicamente compie delle azioni decisamente strabilianti. Come al solito Morricone fa un lavoro stupendo e la colonna sonora diventerà popolare ai gionri nostri per l'uso che ne farà Tarantino in Kill Bill. Sergio Corbucci è come sempre un Dio a girare anche se meno incisivo rispetto ad altri lavori perchè più concentrato sull'aspetto più commerciabile all'estero del film.di Gianluigi Perrone
Immediatamente dopo Io,Emmanuelle, Cesare Canevari gira Matalo!,il suo secondo ed ultimo western dopo Per un Dollaro A Tucson si Muore. Possibile che fosse preso dalla strage di Bel Air e da quei massacri fatti sotto acido,fatto sta che gira un western anomale ed in qualche modo unico nel suo genere. Matalo!,con l'esclamativo, da non confondere con uno dei titoli di E Continuavano a Fragarsi il Milione di Dollari di Eugenio Martin dello stesso anno, è un western lisergico ed oscuro, più vicino alle atmosfere di un horror sperimentale che altro. Attraverso grandangoli, fotogrammi in macro di occhi, riprese sghembe e immagini irrazionali, ma soprattutto attraverso una colonna sonora interminabile che è quasi una souite continua di suoni e musiche psichedeliche, il film diventa un racconto allucinante e distorto che dovrebbe vertire sul coinvolgimento di Ray(Lou Castel al suo ultimo ruolo)che sgomina a colpi di boomerang(!)una banda di rapinatori a cui fa capo burt(un inedito Corrado Pani)in una oscura città fantasma infestata da sussurri. Il film è piacevole a vedersi e anche efficacemente oscuro in alcuni punti, solo che, come in un viaggio sotto acido,si fa fatica a capire bene cosa succeda sullo schermo e dopo ci si ricorda poco o nulla del film. Quindi possiamo dire che l'esperimento di Canevari riuscì.di Gianluigi Perrone
Forse il miglior film di Giulio Petroni e sicuramente tra quelli più amati interpretati da Tomas Milain. Tepepa è uno dei capisaldi dello spaghetti western rivoluzionario a sfondo politico. il personaggio del peone qualunque che diventa leader della rivoluzione anche contro gli stessi fomentatori della stessa che ne tradiscono gli ideali arriva come una bomba in pieno '68 e il fatto che Milian fosse fresco da The last Movie e quindi dalle frequentazioni con Dennis Hopper fu di esaltazione per l'attore cubano che di voce propria interpreta il leggendario protagonista.Orson Welles era invece sepolto dai debiti e annegava nell'alcohol 8non è escluso che nella scena iniziale fosse realmente ubriaco)quindi andava cercando denaro per la prima e ultima volta in Italia, come molti vecchi mammooth di Hollywood. Petroni, con una star del genere disposizione,si sbizzarrisce e dà il meglio di sé in assoluto. Il risultato è formidabile ed epico. La sceneggiatura è oltetutto piacevolmente ironica,merito di Della Mea e Solinas ma anche dell'improvvisazione di Milian.di Gianluigi Perrone
Strano film questo Smoking’ aces. Inizia male, anzi malissimo, per diventare nell’ultima mezz’ora uno delle più interessanti pellicole d’azione degli ultimi anni. Merito a Joe Carnahan, autore di un del sottostimato “Narc”, e qui alla sua opera più vivace, dirompente e notevole. I difetti del film sono molteplici e tutti, come detto, inseriti nella prima ora di girato. All’inizio Smoking’ aces sembra un misto pane di tanto cinema, autori, culti moderni e passati. Tutto così tremendamente modaiolo e cool da generare imbarazzo se non confusione in una interminabile passerella di star che fanno il verso ad Altman e al suo cinema corale, calato qui in una dimensione di pulp tarantiniano. C’è davvero di tutto: dialoghi fiume come il buon vecchio Quentin insegna, umorismo e personaggi sopra le righe come nei film di Guy Ritchie, killer spietati contro killer spietati come in “Pistole sporche” di Albert Pyun, trasformismo alla James Bond, bad girl che fanno un baffo a “Nikita”. Il tutto shakerato così male da lasciare un senso di vertigine allo spettatore che si trova straniero in un mondo che non capisce e non lo appassiona. Poi magia della magia. Dopo qualche segnale di interesse rialzato (l’uscita di scena di Ben Affleck, la presentazione dei nazi killer) il film diventa adrenalina dirompente e comincia a far quadrare i nodi della vicenda in una catarsi drammatica e disillusa davvero inaspettata. Dopo una sparatoria in ascensore (“Get carter” con Sly?) in scena si scatena l’inferno con corpi maciullati dai proiettili, killer che si innamorano o per amore arrivano a sacrificarsi, ruoli che, senza bisogno di facili maschere, si scambiano. Chi è davvero il male o il bene? In questa orgia pulp deliziosa troviamo una sensuale Alicia Keys e un inaspettatamente bravo Ryan Reynolds. La parte del leone spetta però a Jeremy Piven, perfetto nel suo drammatico ruolo di vittima sacrificale, un personaggio dai toni altamente shakespeariani. Un applauso quindi a Joe Carnahan, che anche, e soprattutto. Stavolta ci regala un gioiello dalle molteplici sorprese. Sempre che avrete la pazienza di degustarlo come un buon vino d’annata.di Andrea Lanza
Con Challenge of the masters, secondo film come regista dopo il fortunato debutto di The spiritual boxer, Liu Chia-liang rende omaggio al personaggio “mitico” di Wong Fei-hung (1847-1924): eroe nazionale cinese, maestro di Kung fu, insegnante e guaritore. Sempre pronto a difendere i deboli e gli oppressi, esperto dello stile Hung Gar (proveniente da Shaolin del sud) insegnatogli dal maestro del padre, nonché creatore della la forma "tigre-gru" e delle combinazioni di combattimenti conosciute col nome "nove colpi speciali ". Purtroppo, a seguito della morte di uno dei suoi 10 figli si ritirò dal mondo delle arti marziali giurando di non insegnare più. La storia cinese è piena d’eroi che si battono in difesa dei più deboli: potrei citare le “10 tigri di Kwantung” combattenti che giurarono di vendicarsi dei Manchù e restaurare il dominio dei Ming (tra le 10 tigri vi era il padre di Wong Fei-hung). E’ normale quindi che un personaggio del genere potesse essere protagonista di decine e decine di pellicole, la maggior parte delle quali purtroppo andate perse. Liu Chia-liang -che in questo film si è ritagliato il ruolo di villain- ha imparato le arti marziali dal padre: allievo di Lin Shi-yung discepolo di Wong Fei-hung, quindi posso immaginare con quanto rispetto si sia avvicinato alla leggenda di quest’ultimo, cercando di non tradirne lo spirito e gli insegnamenti -per quanto sia possibile fare in un film-. Si parte alla grande, i titoli di testa scorrono mentre Gordon Liu e Chen Kuai-tai in uno studio bianco con ideogrammi sulle pareti, si esibiscono nel Kung Fu “Hung Gar”, comprendente le forme dei 5 animali: tigre, gru, serpente, drago e leopardo, e i 5 elementi, legno, acqua, terra, fuoco e metallo (penso sia uno degli stili più usati o quantomeno più famosi in questi film). Ad accompagnarli in questa danza marziale il tema musicale tipico di Wong Fei-hung, che già conosciamo a memoria grazie anche ai film Once upon a time in China di Tsui Hark, mentre una voce fuori campo menziona le peculiarità degli stili proposti dai due atleti. L’enfasi espressa sui volti dei due attori e lo sforzo fisico per eseguire al meglio le forme è notevole, così come il montaggio che grazie ad un uso d’inquadrature appropriate rende il tutto fluido e armonioso come l’acqua, ma allo stesso tempo impetuoso e potente come questo stile deve essere. Tutta la storia gira intorno ad un torneo cosiddetto “PAO” dove si sfidano tutte le scuole d’arti marziali: la vincitrice deterrà il “potere” e il prestigio di tale vittoria. Wong Fei-hung (Gordon Liu) è un giovane dal temperamento caldo, per questo motivo il padre non lo prende come allievo nella sua prestigiosa scuola. La vita non è facile per il figlio di Wong Kai-ying gran maestro d’arti marziali ed eroe popolare, un giorno dopo l’insistenza di un amico paterno, Wong Fei-hung inizierà l’apprendistato dal gran maestro, già istruttore di famiglia. L’ allenamento durerà 2 anni, nei quali il ragazzo crescerà sotto il profilo tecnico-fisico, ma soprattutto imparerà a conoscere se stesso e controllare i propri istinti. La conoscenza approfondita delle arti marziali porta ad una maggior consapevolezza delle proprie capacità e ad una comprensione maggiore degli altri, insegnamenti che trasformano il ragazzo in un uomo, tanto chè, al suo ritorno dopo aver scoperto dell’uccisione dell’amico paterno, decide di vendicarsi. Il duello è emozionante, si svolge in un bosco di canneti, lo stesso dove il killer (Liu Chia-liang) ha già ucciso l’amico del padre, lo scontro è furioso, nonostante lo stile dell’assassino Ho Fu sia letale, Wong Fei-hung riesce a sopraffarlo e a controllarsi prima del colpo letale, consegnandolo in fine alla giustizia. Questa è la netta differenza tra questo film e uno di Chang Cheh dove il sangue chiama sangue, dove la vendetta è 100 volte più atroce dell’atto dal qual è scaturito. Wong Fei-hung dà prova di aver imparato i precetti base dei suoi studi, e nel finale addirittura fa sì che il torneo del “Pao” finisca in parità, in modo così, da far riappacificare tutte le scuole. Un finale positivo e per una volta di speranza, in un futuro dove la convivenza è possibile, un futuro in cui la collaborazione tra i più forti porta alla stabilità (almeno così in teoria, come sappiamo la pratica è un’altra cosa). Liu Chia-liang è un regista vero, non un semplice coreografo di scene d’azione prestato alla regia, ha un suo concetto ben chiaro di rappresentazione, non solo per quanto riguarda i combattimenti, ma anche le così dette scene di raccordo tra una scazzottata e l’altra. Crea inquadrature visivamente affascinanti, quasi fossero dei quadri, dispone la telecamera in posti sempre differenti dando ricchezza a scene che altrimenti sarebbero sciatte, usa il montaggio in modo chiaro e lineare creando armonia in scene di lotta complesse, studia coreografie sempre diverse spiegando di che stile si tratta, facendone capire i pregi ed i difetti, insomma una gioia per chi ama questi film, ma anche per gli appassionati (come il sottoscritto) d’arti marziali. Liu Chia-liang è un vero maestro della filosofia del combattimento oltre che un ottimo regista d’indiscutibili capi saldi del genere, è un peccato che il suo nome non venga “quasi” mai menzionato al pari d’altri registi forse più discontinui, non dimentichiamoci che le coreografie dei migliori wuxia pian e gong Fu pian dell’epoca portano il suo indiscutibile marchio.di Marco Figoni
Atolladero è un paese di provincia, un buco dimenticato da Dio nel polveroso e torrido Texas. Siamo nel futuro, precisamente nel 2048 e gli Stati Uniti non sono più quelli di una volta. In seguito a scontri e problemi vari il paese ha deciso di isolarsi all’interno delle proprie grandi città, lasciando le province in mano ad una sorta di signorotti arricchiti che fanno il bello e il cattivo tempo. E’ un futuro che rappresenta l’involuzione e se pensate al medioevo ci avete azzeccato, nonostante il paesaggio sia post nucleare… Il film non è girato negli States, ma come tutto ciò che riguarda questo film anche le ambientazioni sono Spagnole sebbene ce le facciano passare per Texane, precisamente le location sono nella regione della Navarra e non come viene subito da pensare nel deserto di Almeria dove hanno ambientato decine di spaghetti western. In Navarra Alex De La Iglesia due anni prima ambientava il “planeta Aturias” del suo ACCION MUTANTE. Atolladero è il titolo di un fumetto di Miguel Ángel Martín e proprio ispirandosi a queste tavole il regista fa un film, riprendendo molte caratteristiche e tralasciandone altre come se fosse più che altro una sorta di story board. E’ abbastanza ovvio che le scene estreme partorite dalla penna del fumettista madrileño nel film non ci vengano presentate e che la linearità tipica delle opere di Martín qui perda mordente in funzione allo sviluppo di un minimo di canovaccio funzionale al film. Il fumettista disegna fatti brevi, lineari, ad effetto e contornati di un’atmosfera che rende il suo stile unico e inimitabile. Una trasposizione dei suoi fumetti sarà sempre un’opera a metà, per lo meno per quanto riguarda il lungometraggio. Quello che ingegnosamente fa Aibar è il dividere il film in capitoli per dare l’impressione di trovarsi all’interno del fumetto, ma a parte delle sequenze identiche alle tavole come carica emotiva siamo ad altri livelli, il regista ci spinge a vedere il villaggio di Atolladero, o meglio le sue quattro case, come se fossero l’inferno, un inferno di sabbia dove le speranze non hanno il permesso di abitare. Fin dai primi minuti di visione ATOLLADERO sembra un western e non solo per le location, in effetti man mano che ci si addentra nel film incontreremo sfide, saloon con mignotte annesse, whisky e tutti gli ingredienti basilari del genere polveroso per eccellenza. Personaggio fulcro del film, o per lo meno l’unico conosciuto a livello mondiale, è un crudele, cinico e completamente pazzo Iguana! Sto parlando del grande Iggy Pop, il quale oltre ad avere una delle parti principali confeziona la colonna sonora del film che è di conseguenza di grande fascino (non è questione di gusti). Il suo personaggio è Madden, la guardia del corpo, sicario e faccendiere del signorotto della cittadina di Atolladero, il vecchio giudice Wedley, che avendo più di un secolo è tenuto in vita da una serie di macchinari controllati continuamente da un medico alcolizzato e dal passato oscuro che gli fa da balia. Lo sceriffo del paese fin dall’inizio sembra il personaggio principale del film, uomo depresso e rassegnato ma efficiente nel lavoro, che non fa altro che eseguire gli ordini del giudice. Tutto sembra trascinarsi nella solita noia tra preti tossicomani, ninfomani pervertite e vecchi pazzi fino a quando l’aiutante dello sceriffo, il giovane e insofferente Lennie, non ottiene una convocazione a Los Angeles per un possibile trasferimento, praticamente la coronazione di un sogno per lui. Il ragazzo ha paura di rivelarlo allo sceriffo, ma soprattutto al più potente, al giudice. Lennie sa che non sarà facile, infatti appena comunica la sua volontà di lasciare quel buco desertico viene condannato a morte seduta stante ed inizia una caccia all’uomo spietata nei suoi confronti. Il ragazzo è l’unico che non si è rassegnato a vivere in quel posto dimenticato da Dio, tutti quelli che ci vivono sembrano aver perso ogni speranza, ogni impulso vitale, si trascinano in una quotidianità agghiacciante come se fosse una colpa da espiare. Non è solo la volontà del giudice a impedire loro di andarsene, ma l’assenza di altre possibilità o meglio una mente che rifiuta ogni altra possibilità. Si nasce o si arriva in un posto e ci si rimane. Per questo la caccia all’uomo nei confronti del giovane viene esaltata così tanto dai pochi abitanti. Atolladero è una sorta di maledizione, anzi, Atolladero è l’inferno, dove tutti stanno espiando una colpa, evidente o meno, ma dove qualcuno vi è finito per caso e vi sta male, il suo corpo la rifiuta. Un animo innocente non può vivere in un inferno. Prima opera del regista Óscar Aibar che diventa ben presto un piccolo cult movie, sicuramente costato poco non sfigura nemmeno negli effetti di computer grafica e il ritmo è sostenuto e incalzante come una corsa a cavallo con brevi pause scandite da una sorta di capitoli, più di nome che di fatto. Trama per nulla banale e la metafora di fondo sebbene sia sottile si lascia cogliere anche attraverso un finale liberatorio metaforicamente buio ed estremamente pessimista, ma nello stesso tempo libero, di una libertà on the road. Il futuro è incerto anche quando si scappa dall’inferno.di Davide Casale
Ne “La notte del Drive – In” quell’immenso scrittore americano che risponde al nome di Joe Lansdale immaginava una umanità costretta a vivere e sopravvivere all’interno dell’angusto spazio di un drive – in.Stesso scenario ce lo offre Brian Trenchard-Smith in questo piccolo cult degli anni ’80.Il punto di partenza,non è ,però, l’horror comico di Lansdale,ma il solito mondo post-atomico,sconquassato dal caos e dalla violenza.In questo universo,popolato da punk,auto corazzate e luci al neon,si muove il protagonista, Crabs,un giovane mingherlino e sveglio.L’incubo comincerà in una notte passata nello “Star Drive-in”,un posto colorato ed affollato alla fine dell’autostrada.Qui, Crabs,in compagnia della sua ragazza,si ritroverà prigioniero,costretto da alti muri recintati e fili spinati e con l’alta tensione,insieme ad una larga giovane umanità che convive, obbligatoriamente,passando il tempo a guardare film e a ciondolare in giro.Un lager controllato dalla polizia e da un uomo grassoccio e dimesso che bada che le bobine dei film vengano cambiate e che i ragazzi siano distratti da svariati “divertimenti”.La sete di libertà di Crabs,però, lo porterà a cercare di scappare,prima ricostruendo la propria auto e poi,affrontando i propri carcerieri.Il drive-in è metafora,per nulla celata, della società moderna,con, da una parte, lo Stato carceriere,rappresentato dai poliziotti e dall’altra parte una gioventù allo sbando, che accetta di buon grado di essere ghettizzata e reclusa in cambio della sicurezza di un pasto caldo e di un po’ di divertimento, offerto dalle droghe e dall’ alcool,elargito generosamente dalla polizia stessa.La critica sociale è sempre presente quando viene rappresentata la tensione tra i diversi gruppi etnici all’interno del cinema-lager,con i prigionieri che pensano ad odiarsi tra loro per ragioni razziali,invece di ribellarsi contro chi li tiene in gabbia.Per tutto il film si respira l’atmosfera degli anni ’80,tra assordanti canzoncine pop e un panorama desolato,quasi cyberpunk,ma, al tempo stesso, coloratissimo di luci e di graffiti.Il cinema australiano ancora protagonista della fantascienza post-atomica,dopo il successo dei vari Mad Max.In particolare il regista Trenchard-Smith ha nel proprio curriculum una filmografia tutta tesa a questo tipo di tematiche,sempre infarcite di umorismo e critica sociale,dal lungometraggio “Turkey shoot”, fino ad “atomic dog”.di Andrea Scalise
Una donna, Yeon, scopre che il marito la tradisce (perdita della fiducia come perdita del respiro). Il desiderio di rivalsa si riversa tutto nella voglia di conoscere Jang Jin, un condannato a morte (l’attesa come apnea) che ha provato più volte a togliersi la vita, senza riuscirvi. Così l’incontro e la passione che nasce tra i due diventano pretesto di evasione: dall’incubo di una fine già decisa – e ritardata solo dai reiterati tentativi di suicidio – per l’uno; da una vita familiare spezzata dal tradimento e tenuta in vita solo dalla figlia, per l’altra. La storia si svolge come una spirale per tornare al punto di partenza, e ancora una volta Kim Ki-Duk torna a parlare con i gesti e le azioni, misurate quanto impulsive, dei suoi personaggi. Ancora una volta i dialoghi si fanno vuoti e superflui, senza motivo di essere, e il regista torna sui fortunati registri di “Ferro 3” e de “L’isola”, lo sguardo riacquista il ruolo di protagonista e basta un campo e controcampo a far venire la pelle d’oca. Una spirale di sentimenti in cui ciclicamente si torna a respirare, ma è un respiro che torna dopo l’apnea di una vita che va a rotoli. È arduo il compito del regista, che si dimostra capace nel guidare per mano lo spettatore, coinvolgendolo nell’intrico di sentimenti persi, traviati, poi ricostruiti in una tempesta di colori, tra i due protagonisti e non solo, attraverso due diversi livelli di rappresentazione: il dentro e il fuori. La dimensione “interna” di una prigione, in cui i corpi stanno avvinghiati, per volontà (il rapporto omosessuale tra compagni di cella) o per necessità (il freddo dell’inverno che incombe), e che non offre possibilità di evasione, né materialmente né mentalmente; e la dimensione “esterna” in cui si muove Yeon, dove l’abbondanza di spazio si rivela inutile e quasi di ostacolo (come il lungo tratto di autostrada che la separa dalla prigione). Quando la donna comincia a tappezzare la sala visite del carcere con gigantografie di foto di paesaggi scattate in diverse stagioni (Primavera, Estate, Autunno e l’Inverno naturale che fa da cornice alla storia, in un’esplicita autoreferenzialità manierista), il confine tra le due dimensioni si sfalda e permette a entrambi di evadere dalle mura – ormai non più definite per via delle foto – della prigione verso un esterno fittizio all’interno di una storia di passione travolgente. Come le stagioni si succedono e si avvicendano con regolarità, così le fasi della storia d’amore si definiscono e si completano, per arrivare all’evasione ultima: un amplesso realizzabile solo in una prigione finzionale, in cui quando uno espira l’altra inspira e il respiro dei due diventa uno solo (ritrovamento del respiro). Tre fasi – perdita del respiro, apnea, ritrovamento del respiro – in una storia carica di simbolismi, che sono però appannaggio del solo spettatore, l’unico a cui è permesso dare un’interpretazione a ciò che vede. Spettatore con cui Kim gioca e di cui riveste anche i panni: da capo della sorveglianza, infatti, si trasforma ora in spettatore divertito e partecipe (ha la stessa curiosità dello spettatore del film e si lascia trasportare dalle performance canore della protagonista), ora in regista sotto gli occhi dello spettatore, selezionando le immagini del monitor di sorveglianza e inducendo a determinati comportamenti i protagonisti della vicenda. Un Kim Ki-Duk definitivamente ritrovato.di Davide Beretta
Immaginate il classico villaggio semi-abitato spazzato dal vento del deserto, avvoltoi che volano in un cielo plumbeo girando in circolo nell'attesa di un buon pasto. In questo paesaggio funereo si fa strada un uomo di nero vestito, avvolto in un mantello più scuro di una notte senza stelle, il suo passo è deciso, niente lo turba.Si ferma davanti ad un saloon, accende un mozzicone di sigaretta e subito il volto s’illumina del colore della vendetta, dà uno sguardo in giro, estrae dal mantello una croce in legno con un nome inciso sopra, si concede una boccata di fumo e la pianta a terra.La sparatoria a seguire dimostra l’assoluta superiorità di Django nel dispensare morte, capacità che nel corso della vicenda diventa quasi arte “funerea”.Inizio folgorante per questo western dalle tinte gotico-horror, interpretato da Anthony Steffen protagonista d’innumerevoli western; partendo dai Django apocrifi, ai vari Sartana e Sabata, Shango, Garringo, Apocalisse Joe e persino Arizona!Girato con mano esperta da Sergio Garrone, abile mestierante del western e non solo, sono famosi (decidete voi se per meriti o demeriti) gli ormai classici eros-svastika: SS lager 5: L’inferno delle donne (1977) e Lager Ssadis Kastrat Kommandantur (1976).Fortunatamente in questo caso -a differenza dei sopraccitati- Garrone svolge un lavoro più che ottimo riuscendo nel difficile intento di unire le atmosfere del cinema gotico con quelle Western, andando ad arricchire quel sottofilone crepuscolare nato con Django (1966) di Corbucci e portato alla perfezione sempre dallo stesso con Il grande silenzio (1968).Le l'atmosfere plumbee, la messa in scena di simbologie funeree fanno di Django il bastardo un western sui generis, il lato “crepuscolare” cede ben presto il passo ad atmosfere addirittura horror. Il protagonista si muove solo di notte, appare dalle ombre (tanto che tutti pensano sia un fantasma) e scompare tra di esse in un batter d'occhio. A conferma della sua presenza rimangono solo cadaveri con a fianco una croce!La trama, che ovviamente è solo un pretesto per la carneficina, racconta di un tradimento durante la guerra di secessione da parte di tre ufficiali e il conseguente massacro. Django, unico “sopravvissuto”, riapparirà dalle ombre come un fantasma per vendicarsi.Plot non dissimile da High Plains Drifter (1973) di Clint Eastwood, conosciuto da noi col nome di Lo straniero senza nome, anche se il tema della vendetta (con le sue varianti) è uno dei temi cardine del Western.In conclusione: lasciatevi cullare dall'atmosfera e godetevi il rito mortuario! di Marco Figoni.
I Tenacious D,o The D per gli amici,sono la band di Jack Black e del suo mentore ed amico Kyle Gass. Jack non ha mai nascosto il suo amore per la musica rock e per tutto l'universo che vi orbita intorno tanto che spesso i suoi personaggi hanno una spiccata vena rock,primi il maestro di School of Rock e il commesso di Alta Fedeltà. Dopo essere apparsi in uan breve trasmissione televisiva ed aver calcato un bel po' di pachi negli States(i Tenacious D hanno due album all'attivo)arriva l'atteso e quasi scontato debutto cinematografico. Se guardando l'inizio musicale del film con un giovane J.B. con papà bigotto Meat Loaf e una serie di innesti animati ci si può solo aspettare grandi cose,purtroppo il film non regge il ritmo dell'ora e mezzo nonostante le trovate siano spesso divertenti ed azzeccato. Qualora il film sia scritto bene non lo è quindi girato perchè perde di mordente spesso e volentieri. La storia dei due aspiranti rocker scalcinati trasuda amore per la musica ed è quasi commovente nella sua demenzialità ma comincia a scemare quando inizia la fantomatica ricerca del famoso plettro ricavato dal dente del diavolo,che i nostri affronteranno(e che interpreta nientemeno che Dave Grohl). Kyle Grass è fine a sé stesso e non fa altro che spalleggiare Jack Black che invece è una risorsa inesauribile di follie e smorfie. Non a caso si sottolinea il suo rapporto con John Belushi citando più di una volta i Blues Brothers,la primissima fonte ispiratrice di Tenacious D. I BB però,nella loro demenzialità,si prendevano dannatamente sul serio,a differenza dei D che a volte sono un po' troppo parodistici. Alcuni camei non sempre riusciti(quello di Ben Stiller è ottimo mentre Tim Robbins forse farebbe meglio a ritirarsi)appaiono qua e là. Poteva essere molto meglio,poteva decisamente divenire un cult.di Gianluigi Perrone
Nonostante si tenda ad indentificare, ed a ragione, Sergio Leone come padre putativo dello spaghetti western forse il film per antonomasia è Django, del virtuoso Sergio Corbucci, dove collimarono decine di elementi fortunati:la sceneggiatura di Rossetti,fantastica a dir poco,la scelta del protagonista azzeccata che lanciò Franco Nero nell'olimpo,finanche alle trovate dell'aiuto regista Ruggero Deodato che contribuì ha dare crudezza al film. Un western oscuro e spettacolare con colpi di scena e immagini spettacolari e già cult prima di venire messe in pellicola. Django prendeva il nome da Django Reinhard, di cui era appassionato Corbucci ma poi è diventato un nome simbolo e riutilizzato nel genere western all'italiana.
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